DANNYLUX "TRISTE NAVIDAD" / "RESPUESTAS"

Más de una vez hacemos referencia a la costumbre sajona de buscar términos para englobar tendencias o fenómenos, también en el ámbito musical. Así, hasta los propios mexicanos han acabado por asumir la denominación regional mexicano para la música con raíces en su país. Rancheras, corridos o texmex, son algunas de las expresiones más famosas que engloba el término, en donde caben desde clásicos como Jorge Negrete o Pedro Infante, hasta las tendencias más vanguardistas. Dentro de la evolución del corrido mexicano, ha tomado un auge importante el corrido tumbado, influenciado por el hip hop o el rap más radical urbano, con sus variantes gangsta,  trap o drill. Nuestra propuesta de hoy es, a su vez, otra evolución de este corrido tumbado: el sad sierreño, cuyo contenido es, paradójicamente, romántico y melancólico, muy alejado de la ostentación que del sexo, las drogas y la violencia hace el corrido tumbado. En fin, todo un compendio de términos y estilos pero que nos deja sorpresas tan agradables como estas rolas (canciones). El sad sierreño narra principalmente fracasos, rupturas o añoranzas amorosas. De ahí el uso del término inglés "sad" (triste). Lo hace con sonido de guitarras agüitadas, con notas agudas y tristes -a ritmo y punteo de corrido- y bajo acústico. Un sonido muy característico que está calando en el ámbito musical hispano y que demuestra que hay vida en la música joven latina más allá del reguetón.

Por lo que hace a Dannylux, es un joven californiano de familia mexicana. Su padre, empleado del servicio de basuras, le llevó una guitarra en buen estado que encontró mientras trabajaba cuando tenía solo seis años. Escuchando ahora al hijo tocar las guitarras y el bajo acústico con que se acompaña, parece que la decisión del padre fue provechosa. Y es que con su peculiar estilo, de fraseo y tono latino con un toque pop indie, este cantautor  ha pasado en dos años de colgar sus covers y primeras composiciones en Tik Tok, a colocarse en primer plano del regional mexicano.  

DEAN MARTIN "LET IT SNOW, LET IT SNOW, LET IT SNOW"

En pleno solsticio de invierno, coincidiendo con la llegada de la Navidad, no queremos sustraernos a una referencia musical acorde al momento, como el clásico que hoy proponemos. Ha sido el paso del tiempo el que ha convertido el tema en referente navideño. Lo cierto es que cuando los compositores de Broadway Julie Styne y Sammy Cahn escribieron la canción en 1945, estaban en un Hollywood azotado por el riguroso calor californiano. De ahí un título cargado en su momento de fina ironía ("Deja que nieve", en castellano). Además se da la circunstancia, como bien refleja la letra, de que se trata un tema de amor. En cualquier caso, pronto su interpretación se asimiló al período navideño, hasta convertirse en santo y seña musical de la época que han interpretado infinidad de artistas en los más variados idiomas y estilos.

De entre sus innumerables versiones, nosotros hemos querido traer a nuestro blog la que en 1959 grabó Dean Martin. Este italoamericano, de nombre auténtico Dino Paul Crocetti, integrante del clan Sinatra, compartió con "La Voz" muchas similitudes: origen italiano, oficios varios en su juventud, escarceos en el mundo del boxeo, gran ego, innumerables romances o la profesión de actor y cantante. Inoldidable la pareja cómica que formó junto a Jerry Lewis o el tema que le llevó al máximo estrellato musical, "Everybody Loves Somebody". 

JOHN WILLIAMS "E.T., EL EXTRATERRESTRE: FLYING"

Nuestro blog tenía una cita inexcusable con este tema antes de acabar un 2022 que conmemora los cuarenta años del estreno de "E.T.., el extraterrestre", la mítica película referente de la década de los ochenta. Como en otros títulos señeros de Spielberg, es imposible disociar el filme de su banda sonora, algo que John Williams ya había logrado para entonces en otros títulos del afamado director como "Tiburón", "Superman", "La guerra de las galaxias" o "En busca del arca perdida".

En su día ya hicimos mención a Williams y a su enorme contribución artística musical. El gran compositor neoyorquino daría una vez más en el blanco con su aportación a esta entrañable historia de amistad entre un niño y un extraterrestre. Resulta imposible imaginar un mejor acompañamiento musical a un vuelo de bicicletas o al emotivo e intenso final de la película que el de nuestra propuesta de hoy. Con una breve y dinámica introducción con protagonismo para flautas y oboes, pronto las cuerdas marcan el ritmo ascendente del tema, con el apoyo de trompas, viento y percusión, logrando la sensación de vuelo mágico que desembocará en el emocionante y épico final reseñado. Música inolvidable que aquí rememoramos de la mano del propio John Williams al frente de la Boston Pops Orchestra en un concierto ofrecido en 2002, coincidiendo entonces con el vigésimo aniversario del filme. 

TANITA TIKARAM "TWIST IN MY SOBRIETY"

Nacida y criada en su niñez en Alemania, esta inglesa de ascendencia indofijiana y malasia, llegó a la adolescencia interpretando temas propios de estilo pop y folk. Su potente y personal voz, algo ronca y oscura, pronto llamará la atención en el ambiente artístico londinense, fichando al tiempo por la discográfica Warner, con quien editará su álbum más señero, “Ancient Heart”, que contiene éxitos como “Good Tradition” o nuestra propuesta de hoy.

Tanita Tikaram será un referente del pop folk mundial en el lapso de los ochenta a los noventa, aunque paulatinamente pasará a un ámbito más minoritario, llegando a alternar períodos de inactividad artística con nuevas propuestas musicales que, aunque de menor impacto comercial, siguen mostrando su gran capacidad creativa e interpretativa. Artista de cullto, sus composiciones rezuman talento y buen gusto, con letras de profundo contenido poético. De su etapa más prolífica nos quedamos con “Twist In My Sobriety”, de letra enigmática que, según la artista, refiere la dificultad que conlleva el tránsito de la adolescencia a la vida adulta. El comienzo de la letra (“Todos los hijos de Dios necesitan zapatos para viajar”) está tomado de la poetisa estadounidense Maya Angelou. Con marcado ritmo percusivo y un acertadísimo uso del oboe, a cargo del gran oboísta británico Malcom Messiter, la canción mantiene el mismo tono evocador y emocionante que provocó en su momento. 

Insertamos dos vídeos. Uno con su traducción en castellano (ni su edición ni alguna falta de ortografía son responsabilidad de este blog) y otro el -en su día- original que editó la artista y que está grabado en un poblado del Altiplano boliviano.

MATT MONRO "ALGUIEN CANTÓ" / "TODO PASARÁ"

Retomamos nuestras propuestas musicales por todo lo alto, haciéndolo de la mano de Matt Monro, el gran crooner inglés coetáneo de los Frank Sinatra, Andy Williams o Paul Anka. De nombre real Terence Edward Parsons, desde adolescente desempeñó distintos trabajos para ganarse la vida, enrolándose en el ejército con solo diecisiete años, acabando destinado en Hong Kong, en donde comenzará a dedicar su tiempo libre a cantar y promocionarse en concursos musicales y radios locales. Lo mismo hará a su vuelta a Londres, seis años después, compatibilizando su actividad como cantante en grupos, orquestas y anuncios comerciales, con su trabajo como chófer de autobús urbano. Sus cualidades musicales no pasarán desapercibidas para la cantante Winifred Atwell, que mediará con la discográfica Decca Records para que nuestro protagonista, ya bajo el nombre de Matt Monro, grabe su primer disco en 1957, obteniendo un reconocimiento que se consolidará poco después de la mano de George Martin, el mítico productor de Los Beatles.

A partir de los sesenta, Monro no hará sino acrecentar su fama y éxito internacional con canciones como "Portrait Of My Love" o "My Kind Of Girl". En 1963 grabará el tema principal de la película "Desde Rusia con amor" de la saga James Bond. Un año después quedará segundo en el festival de Eurovisión representando al Reino Unido con "I Love The Little Things". Y en 1967 ganará el Oscar a la mejor canción original interpretando el tema del filme "Nacida Libre". Matt Monro triunfará también con grabaciones en distintos idiomas, obteniendo gran popularidad en España e Iberoamérica con la interpretación en castellano de algunos temas. En unos tiempos en que la canción romántica tenía un espacio destacado en radios, discotecas o guateques, la voz potente, melosa y elegante de este inglés encajará a la perfección. Como mejor muestra de todo ello nuestra doble propuesta de hoy, en la que podemos apreciar las cualidades de este enorme artista, bien secundado por unos buenos arreglos orquestales. Lamentablemente, su progresiva adicción al alcohol le llevaría a la muerte con solo cincuenta y cuatro años..

MARIZA "Ó GENTE DA MINHA TERRA"

Quién le iba a decir a Amália Rodrigues que su indiscutible sucesora como diva del fado no vendría al mundo en territorio ibérico. Y es que Marisa dos Reis Nunes (de nombre artístico Mariza) nació en la entonces colonia portuguesa de Mozambique. Mulata, de padre portugués y criada desde pequeña en la Lisboa en la que sus padres regentaban una taberna, desde niña se empapó del fado. Hoy traemos nuestra propuesta con el convencimiento de que que escuchar la hondura y plenitud expresiva de Mariza cantando es la mejor forma de aproximarnos al fado. Y es que nuestra protagonista es, de largo, su mejor embajadora mundial. Con su imponente presencia escénica y un emotivo registro vocal que alterna la modulación y potencia justa en cada momento, Mariza lleva más de veinte años carrera artística, con alguna incursión también en la canción soul y melódica, y colaboraciones con algunos intérpretes españoles de la talla de José Mercé, Miguel Poveda, Concha Buika, Vanesa Martín o Sergio Dalma.

No tenemos mejor ejemplo para auditar lo dicho que la versión que hace ya quince años hizo la cantante de su tema más señero: "Ó gente da minha terra", un magnífico poema alegórico del fado escrito por Amália Rodrigues pero nunca musicado ni cantado por ella. Esencia pura del estilo fadista triste de Lisboa, y dedicado a sus gentes, hay que escucharlo en vivo para captar el torrente de emociones que nos transmite en la voz de Mariza. Y como quiera que en la primera de las versiones adjuntas la cantante llega a emocionarse e interrumpir su interpretación ante un entregado publico lisboeta -lo que, en nuestra opinión, aún la engrandece más-, hemos adjuntado otro vídeo con otra no menos entrañable interpretación de esta gran canción que concluye: "¡Oh,  gente de mi tierra / ahora me di cuenta / que está tristeza que traigo / la recibí de vos".

DÚO DINÁMICO "AMOR DE VERANO"

Han transcurrido la friolera de sesenta y cuatro años desde que Manolo de la Calva y Ramón Arcusa, dos jóvenes barceloneses amantes del jazz y el folklore, influenciados por los Everly Brothers, decidieran formar un dúo que se iba a llamar The Dinamic Boys, hasta que Enrique Fernández, el locutor que los presentó formalmente en Radio Barcelona, dijo que él no sabía inglés y que les anunciaría como el Dúo Dinámico. Y con ese nombre se quedaron, aunque en una época dieron en llamarse Manolo y Ramón. Leyenda de la música española, precursores patrios del twist, del rock & roll y del pop, pronto triunfarán entre la gente joven, despertando el fenómeno fan en nuestro país ("las dinámicas", se llamó a sus seguidoras), llegando a protagonizar exitosas películas y grabando temas que son santo y seña de nuestra historia musical, como las adaptaciones de "¡Oh Carol!" o "Hello May Lou" y temas propios como "Quince años tiene mi amor", "Lolita twist", "Esos ojitos negros", "Perdóname", "Somos jóvenes", "Quisiera ser", "Resistiré" -ya publicada en este blog- o nuestra propuesta de hoy. Reseñar cómo, además de intérpretes de éxito, el dúo ha compuesto y producido parte de sus temas y otros ajenos tan exitosos como el "La, la, la", con el que España ganó Eurovisión, o "Soy un truhan, soy un señor" y "De niña a mujer" de Julio Iglesias.

En cuanto al tema de hoy (popularmente más conocido como "El final del verano") es una balada de 1963, muy acorde al momento estacional, con arreglos a ritmo repetitivo, marcado por la guitarra y el tambor, un solo de saxo melancólico, una cuerda potente y, sobre todo, unas voces bien armonizadas, marca de la casa. Hemos querido adjuntar un segundo vídeo con imágenes de la celebérrima serie televisiva "Verano Azul" de Antonio Mercero, de 1981, que hizo un acertadísimo uso del tema en su último capítulo titulado, precisamente, "El final del verano". Tan es así, que la serie ayudó a relanzar la carrera musical de un dúo que, a día de hoy, sigue abarrotando por miles los escenarios en donde actúa.

FRANKIE VALLI / MÅNESKIN "BEGGIN´"

Con gran afición musical y ganas de comerse el mundo, los adolescentes romanos Damiano David y Victoria De Angelis, a los que se uniría su compañero de Secundaria Thomas Raggy y, posteriormente -a través de un anuncio-, Ethan Torchio, decidieron crear Måneskin (voz, bajo, guitarra y batería, respectivamente) hace siete años. La ascendencia danesa de De Angelis les llevó a escoger un nombre que significa "Luz de luna" en danés. Tras ganar un concurso musical local, hacer varios bolos y actuaciones callejeras, su frescura y originalidad -y, cómo no, las redes sociales- les harán un hueco en el panorama musical romano, versionando temas clásicos y alguno propio. Viajarán entonces a Dinamarca para mejorar su puesta en escena y, a su vuelta, les llegará la fama de la misma manera que a muchos de los grupos y artistas noveles que traemos a este blog: a través de un concurso televisivo (en este caso la versión italiana de "Factor X"). A partir de ahí, con un estilo entre indie y hard rock, adquirirán una creciente notoriedad que les llevará a concursar y ganar el Festival de San Remo, representar a Italia y vencer en la edición de Eurovisión del año pasado, con el tema "Zitti e buoni", abriéndoseles también las puertas y el reconocimiento fuera de sus fronteras.

Casi cuarenta años antes que estos jóvenes nacieran, otro cantante de origen italiano, Frankie Valli (Francesco Stephen Castelluccio) arrasaba en las listas de éxitos de medio mundo, solo o en compañía de su grupo The Four Seasons, gracias a su potente voz de tenor, su canto en falsete y temas como nuestra propuesta de hoy y otros tan famosos como "Can´t Take My Eyes Off You", "Sherry" o, algo más tarde, "My Eyes Adored You" o "Grease". Así que hemos querido incluir la versión original de este tema de enorme ritmo y fuerza vocal; y su última y más exitosa -y roquera- versión a cargo de Måneskin. Además, y aunque en lo que hace a Valli nos quedamos de largo con la versión musical del vídeo, os dejamos un enlace a un buen montaje de la evolución del artista interpretando la canción. Y, ya puestos, adjuntamos este otro enlace a la excelente adaptación que la banda noruega de hip hop Madcon hizo del tema hace quince años, más acorde al ritmo R&B.de la original.

MAROON 5 "THIS LOVE"

 

Lo que empezó en 1994 como un grupo de rock formado por unos estudiantes adolescentes californianos de Los Ángeles. bajo el nombre de Kara´s Flowers, no cuajaría hasta el cambio de milenio cuando con nuevos bríos, una mayor madurez musical y la denominación de Maroon 5, editarán su álbum "Song About Jane". Desde entonces el éxito ha sonreído a esta banda liderada por el solista y guitarra Adam Levine, con  una sucesión de álbumes repletos de canciones muy populares que les han llevado a lo más alto del panorama pop rock internacional, con numerosos premios, reconocimientos, unos cuarenta millones de discos vendidos y abarrotando cuantos recintos visitan por todo el mundo. Canciones como "Lost Stars", "One More Nigth", "Daylight", "Makes Me Wonder", "Payphone" o "Sugar"  dan cuenta de ello. Y si para lograr un nuevo éxito tienen que versionar a Pachelbel, no dudarán en hacerlo, como con su exitosa "Memories", editada ahora hace tres años.

El caso es que si hay un tema icónico de esta banda ese es, sin duda, nuestra propuesta de hoy: "This Love", canción que cumple veinte años y que les lanzó al estrellato. Con una entrada rítmica espectacular marcada por la batería -con un comienzo de sonido filtrado que le da un toque reverberado- y un piano sincopado, a los que luego se añade una guitarra con acordes funky y el resto de instrumentos, el tema transmite buenas vibraciones, aunque la transición del estribillo a la estrofa le da un aire de seriedad -¡genial el órgano Hammond y los coros!- más acorde a una letra que nos habla de una relación pseudo tóxica. Y si nos hemos detenido en describir la parte instrumental, qué decir de una interpretación vocal magistral a cargo de Levine, llena de potencia y acertados falsetes. En fin. Un enorme tema con un vídeo polémico en su momento por alguna de sus explícitas escenas. Como anécdota indicar que la historia de la canción -como otros temas de ese álbum- se inspira en la ruptura que el propio Levine tuvo con su hasta entonces novia, Jane Herman Bishop. Y que el cantante ahogaría sus penas con la modelo que protagonizó el vídeo de la canción, Kelly McKee, quien durante un tiempo se convertiría en su pareja. Todo un precedente para un "rompecorazones", casi tan conocido por la nómina de modelos y famosas con las que se le ha relacionado, como por su indudable buen hacer al frente de esta banda. Finalmente, no nos resistimos a incluir otro vídeo con una versión en directo de nuestra propuesta -cuya interpretación va de suyo en todos los conciertos de la banda- en donde se puede comprobar la fuerza y arrastre que el tema causa entre su público.

LOS MITOS "ES MUY FÁCIL"

Siguiendo las propuestas veraniegas del blog, traemos otro tema ligero y desenfadado aunque no menos relevante. Corren finales de los sesenta y la efervescencia pop llegará a Bilbao de la mano de grupos como Los Tañidores, Los Espectros o Los Famélicos. Su repercusión será relativa, a pesar del padrinazgo de un emergente José María Íñigo. Pero de entre algunos de los componentes de estos grupos, no sin las habituales idas y venidas, surgirá la que será una de las bandas españolas más señeras de finales de los sesenta y comienzos de los setenta: Los Mitos. Con músicos como Eduardo Robles, Oscar Matía Sorozábal, Luis Cuezva, Carlos Zubiaga (luego incorporado al grupo Mocedades), José Ignacio Millán o el cantante José Antonio Santiesteban (que triunfará posteriormente como solista con el nombre artístico de Tony Landa), el grupo bilbaíno alcanzará el éxito bajo el paraguas del entonces todopoderoso triángulo musical que formaban la discográfica Hispavox, el productor italiano Rafael Trabuchelli y el arreglista y compositor argentino Waldo de los Ríos.

Así en 1968 empiezan a adquirir notoriedad con "Cuando vuelvas", un apreciable tema con destacadas polifonías vocales a lo Beach Boys. Pero será en 1969 cuando arrasen con nuestra propuesta de hoy, un tema tan sencillo y pegadizo como efectivo, que aún permanece en la memoria colectiva del pop hispano. Con un gran arranque rítmico percusivo, una inolvidable introducción coral en falsete (pi pi pi pi pi pi), una interpretación algo jaranera y una letra despreocupada y optimista, Los Mitos alcanzarán la máxima popularidad. A destacar la interpretación, un tanto excesiva, de Tony Landa, quien será uno de los primeros en abandonar el grupo. Y es que, aunque Los Mitos aún alcanzarán éxitos como "Si te acuerdas de mí", ya nada será lo mismo.

RADIO FUTURA "ESCUELA DE CALOR"

Retomamos la actividad de nuestro blog tras un breve paréntesis veraniego, con este exitoso grupo pop español, tan ligado a la movida madrileña. Con unos inicios heterogéneos en componentes e influencias musicales, temas como "Enamorado de la moda juvenil", "Divina estás" (adaptación hispana dedicada a Alaska del clásico "Ballrooms Of Mars" de T Rex), "No tocarte", "Semilla negra", "El tonto Simón" o "Veneno en la piel", convertirán a Radio Futura en uno de los principales referentes musicales patrios en la década de los ochenta. Con un claro estilo pop, el grupo irá evolucionando desde sus comienzos Nueva Ola -con la principal influencia de Herminio Molero- hacia un estilo algo más elaborado y sofisticado de la mano de los hermanos Auserón,  con ritmos negros e hispanos, predecesores del rock latino. A pesar de cierta pose intelectual, Radio Futura no escapará a los cánones comerciales y a los contenidos tantas veces simplistas y frívolos de los grupos de la época, aunque lo hará con una buena producción y puesta en escena, como lo demuestra nuestra propuesta de hoy -muy acorde a los rigores estivales-, compuesta y cantada por Santiago Auserón, con un excepcional riff de guitarra a cargo de Enrique Sierra, bien secundado por las notas funky de guitarra del propio cantante, la batería de Carlos Solrac Velázquez y el bajo de Luis Auserón.

MICHAEL FRANKS "JEALOUSY" / "LOVING YOU MORE AND MORE"

Con sus casi setenta y ocho años, el californiano Michael Franks sigue fiel a sus inquietudes literarias y musicales que le llevarían a convertirse en uno de los referentes vocales del llamado smooth jazz o jazz fussion. Si su primera aproximación profesional a la música fue de la mano de un musical protagonizado por Mark Hamill (el Luke Skywalker de "Star Wars"), pronto derivaría desde un estilo folk hacia el jazz y la bossa nova, muy influenciado por músicos como Miles Davis, Stan Getz o los brasileños Joao Gilberto y, muy especialmente, Antonio Carlos Jobim, su gran inspirador, con quien mantendrá la amistad hasta su muerte.

De voz melosa y suave, alejada de los grandes alardes vocales de los crooners clásicos -aunque con una elegante y refinada expresividad vocal-, Franks no escapará a las críticas de los puristas del jazz y de quienes lo considerarán excesivamente ñoño. Cierto que las letras de este profesor y Doctor en literatura, rezuman sencillez y sensualidad -no exenta en ocasiones de ironía- a partes iguales. Pero lo cierto es que pocos cantantes han logrado mantener una carrera como la suya, todavía activa, con más de quince álbumes de estudio a sus espaldas, un buen puñado de recopilaciones, y colaboraciones o versiones de sus temas con intérpretes de la talla de Carmen McRae, Diana Krall, Art Garfunkel, The Manhattan Transfer, The Carpenters o Ringo Starr, pudiéndose contar con los dedos de una mano los artistas con el plantel de músicos que han acompañado a Franks en sus grabaciones e innumerables conciertos en todo el mundo.

Por eso, a modo de presentación en este blog, hemos querido hacer una doble propuesta. Un primer tema más rítmico, "Jealousy" (una de las primeras grabaciones digitales de calidad que quien escribe estas líneas recuerda haber escuchado, allá por 1982), que trata irónicamente sobre los celos que un amante siente ante la más que probable infidelidad de su pareja ("Ahora me siento como Otelo, cansado y mosqueado de esta sospecha"); y "Loving You More And More", una buena balada jazz cool de letra algo cursi. Atención a los magníficos arreglos de estas canciones y, sobre todo, al elegante solo de fliscorno de Jerry Hey en el segundo tema. 

SAVEUS "TRAITORS"

Con solo quince años Martin Hoberg Hedegaard saltó a la fama en 2008 al ser ganador de la primera edición danesa del programa musical "Factor X". Se convertía así en la persona más joven del mundo en lograrlo. Su espectacular registro vocal y buena capacidad interpretativa le otorgarían el favor del público danés, llegando a vender más de cien mil copias de su primer álbum "Show The World". Tras centrarse después y triunfar como autor y productor musical -principalmente para el mercado pop coreano- el danés retomará en 2015 su carrera de cantante, esta vez bajo el nombre de Saveus. Temas como "Ready To Die", "Levitate Me" o "Church Full Of Bad Men" le devolverán al primer plano como intérprete. 

En cuanto a nuestra propuesta de hoy, "Traitors", se trata del tema que Saveus compuso e interpretó hace un año para la película "El efecto Marco", cuarta entrega cinematográfica del nordic noir danés "Los casos del Departamento Q". La letra alude al sentimiento de culpa y traición  que refleja el filme ("Muéstrame cómo escondes tu culpa, cómo estás ocultando la verdad, tomé un giro equivocado, haré un movimiento correcto, los traidores cambian"). Con un potente y solemne estilo pop electrónico, que acompaña bien este oscuro thriller, Saveus demuestra sus dotes artísticas y el porqué de su éxito. Junto a la versión principal de la canción, hemos querido adjuntar otra con una interpretación y orquestación más templada y melódica -muy estilo Bond- donde sus cuidados agudos y vibratos adquieren un mayor protagonismo. 

MIGUEL BOSÉ "MORENAMIA"

Hijo del torero Luis Miguel Dominguín y la actriz italina Lucía Bosé, ahijado del cineasta Lucciano Visconti, criado en un ambiente familliar con amistades como Pablo Picasso, Sofía Loren o Ernest Hemingway, estaba claro que nuestro protagonista tenía muchas papeletas para ser artista. Habiendo estudiado danza, bien joven se inclina por la música, siendo Camilo Sesto el cantante que, mediados los setenta, lo apadrinará. Pronto triunfará con temas como "Linda" o "Anna", convirtiéndose en ídolo de quinceañeras. Con una estética y coreografía rompedoras para su época y una imagen ambigua que siempre le acompañará, Bosé afianzará su éxito dentro y fuera de nuestras fronteras con temas como "Te amaré" o "Super Superman". En los ochenta, dará un salto de madurez artística, en imagen, temática y voz, con temas como "Amante bandido" o "Sevilla". Para entonces Bosé ya es una megaestrella, siendo innumerables sus colaboraciones con cantantes y grupos de gran renombre nacional e internacional, con sonoras incursiones en otros ámbitos artísticos como el cine, manteniendo a la par una importante actividad de compromiso social. El cantante sabrá mantenerse en primera línea musical, aunque distintos avatares personales y su persistente consumo de drogas le han pasado factura de un tiempo a esta parte, con un evidente deterioro físico y distintas polémicas mediáticas que, en cualquier caso, no empequeñecen su importante trayectoria artística.

"Morenamia", editada hace veinte años, es una composición escrita por el propio Bosé junto a dos de sus colaboradores habituales, los italianos Lanfranco Ferrario y Massimo Grilli. La canción, muy en la línea provocadora del artista, aunque formalmente impecable, describe en su estribillo una felación (aunque la letra juegue al engaño fonético, cambiando la palabra "francés" por "cafe"). Y en cuanto a los versos, estarían describiendo una conducta poliorgásmica de la morena en cuestión. Aunque lo dicho pueda sonar un punto grosero, sus magníficos y sensuales arreglos, con una destacada introducción de guitarra marcando la melodía, otorgan una enorme elegancia  y trascendencia musical a este popular tema. 

COTI "BAILEMOS"

A mediados de los noventa, el argentino Coti Sorokin comienza a dedicarse profesionalmente a la música, en su doble facete de intérprete de sus propios temas -de la mano del precursor del rock argentino Lito Nebbia- y como músico de estudio y compositor para otros artistas. Colaborador de primera hora de Andrés Calamaro, mantiene un vínculo profesional muy estrecho con su hermano Javier. Sin abandonar nunca sus colaboraciones y composiciones para otros músicos de renombre como Fito Páez, Paulina Rubio, Sergio Dalma, Julieta Venegas, Enrique Iglesias o Diego Torres (para quien compuso el éxito "Color esperanza"), este artista de Rosario triunfará como intérprete con canciones como nuestra propuesta de hoy, "Nada fue un error", "Antes que ver el sol" o "Te quise tanto".

Con un estilo pop y roquero latino, Coti lleva más de dos décadas siendo un referente musical argentino, especialmente reconocido en nuestro país. En cuanto a "Bailemos", es una composición de 2006, cuyo vídeo está ambientado en el carnaval de Gualeguaychú -el más popular de estilo brasileño de Argentina-, en la que destaca la colaboración del guitarrista José Miguel Carmona, aunque en este blog hayamos preferido insertar la versión en directo de 2015 en el Gran Rex de Buenos Aires, con un aire menos aflamencado y más roquero. Pero, de igual forma que hemos dejado un enlace para poder ver el vídeo original, también queremos dejar aquí otro enlace a la versión acústica que hace solo un año Coti hizo del tema en su propio estudio de grabación, en esta ocasión con un estilo bossa nova y guiño tanguero en su final.

BILLIE EILISH "HAPPIER THAN EVER"

De familia artística, Billie Eilish es educada desde pequeña en música y baile. Con apenas once años comienza a escribir sus propias canciones y con quince publica en la plataforma Souncloud la canción "Ocean Eyes", compuesta en compañía de su hermano Finneas (también artista y alma mater de la cantante), que se convertirá en un fenómeno viral y dará comienzo a su meteórico ascenso como máxima exponente musical de la Generación Z y musa del pop mundial.

Con un estilo vocal intimista, en forma de susurro entrecortado, que a veces culmina en un vibrato, melodías y arreglos de estilo indie y electropop, y unas letras directas y con pocas concesiones -reflejo de los miedos, inseguridades y problemas propios de su generación- Eilish ha acumulado seguidores por millones -también detractores-, y toda clase de galardones y reconocimientos, destacando el Oscar logrado este año por "No Time To Die", el tema del último Bond.

Un buen ejemplo de lo dicho es nuestra propuesta de hoy, "Happier Than Ever", la descripción de una relación fallida. Lo que empieza de modo intimista a ritmo de guitarra acústica folk, deviene en un crescendo vocal en el que Eilish expresa su rabia a ritmo de balada hard rock, con un potente sonido percusivo distorsionado. Junto al vídeo traducido al español, adjuntamos otro con la gran interpretación que esta californiana hizo de la canción en la reciente ceremonia de los Grammys, acompañada de su hermano a la guitarra, y en la que homenajeó al batería de los Foo Fighters Taylor Hawkins,  recientemente fallecido.

GÉRARD LENORMAN "MICHELLE"

Recién cumplidos los treinta años, muy seguro debió estar este cantante de que tenía entre sus manos una gran canción para, diez años después de que Los Beatles triunfaran con su "Michelle", atreverse a interpretar otra balada romántica con el mismo nombre. Compuesta por Didier Barbelivien -reputado músico que ha escrito canciones a infinidad de estrellas francesas e internacionales como Johnny Hallyday, Michel Sardou, Celine Dion o Julio Iglesias- esta canción de 1975 tuvo un enorme éxito popular en su momento y aún permanece en el imaginario colectivo de toda una generación de franceses. La añoranza y sencillez con que se describe una relación de adolescencia y juventud, no pudo tener mejor intérprete que un Lenorman que ya había comenzado a despuntar como cantante melódico unos años atrás, especialmente cuando a finales de los sesenta compuso un par de temas con la actriz Brigitte Bardot, lo que le permitió compartir una gira musical con Sylvie Vartan y, posteriormente, pasar a protagonizar la versión francesa del musical "Hair".

En este blog nos limitamos a incorporar vídeos ya editados de la plataforma You Tube. Lo decimos porque en nuestras propuestas en idiomas distintos al castellano procuramos insertar vídeos traducidos. Ocurre que ni todas las canciones del blog -especialmente las antiguas- tienen un vídeo "oficial", ni de todos estos hay versiones traducidas. Y lo mismo respecto a los vídeos con imágenes editadas particularmente. Y aun habiendo vídeos traducidos al español, no todos tienen la mínima calidad de sonido e imagen como para tenerlos en cuenta. Procuramos, eso sí, ser indulgentes con las faltas de ortografía, porque si no acabaríamos sin prácticamente vídeos traducidos que poder insertar en el blog. 

Pero volviendo a nuestra propuesta, destacamos la sentida interpretación de Gérard Lenorman así como los buenos arreglos del tema, con el uso -entonces nada frecuente en la canción melódica- de un sintetizador, que ayudan a crear la atmósfera melancólica y que nos hacen comprender porqué esta "Michelle" ha aguantado tan bien el paso del tiempo. Lenorman, que triunfará con otros temas como "Voici les clés" o "Gentil dauphin triste", será un referente de la canción melódica gala, con una imagen de ídolo romántico y un buen hacer profesional que le ha mantenido en activo hasta nuestros días.

SPANDAU BALLET "ONLY WHEN YOU LIVE"

Spandau Ballet será, junto a Duran Duran, la banda más representativa del movimiento musical británico New Romantic, encuadrado dentro de la New Wave (Nueva Ola en España), estilo post punk, a medio camino entre el tecno y el glam. El grupo de nuestra propuesta, formado por los hermanos Kemp -Gary, compositor y multiinstrumentista y Martin, bajista y posterior actor de éxito- junto a músicos como el solista Tony Hadley, el batería John Keeble o el saxofonista Steve Norman, triunfará en los primeros ochenta. Con un polémico nombre (el ballet al que hace referencia -acorde al movimiento con que se interpretaba entonces el tecno- viene del espasmo que produce un ahorcamiento), poco aprecio por parte de la crítica musical del momento, una estética refinada y vanguardista y una imagen de gente guapa, muy acorde a su cuidada y elegante apuesta musical, Spandau Ballet superará los veinticinco millones de copias de discos vendidos, triunfando de la mano del auge del vídeo en la promoción musical (corrían los tiempos en que el vídeo mató a la estrella de la radio) y temas como "Gold", "True", "Communication", "Through The Barricates" o nuestra propuesta.

"Only When You Live", es puro pop británico -con un toque de balada- en la línea más solvente y comercial del grupo. Guitarras, teclados, bajo, batería -¡qué bueno John Keeble rematando los estribillos!- y coros, secundan perfectamente el buen solo de saxo y, especialmente, la gran interpretación vocal de Tony Hadley, dando brillo a una canción cuya letra contrapone la parte superflua de una relación con el sentimiento de vacío ante su ausencia ("Solo cuando te vas necesito amarte").

RAPHAEL "YO SOY AQUEL" / "CUANDO TÚ NO ESTÁS"

Cuando con 17 años Miguel Rafael Martos Sánchez firma con la discográfica Philips, decide que su nombre artístico sea Raphael, con la misma ph de la firma neerlandesa. Al tiempo fichará por la discográfica Hispavox con la que, de la mano del compositor Manuel Alejandro, alcanzará el estrellato de la canción melódica de forma meteórica. Con una enorme capacidad vocal, una buena modulación y una personal puesta en escena -en línea con las formas teatrales empleadas por cantantes como los franceses Aznavour o Brel-, Raphael triunfará en España, el mundo de habla hispana y otros países de Europa, la Unión Soviética o Japón, alcanzando a lo largo de su vasta trayectoria unas ventas superiores a los cincuenta millones de discos. Aunque el cantante se mantiene en activo, conservando un público fiel y heterogéneo que lo ha elevado a la categoría de mito musical, será en la primera década de su carrera en donde Raphael cimente su fama, edite la mayor parte de sus éxitos y cante en plenitud vocal.

Nuestra propuesta de hoy incluye dos de estos primeros temas: la versión de "Yo soy aquel", con la que Raphael representó a España en el festival de Eurovisión de 1966, y "Cuando tú no estás", canción que dará nombre a la película homónima que protagonizará el cantante ese mismo año.

BOSTON "MORE THAN A FEELING"

La historia del grupo Boston no se entiende sin su líder e impulsor, Tom Scholz. Con formación en música clásica y muy influenciado por Los Beatles, este multiinstrumentista, brillante estudiante e ingeniero de la Polaroid, pasaba todo su tiempo libre componiendo y grabando canciones en un estudio casero que construyó en el sótano de su casa. En compañía de otros músicos y amigos residentes en Boston, especialmente del brillante cantante Brad Delp, creaba maquetas de estilo pop y hard rock que eran sistemáticamente ignoradas por las discográficas a las que se enviaban. Entre los temas de estas maquetas, destacaba nuestra propuesta de hoy, "More Than A Feeling". La suerte de Scholz cambiaría cuando dos cazatalentos de Epic Records quedaron prendados de la canción. Tras un sin fin de tiras y aflojas entre la discográfica y el muy minucioso y controlador Scholz que, centrado en la grabación y constante mejora de sus canciones, ni siquiera había formado una banda estable para actuar en directo, en 1976 vería la luz el álbum de igual nombre que el grupo, logrando un éxito que sorprendió a propios y extraños, llegando a vender más de diecisiete millones de discos, principalmente gracias a "More Than A Feeling", canción ya consagrada como mítica dentro del llamado AOR (Adult Oriented Rock). 

El tema, con una introducción en donde la melodía irrumpe con un volumen en progresión y protagonismo para las guitarras acústicas, es una balada nostálgica, inspirada por la admiración que Scholz sentía de pequeño hacia una prima mayor que él, en donde el meticuloso trabajo del autor -cinco años tardó en ultimar la canción- logrará una perfecta conjunción de melodía y ritmo -genial el riff de acompañamiento de la guitarra eléctrica-, con un destacado protagonismo para los coros y unos punteos de guitarra eléctrica que llegan a solaparse con los agudos del gran vocalista Brad Delp.

THE BEATLES "SOMETHING"

Pocas veces el extraordinario talento artístico de Paul McCartney y John Lenon dejó espacio a las aportaciones de George Harrison y Ringo Starr a Los Beatles. El liderazgo de los dos primeros fue indiscutible y las diferencias que existieran entre ellos las superaba su enorme amistad, hasta la llegada de Yoko Ono al lado de Lenon, o el papel apaciguador que George Harrison y Ringo Starr solían desempeñar. El caso es que ya en 1969, con la grabación del LP "Abbey Road", el ambiente en el grupo estaba bastante enrarecido. En esas circunstancias, un cada vez más maduro Harrison, logrará incluir e interpretar como solista la que será su más popular aportación a la discografía del cuarteto de Liverpool, "Something". 

Se trata de una magnífica balada romántica para la que Harrison se habría inspirado en su entonces esposa,  Pattie Boyd, de quien ya hablamos a propósito de su gran amigo Eric Clapton. Parece que Harrison habría pensado ceder el tema al guitarrista Jackie Lomax o al cantante Ray Charles, pero finalmente lo editarían los propios Beatles, convencido todo el cuarteto de su enorme potencial. Se dice que durante la grabación de "Something" Harrison se tomaría cumplida venganza de las constantes intromisiones que McCartney solía ejercer sobre su labor, siendo él en este caso el que le corregiría y haría cambiar algunas partes de su acompañamiento al bajo. Y si no eran pocas las veces en que Harrison se veía obligado a repetir las tomas de grabación de su guitarra -al igual que a menudo ocurría con los ritmos de batería que marcaba Ringo Starr- esta vez su gran solo de guitarra se grabaría en una sola toma, ya que su pista coincidía con la destinada a la orquesta sinfónica que acompañaba el tema y el elevado precio del alquiler de la orquesta no daba lugar a repetir muchas tomas. Así que la voz y guitarra de Harrison, el bajo y coros de McCartney, el piano de Lenon, la batería de Ringo Starr -impresionante su contribución al envolvente y sensual ritmo de la canción- y la aportación al órgano de Billy Preston (uno de los llamados quinto beatle), obrarían este milagro que se acabaría convirtiendo en la segunda canción más versionada de Los Beatles tras "Yesterday".

MINA "NADA TE TURBE"

Hace nada proponíamos la adaptación musicada que Joan Manuel Serrat hizo hace cincuenta años de la "Elegía" de Miguel Hernández. Este Jueves Santo volvemos a proponer otra adaptación musical de un poema, en este caso se trata de la poesía "Nada te turbe", de Teresa de Jesús, por parte de la cantante italiana Mina.

Doctora de la Iglesia y santa, Teresa de Jesús es la primera gran escritora española. Con un lenguaje directo  y sencillo, muy castellano, la abulense logrará expresar de manera excepcional sus elevados anhelos místicos, tal y como ocurre con el poema "Nada te turbe", aunque en esta adaptación, hecha por el músico y sacerdote romano Marco Frisina, únicamente figuren algunos de sus versos.

En cuanto a Mina, "la tigresa de Cremona", está considerada la mejor y gran diva de la canción italiana. Con más de doscientos millones de discos vendidos a sus espaldas, de ella diría el gran Louis Armstrong que "es la más grande cantante blanca del planeta". En el año 2000, la intérprete de "Parole, parole", editó el álbum "Dalla Terra" en el que, junto a otras composiciones clásicas, incluyó esta fantástica canción, con una interpretación y arreglos de gran intensidad. 

ARLO PARKS "HOPE"

En este blog solemos dar cabida a alguna de las nuevas propuestas musicales británicas, esa cantera inagotable de talento que nunca deja de sorprendernos. Es el caso de lo que ocurre con Arlo Parks, de nombre real Anaïs Oluwatoyin Estelle Marinho, inglesa de origen nigeriano y chadiano-francés, que lleva un tiempo abriéndose camino artístico como cantautora y escritora, con un estilo musical pop indie, tan personal como envolvente, una imagen andrógina y letras que abordan la problemática propia de sus veintiún años -inseguridades, anhelos, necesidad de aceptación o sexualidad-. La cantante conecta bien con buena parte de esa Generación Z no menos incierta que el tiempo que le ha tocado en suerte. Fiel reflejo de ello nuestra propuesta de hoy, "Hope" (Esperanza), que ofrecemos en vídeo traducido al español, aunque igualmente adjuntemos el original.

JOAN MANUEL SERRAT "ELEGÍA"

 

En 1980 José Luis Coll publicó un libro de ingeniosas dedicatorias a personajes famosos del momento. La que escribió a Joan Manuel Serrat rezaba: “Al catalán que dio a conocer al andaluz que escribió a Castilla”. Se refería así el humorista a la divulgación de la obra de Antonio Machado que Serrat había logrado con el disco que en 1969 -aprovechando lo que en el tardofranquismo dio en llamarse la apertura- había editado en homenaje al poeta sevillano. Solo tres años después, el cantante repetiría experiencia y éxito con otro álbum dedicado a Miguel Hernández. Lorca, León Felipe, Alberti, Benedetti o los catalanes Papasseit y Foix, serán otros poetas musicados o interpretados por el barcelonés. 

Ahora, y coincidiendo con el cincuenta aniversario de la publicación de este mítico disco con poemas del oriolano, proponemos uno de sus más famosos temas, la emotiva adaptación de la elegía que Hernández dedicó a Ramón Sijé, su paisano, valedor y buen amigo, con quien compartió pasión y sueños en torno a la poesía. El poema, una sucesión de tercetos repletos de enormes figuras literarias, expresa de manera contundente el desgarro por la muerte repentina e inesperada del amigo. Pena acrecentada, sin duda, por el distanciamiento ideológico provocado entre ambos a raíz de la guerra civil. Serrat, y su sentida interpretación, están a la altura del reto que supuso musicar una de las obras cumbre de la poesía española, siendo justo destacar también los buenos arreglos musicales de Francesc Burrull. Finalmente, haremos mención a otro poema cantado de Hernández, magníficamente interpretado por Sole Giménez, publicado hace un año es este mismo blog: "Tus cartas son un vino".

ANA BELÉN "SOLO LE PIDO A DIOS"

En 1978, el compositor y cantante de folk y rock Raúl Alberto Antonio Gieco (León Gieco), compone este famoso tema. Fiel a su estilo comprometido, esta especia de Bob Dylan argentino, se alza con un canto en forma de plegaria, algo similar a lo que ya vimos en otra entrada de este blog con el colombiano Juanes y su "A Dios le pido", aunque en el caso de Gieco sea en un tono más reivindicativo ("que no me abofeteen la otra mejilla", dice inconformista) acorde a la coyuntura de su país. La canción la hará famosa su compatriota Mercedes Sosa, trascendiendo fronteras e idiomas, habiendo sido versionada por artistas tan dispares como Serrat, Antonio Flores, Pete Seeger, Shakira, Bruce Springteen, Juan Diego Florez, Paulina Rubio, Miguel Ríos o el grupo U2, convirtiéndose en un himno internacional en favor del compromiso y en contra de la guerra.

En España triunfará especialmente en boca de la cantante y actriz Ana Belén, siendo un clásico de todos sus conciertos. Esta popular y veterana artista madrileña no necesita presentación, acumulando éxitos musicales y cinematográficos. Sí aclararemos que su nombre auténtico es María Pilar Cuesta Acosta. De ahí el tema que en 1972 le compuso y grabó su marido, el cantante Victor Manuel, de título "Canción para Pilar" y que años después popularizaría el dúo Los Pecos. La versión que hoy proponemos de "Solo le pido a Dios" corresponde a la gira "Dos en la carretera", que  la cantante realizó hace veinte años junto a su marido, al que oímos haciendo los coros de una letra tristemente oportuna.

SIMON & GARFUNKEL "MRS. ROBINSON"

En diciembre de 1967 se estrena "El graduado", película de Mike Nichols. Protagonizada por Dustin Hoffman y Anne Bancroft, narra una relación entre un joven estudiante y una mujer mayor casada. El filme rompió tabús en unos momentos de importantes cambios sociales y culturales. Su productor, Larry Turman, quería a toda costa que el dúo Simon & Garfunkel interpretara uno de los temas de la película y lo habló con Paul Simon. Pero este, tras el éxito obtenido con "Los sonidos del silencio", estaba enfrascado en una exitosa gira del dúo y en la composición de otros temas. Así que únicamente pudo ofrecer a Turman un avance de una canción a medio componer y que, bajo el título de "Mrs. Roosevelt", iba a tratar sobre el pasado reciente de su país, con alusiones a la escritora, política y exprimera dama estadounidense, Eleanor Roosevelt, o al ídolo del beisbol Joe DiMaggio -apodado Joltin´ Joe-, el popular marido italoamericano  de Marylin Monroe. Se dice que Truman dijo a Simon: "Pues ahora la canción pasará a llamarse Mrs. Robinson", como la protagonista del filme.. Parece también que Paul Simon tarareó a Truman la parte de la canción que aún estaba sin letra. Y es que este cantautor es uno de los pocos en componer antes la música que la letra en sus temas. El caso es que ese tarareo tanto gustó, que finalmente se mantuvo en la introducción de esta celebérrima canción.

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STREET BOYS "SOME FOLKS"

Aunque británico, este cuarteto urbano se dio a conocer en París, en donde alternaba actuaciones en pequeños locales con otras callejeras. Armados de su voz, una guitarra, un acordeón, un clarinete y un contrabajo, con un estilo folk urbano -muy alejado de la moda tecno entonces pujante- y una imagen cercana y simpática, los Street Boys dieron la campanada en 1981 con la canción que hoy proponemos.

"Some Folks" sonó en toda Europa, alcanzando un gran éxito en nuestro país. Se trata de un tema acústico sencillo, interpretado con frescura y un tono desenfado. La canción abriría a estos chicos de la calle las puertas de todo el continente aunque su gloria fue efímera. La del grupo, que no la de un tema que desprende buen rollo y un punto de nostalgia ochentera. Muy acorde a lo dicho, el vídeo con imágenes cinematográficas de la época.

SOLEÁ MORENTE / LA CASA AZUL "NO PENSAR EN TÍ"

Hoy proponemos un tema que reúne bastantes singularidades. Esta nueva producción de la canción "No pensar en tí", concita en torno a sí a un buen número de artistas de renombre. Se trata de una versión del clásico que a finales de los ochenta compusieron Carlos Berlanga y Nacho Canut (los pilares en que Alaska cimentó sus éxitos) para Rafaella Carrà. La versión, hecha en homenaje a la recientemente desaparecida diva italiana, viene de la mano de Soleá Morente, hija de Enrique Morente y hermana de Estrella Morente. Esta cantante -que no cantaora- flamenca y actriz ocasional, colaboró desde jpvencita en actuaciones familiares y con distintos grupos pop, editando su primer álbum en 2015. Con un estilo ecláctico pop, indie y flamenco y aun otras influencias, para versionar a la Carrá se ha unido a La Casa Azul, el original grupo del no menos original cantante, DJ y productor catalán Guille Milkyway. Un  simpático tema en donde Soleá Monente nos canta en clave flamenco-pop y tecno-house (¡ese efecto vocoder!). Casi ná. 

CRYSTAL WATERS "GYPSY WOMAN" (SHE´S HOMELESS)

A mediados de la década de los ochenta va a emerger el estilo musical house. Guardando parentesco con el tecno y coetáneo del garage, el house es una evolución electrónica de los sonidos disco, soul y funk, a los que algunos DJ y productores añadirán baterías electrónicas, cajas de ritmos, samples (sintetizadores polifónicos y secuenciadores) y efectos reverberados, con patrones rítmicos y percusivos constantes. Este estilo electrónico de música de baile, con sus innumerables variantes (deep house, acid jazz, latin house, dark house, ambient house o electro swing; y otras tantas evoluciones posteriores como el trance, el rave o el trip hop), nacerá en Chicago y Nueva York en ambientes disco negros, latinos y gays, y copará durante años las pistas de baile y parte de las listas de éxitos, decayendo con el fin de siglo, pero sabiendo readaptarse con nuevos bríos comerciales pop gracias a los DJ emergentes en los últimos años.. Desde los clásicos Frankie Knuckle o Roger Sánchez, pasando por Jesse Sounders, David Morales o François Kervorkian, hasta los más comerciales y actuales como el archifamoso David Guetta, no son pocos los DJ que han triunfado en el house, abundando también los artistas y cantantes que han hecho incursiones y triunfado en la vertiente más pop y comercial de este estilo musical, como Madonna, Cher, Donna Summer o Kylie Minogue. 

Nuestra propuesta de hoy, la protagoniza Crystal Waters, sobrina nieta de la cantante de jazz y blues Ethel Waters, que triunfará con temas como el que nos ocupa y con "100% Pure Love" o, más recientemente, con "Destination Calabria" -junto al DJ italiano Alex Gaudino- o "Le Bump". En 1991 Waters trabajaba como compositora y corista para otros artistas, pero cuando su compañía discográfica la escuchó interpretar este tema propio en una prueba de grabación, no dudó en que fuera ella quien la interpretara. Con ese toque nasal y estilo jazzístico que caracteriza a la cantante, "Gypsy Woman" llegaría a lo más alto de las listas musicales de medio planeta. La canción -sobre una mujer gitana sin techo a la que conoció su hermana y que, a pesar de tener que pedir limosna, siempre lo hacía cuidando su aspecto- mantiene una buena cadencia, amplificada por los bajos y el teclado del órgano, con el acertado riff vocal del "la da dee, la da" que engrandece la canción.

BONNIE TYLER "IT´S A HEARTACHE"

Con veintisiete años (edad maldita para muchos cantantes) Gaynor Hopkins alcanzaría la fama mundial gracias al tema que hoy te proponemos. Para entonces, esta galesa de familia vinculada a la música, llevaba una década a sus espaldas como cantante. Tras pasar por distintas formaciones y con más de un nombre artístico a cuestas, acabaría fichando por el sello RCA a mediados los setenta, ya como Bonnie Tyler, logrando un primer éxito relativo con la canción "Lost In France", coincidente con un cambio en el tono de su voz debido a unos nódulos vocales de los que tuvo que operarse de urgencia. Como quiera que la cantante no respetó el período de silencio que los médicos le indicaron tras la intervención, sus cuerdas vocales se resentirían, otorgándole ese peculiar tono ronco -una especia de versión femenina de Rod Stewart- que tanto la ha caracterizado. 

En cuanto a "It´s A Heartache", balada de un desamor compuesta por Ronnie Scott y Steve Wolfe, se da la circunstancia de que fue editada y grabada en 1978 por dos cantantes: nuestra protagonista y la estadounidense Juice Newton, famosa intérprete country. Pero será la versión de Tyler la que alcanzará un enorme éxito internacional, trascendiendo su época hasta convertirse en tema icónico del pop setentero. Bonnie Tyler, activa hasta nuestros días, logrará otros grandes éxitos como "Total Eclipse Of The Heart" o "Holding Out Of A Hero". Pero nosotros nos quedamos con este magnífico corazón dolorido.

MICHAEL KIWANUKA "BONES"

Llama la atención la espectacular cantera de cantantes de estilo soul y neosoul que día a día surgen en el Reino Unido. Artistas que, muchas veces, se abren camino lejos del mercado musical diseñado a medida del consumidor. El trabajo, la ambición, el aprovechamiento de las ocasiones que se les presentan e, indudablemente, el uso de las redes y plataformas musicales, son la mejor fórmula para que cantantes con talento como el británico Michael Kiwanuka se hayan dado a conocer. Hijo de ugandeses exiliados, a los doce años le regalarán una guitarra que cambiará su vida. Fascinado desde entonces por la música e influenciado por cantantes como Otis Redding, Bob Dylan, Van Morrison o el grupo Nirvana, comenzará una andadura artística que le llevará a trabajar como músico de estudio, en un primer momento, hasta lograr ponerse en valor como cantautor y grabar sus primeros temas, obteniendo una buena aceptación de público y crítica. Se hará así un hueco musical, llegando a actuar como telonero de la propia Adele. Su primer gran éxito le llegará hace ahora cinco años de la mano de "Black Man In A White World", una crítica sin estridencias ni resentimientos al racismo, que en Estados Unidos se ha convertido en un auténtico himno entre la comunidad afroamericana.

Nuestra propuesta de hoy es uno de los de los primeros temas editados por Kiwanuka, "Bones", una deliciosa canción colorista sobre un amor imaginario, a caballo entre el blues y el soul, con cuidados arreglos jazzísticos y coros clásicos, que contrasta con la sobriedad e intimismo de otros temas conocidos de este cantante, como "Solid Ground", "Love & Hate" o "Cold Little Heart". Adjuntamos un vídeo con su traducción en español.

BETH HART "BADDEST BLUES" / "I´LL TAKE CARE OF YOU"

Traemos hoy como propuesta una artista con mayúsculas. Beth Hart es, para parte de la crítica y publico, la mejor intérprete blanca contemporánea de blues y R&B, cuando no también de rock. Incomprensiblemente es poco conocida en nuestro país, fuera de algunos círculos de blues, soul, jazz y rock. Pero en Estados Unidos, Gran Bretaña, otros países sajones o Centroeuropa, la estadounidense es todo un mito musical.

De ella cuentan que, con solo cuatro años, después de escuchar tocar el tema "Claro de luna" de Beethoven, se sentó delante del piano y reprodujo varios de sus pasajes, con lo que sus padres la llevaron a clases de piano, para frustración de su profesora que, con el tiempo, comprobaría que hacía como que leía las partituras cuando, en realidad, tocaba todo de oído y de memoria. Junto a este talento innato, esta californiana reúne unas circunstancias vitales complejas, algo común a no pocos genios artísticos: infancia familiar complicada, una prematura, intensa e intermitente relación con las drogas y el alcohol en compañía de una hermana finalmente muerta a causa del VIH, trastorno bipolar tardíamente diagnosticado, o un puñado de relaciones sentimentales tóxicas. Afortunadamente, a mitad de camino de una trayectoria vital ya próxima a la cincuentena, su mánager y actual marido, Scott Guetzkow, le ayudó a centrarse en su enorme capacidad interpretativa y creativa, no sin algunas recaídas. Multiinstrumentista y compositora pero, sobre todo, enorme vocalista, es especialmente en los directos en donde Beth Hart ha adquirido el carisma y admitación que le rinde el público. Bastante más comedida y madura en su puesta en escena que en su juventud, la artista nunca ha abandonado del todo su imagen de chica mala.

     

Nuestra propuesta de hoy lo es a ritmo de blues y por partida doble: "Baddest Blues", compuesta por la  propia cantante, en la que se expresan las dudas sobre el amor de un hombre ("El amor es el blues más malo", dice el estribillo). Y "I´ll Take Care Of You", tema en el que Beth Hart acompaña al guitarrista -y también bluesman- Joe Bonamassa, mostrando todo el sentimiento y sensualidad que el blues puede llegar a expresar de la mano de estos artistas.

DANI MARTÍN "QUÉ BONITA LA VIDA"

Hace año y medio publicábamos la versión que Dani Martín -aún al frente de El Canto del Loco- hacía del tema "Contigo" junto a Natalia Lafourcade. Y hablábamos de la progresiva madurez de un grupo, hecho a imagen y semejanza del cantante, que se disolvió hace ahora once años. Comenzaba entonces una no menos exitosa carrera de Dani Martín en solitario, siempre dentro de los parámetros del pop comercial, aunque ofreciendo en ocasiones algunas propuestas originales más próximas al universo indie, siempre con una producción musical y estética muy cuidada y pegada a la imagen de un artista al que, en ocasiones, se le ha achacado cierta grandilocuencia.

En el caso de nuestra propuesta de hoy, más allá de la crítica fácil a la ñoñería que cualquier balada conlleva, estamos ante un buen tema en donde el sentimiento y la emoción están a flor de piel. Un canto que quiere ser vitalista y optimista, aun con un toque triste remarcado por ese deje que el cantante nunca abandona en sus canciones. Compuesta en 2012 por el propio cantante junto a su fiel teclista Iñaki García, a partir de una dura experiencia que les desveló el compositor colombiano Estéfano, "Qué bonita la vida" cuenta con unos arreglos potentes y algo edulcorados, que ayudan a mantener el clímax de este canto de amor a una vida que, como dice su letra, "a veces se despista".