KAMEN / STING / CLAPTON / SANBORN "IT´S PROBABLY ME"

Nuestra propuesta para despedir el año viene de la mano de un magnífico póquer de músicos. Empezando por Michael Kamen, el compositor neoyorquino con más de cincuenta bandas sonoras en su haber ("Brazil", "Los Inmortales", "Robin Hood" de Kevin Reynolds, "Frecuency" o "X-Men", entre otras) y colaborador de músicos y grupos como David Bowie, Herbie Hancock, Pink Floyd o Queen. Fallecido tempranamente, fue el encargado de musicar "Arma Letal" y sus secuelas, en la tercera de las cuales se incluiría este tema. 

Quizás su trabajo al lado de miembros de Pink Floyd le inspirara para el comienzo de la canción. Pues si en la mítica "Money" el grupo británico utiliza como introducción percusiva el sonido de una caja registradora, en este caso será la apertura, encendido y cierre de un encendedor Zippo la que lo haga. A partir de ahí la canción va a ir fluyendo con una progresión musical tan sencilla como espectacular. Comenzando por la guitarra de Eric Clapton (impresionante ritmo acústico y punteos), la voz templada y en plenitud de Sting, las notas al piano de Kamen, la discreta percusión de Stephen McLaughin, la sobria incorporación de la orquestación de cuerda y, finalmente, las inspiradísimas notas del saxo alto de David Sanborn. Todo impecable. Todo en su sitio. A disfrutarlo.

VLADIMIR VAVILOV / ANDREA BOCELLI "AVE MARIA"

Vladímir Vavílov fue un compositor ruso nacido en 1925 en San Petersburgo. Virtuoso de la guitarra y el laúd, en Vavílov se da la extraña circunstancia de que escribió muchas obras que después él mismo atribuía a músicos antiguos o a un origen anónimo. Esto es lo que en música se llama engaño musical. Se han argumentado distintas teorías acerca de sus motivos para hacerlo. El más fundado apunta a que lo hacía pensando en que sus obras tendrían más posibilidad de editarse y difundirse de este modo que con su nombre. El hecho cierto es que ya en 1970 editó un álbum con piezas de laúd supuestamente antiguas pero mayoritariamente suyas. Y ahí incluyó, como anónima, nuestra propuesta de hoy. Una vez muerto Vavílov en 1973, parece que fue el organista que había participado en la grabación del disco, Mark Shakhin -conocedor del engaño musical del autor-, quien atribuyó la composición a Giulio Caccini, un autor italiano del siglo XVI. La obra, en forma de aria de enorme belleza e intensidad, adquirió gran popularidad mundial a raíz del arreglo que de ella hizo el organista Oleg Yanchenko para la cantante lírica Irina Arkhipova, en 1987. Y si bien en un principio cobró notoridad como el "Ave María" de Caccini, hoy ya se reconoce a Vavílov como su indiscutible autor.

Respecto a la interpretación que proponemos, corre a cargo del cantante italiano Andrea Bocelli. Nacido con problemas de visión -glaucoma congénito- un fuerte golpe durante la disputa de un partido de fútbol, le hizo perder totalmente la visión a los doce años. Con enorme fuerza de voluntad prosiguió estudios de Derecho, carrera que culminó, alternándolos con clases de canto, auténtica pasión vital de Bocelli. Compaginando actuaciones líricas, melódicas y distintos estilos musicales, este italiano triunfará en todo el mundo, llenando grandes auditorios y llegando a vender cerca de cien millones de discos grabados individualmente o con grandes intérpretes. La magnífica versión que de este "Ave Maria" hace el tenor, corresponde a una actuación de 1999 en la basílica romana de Santa María sobre Minerva, bajo la batuta del coreano Myung-Whun Chung. Una delicia.

JEVETTA STEEL "CALLING YOU"

Abogada criminalista, su afición por la música llevaría a Jevetta Steel a dedicarse profesionalmente a ella, interpretando temas góspel y R&B, principalmente. En compañía de sus hermanos, formará el grupo The Steeles, abriéndose pronto camino como solista en distintos eventos y compañías musicales y como cantante de estudio, colaborando con el compositor Bob Telson, autor de nuestra propuesta de hoy y responsable de que Steel interpretara "Calling You", uno de los temas de la banda sonora de la afamada película alemana "Bagdad Café". Su interpretación le valdrá una nominación al Oscar al mejor tema musical de 1989, alcanzando gran popularidad especialmente en Europa. La carrera de Steel proseguirá hasta nuestros días y, aunque sin volver a cosechar grandes éxitos, se mantendrá como destacada intérprete de música negra, colaborando con artistas como Prince, George Clinton o el grupo A-ha y editando y colaborando en distintos discos. 

La canción es una triste balada en la que destaca su emotivo estribillo en forma de lamento, que Steel interpreta de forma sublime. A reseñar que este gran tema ha sido versionado por intérpretes como el propio Bob Telson, Jeff Buckley, Barbra Streisand, Lara Fabian, George Michael, Juliette Schoppmann o Celine Dion.

JOAN BAPTISTA HUMET "CLARA"

Nacido en el pueblo valenciano de Navarrés, se trasladará por motivos familiares a la localidad catalana de  Tarrasa. Estudiante de arquitectura, la influencia de cantautores como Serrat le inclinará al mundo musical, debutando a los dieciocho años junto al noi del poble sec, haciéndolo -al igual que él- con canciones tanto en catalán como en castellano. Durante dos años actuará como telonero de Lluis Llach, dándose a conocer con temas como "Gemma" o "Kristine". A diferencia de otros cantautores, y aunque sin abandonar nunca la temática social ("Un barrio", "Layetana abajo", "Compañero"), Humet no se centrará en la canción reivindicativa, haciendo del sentimiento, la vida y costumbres cotidianas la seña de identidad de su obra ("Hay que vivir", "Solo soy un ser humano", "Miradla", "Terciopelo", "Que no soy yo", "Tan viejo"). 

Dotado de gran capacidad musical -destacando en este aspecto su álbum conceptual, de temática espiritual, "Fins que el silenci ve"-, las letras de Humet serán mayoritariamente sencillas y concisas, con abundantes pareados que darán a sus canciones un aire de cercanía y veracidad. Aunque nunca será un personaje mediático ni un cantante de grandes masas, triunfará con canciones como la que hoy proponemos, siendo admirado y respetado como pocos por sus compañeros de profesión. Activo hasta mediados de los ochenta, reaparecerá en 2004, falleciendo cuatro años después. "Clara", publicada en 1981, es buen reflejo de lo dicho, describiendo la entonces tristemente habitual historia de una persona atrapada y destruida por la droga. Fiel a su estilo, Humet no utilizará un relato rebuscado y morboso, sino real, humano y directo, bien matizado por el tono y el silbido vitalista de su melodía.

SHOCKING BLUE "VENUS"

Cuajado ya en varias experiencias musicales, en 1967 el guitarrista Robbie Van Leeuwen formará la banda Shocking Blue. Con un estilo pop psicodélico, el grupo neerlandés no acabará de despuntar hasta la incorporación de Mariska Veres como solista, procedente del grupo Bumble Bees. Dotada de una gran voz y una imagen sofisticada, esta holandesa con ascendencia germana, húngara y gitana, aportará al grupo el toque necesario para triunfar. Algo que la banda logrará especialmente gracias a nuestra propuesta de hoy. Y es que con "Venus", Shocking Blue copará las listas musicales de medio mundo, para acabar convirtiéndose en tema pop mítico, versionado y utilizado en infinidad de ocasiones. Desde el acertado  riff de guitarra de Van Leeuwen con que se introduce el tema, pasando por su instrumentación, ritmo y, especialmente, la gran interpretación de Veres, todo en esta canción encajará perfectamente. 

Nada cambiará todo lo dicho, pero lo cierto es que "Venus" es un monumental plagio del "The Banjo Song" tema del grupo folk The Big Three -a su vez inspirado en el tradicional "Oh Susanna"-, algo que el propio Van Leeuwen -supuesto autor de "Venus"- acabará reconociendo años después. Súmese a ello que, en pleno éxito de la canción, el guitarrista ya hizo mención a que su famoso riff estaba inspirado en el del tema "Pimball Wizard" de Los Who, quizás para desviar la atención del verdadero plagio. El caso es que Shocking Blue, además de "Venus", tendrá en su haber otras destacadas canciones como "Never Marry A Railroad Man", "Deamon Lover" o "Send Me A Postcard", que avalan su trayectoria hasta su disolución en 1974.

JORGE NEGRETE "EL HIJO DEL PUEBLO"

Nacido en la localidad mexicana de Guanajuato, de padre militar, su familia se trasladó a ciudad de México donde tomó clases de canto. Ingresó en el ejército, licenciándose tiempo después para centrarse en su carrera como cantante. Tras algunas primeras actuaciones en México, Negrete (políglota dotado de gran facilidad para aprender idiomas) se trasladó a Estados Unidos y probó fortuna en el mundo operístico, aunque no tuvo oportunidad de llegar a mostrar todo su talento como barítono. Afincado en Nueva York, se ganó la vida como camarero y cantante ocasional, logrando finalmente ser contratado como intérprete de orquesta. De vuelta a México se fue abriendo camino en el mundo del cine, alcanzando una gran popularidad gracias a la película "¡Ay Jalisco, no te rajes!". En unos momentos de exaltación nacionalista en su país, su figura como charro le elevó a la categoría de mito, dentro y fuera de sus fronteras, convirtiéndose en un auténtico fenómeno de masas, especialmente entre el mundo femenino, llegando a provocarse altercados allá donde iba, incluida España. Tuvo romances con actrices como Elisa Chistry (de quien se divorció a los dos años de casarse), Elsa Aguirre o Gloria Martín, casándose -poco antes de morir prematuramente- con la no menos mítica actriz mexicana, María Félix.

Con su impecable imagen de galán, buena capacidad interpretativa y una extraordinaria modulación vocal, Jorge Negrete elevó las rancheras a lo más alto, siendo no pocos los grandes cantantes de distintos estilos musicales que han mostrado su admiración por él. Sus grabaciones de rancheras como "¡Hay Jalisco, no te rajes!", "El jinete", "México lindo y querido", "Ella", "Allá em el rancho grande" o "Me he de comer esa tuna", sirvieron para que hoy sean mundialmente conocidas. En cuanto a la canción que hoy proponemos, "El hijo del pueblo", es una ranchera escrita por el autor y también cantante José Alfredo Jiménez, otro icono de la cultura mexicana. La interpretación que Negrete hace de ella es magistral.

CARO EMERALD "TANGLED UP" / "THAT MAN"

Su verdadero nombre es Carolina Esmeralda van der Leeuw. De padre neerlandés y madre arubeña, esta cantante saltó a la fama hace unos años con su estilo jazz, swing y pop glamurosos. Con formación musical académica, una voz versátil y modulada, su buen fraseo vocal, una estética sofisticada vintage  y grabaciones con sonido a vinilo antiguo -aunque con toques de electropop-, esta holandesa ha ido forjando su éxito internacional, trascendiendo la popularidad de su país y los ámbitos jazzísticos. Aunque en España no sea muy conocida, temas como "Back It Up", "A Nigth Like This", "I Belong To You" o nuestra propuesta de hoy, por partida doble, sirven como muestra de ello.

La primera de las canciones, "Tangled Up", nos narra irónicamente, a ritmo de tango, la situación compleja de alguien que mantiene dos historias de amor a la vez, como quien "juega con un yoyó".  Y en cuanto al segundo tema, expresa las dudas de una mujer ante "That Man" (Ese hombre) que "mitad Gable, mitad Astaire, me hace sentir como en un carrusel en un juego que no puedo ganar", acabando la letra con la propuesta de él para pasar "una noche que ninguno de los dos olvidará jamás". Nuestro vídeo principal recoge una actuación en directo de Caro Emerald con las dos canciones. Y adjuntamos igualmente los dos vídeos comerciales de cada tema por su originalidad, cuidada producción y peculiar sonido al que hemos hecho mención.

                               

THE RIGHTEOUS BROTHERS "UNCHAINED MELODY"

Este tema mítico, popularizado en 1955 en la película "Unchained" (Sin cadenas), se remonta un par de décadas atrás cuando Hy Zaret -con música de Alex North- la escribió para una chica de la que se había enamorado. La interpretación de la canción en el filme de Hall Bartlett, correría a cargo de Todd Duncan, alcanzando un gran éxito. Únicamente el no menos mítico tema "Love Is a Many Splendored Thing" (El amor es algo maravilloso) le arrebataría el Oscar a la mejor canción de ese año. Pero la repercusión de "Unchained Melody" fue enorme, proliferando numerosas versiones de manera inmediata, dándose la paradoja de alcanzar varias de ellas lugares de honor de forma simultánea en las listas de éxitos. No en vano, a día de hoy, hay contabilizadas más de quinientas versiones de la canción, algunas tan legendarias como la que poco antes de morir, improvisaría Elvis Presley al piano al acabar uno de sus últimos conciertos.

Pero será en 1965 cuando Los Righteous Brothers graben la versión más exitosa del tema. Este dúo estadounidense, formado por  Bill Medley y Bobby Hatfield -que, a pesar del nombre, no eran hermanos- y con varios éxitos en su haber, tenían ganas de versionar la canción. Tanto Bill, de voz grave, como Bobby, de voz aguda, querían interpretarla, jugándose a cara o cruz quién lo haría. La fortuna sonreiría a Bobby. Y el resultado, con una cuidada producción a cargo de Bill Medley y de Phil Spector, y una intensa y creciente interpretación de Bobby Hatfield, no pudo ser más acertado, teniendo un gran éxito y convirtiéndose en referencia mítica del tema hasta nuestros días. Imposible no hacer mención a su inclusión en la exitosa película "Ghost" de Jerry Zucker, en 1990, por lo que hemos querido incluir un vídeo para nuestra propuesta  con imágenes del film.   

RUPERTO CHAPÍ "PRELUDIO DE LA REVOLTOSA"

Hoy proponemos uno de los pasajes musicales cumbre de la zarzuela, el preludio de "La Revoltosa". Esta obra, ambientada en el Madrid castizo de finales del siglo XIX, con libreto de José López Silva y Carlos Fernández Shaw,  fue la composición musical más popular de su autor, el alicantino de Villena Ruperto Chapí. Dotado de una gran capacidad creativa, a los doce años compuso su primera zarzuela. Su familia, consciente del potencial artístico del niño, lo envió a Madrid a ampliar estudios musicales. Lo haría en el Conservatorio de la capital, junto al maestro Emilio Arrieta, destacando pronto como intérprete de trompeta y corneta, compositor y director de orquesta.

Con "La Revoltosa" Chapí logrará, además de un gran éxito popular que aún perdura, aunar musicalmente una parte culta y otra más costumbrista y folclórica de manera magistral, algo que refleja a la perfección este preludio que alterna la grandiosidad orquestal con algunos pasajes más melódicos, como en el que el oboe y las cuerdas ejecutan la parte más célebre del dueto entre Maripepa y Felipe, antes del gran crescendo con que el autor culmina la pieza. De entre las innumerables grabaciones de tan conocido preludio, proponemos la que en 2014 dirigió Enrique García Asensio en el concierto "Voces para la paz".

ALESSIA CARA "HERE"

Canadiense de origen italiano -su apellido completo es Caracciolo-, desde pequeña se sentirá atraída por el teatro y la poesía, aunque a partir de los diez años serán la guitarra y las canciones sus aficiones favoritas. Con trece años abrirá su propio canal musical en YouTube y con diecioocho años firmará su primer contrato profesional. Solo un año después editará "Here", canción con la que se dará a conocer, especialmente en los países anglófonos. Comenzará a partir de ahí una carrera ascendente, con distintos premios, reconocimientos e importantes colaboraciones musicales con artistas como Shawn Mendes, Eros Ramazzotti, Alec Benjamin o el rapero Kyle, siendo la primera canadiense en obtener un Grammy como cantante revelación hace ahora tres años. De estilo indie, R&B y soul,  temas como "Comfortable", "How Far I´ll Go", "Shapeshifter" o la canción que hoy proponemos, avalan su buen hacer.

"Here", con fondo musical de la canción "Ike´s Rap II" de Isaac Hayes (un sampleado del gran tema "Glory Box" de Portshead) es una crítica al ocio adolescente y a la necesidad juvenil de agradar y seguir tendencias para integrarse socialmente. Una reflexión que la cantante se hizo tras asistir a una fiesta y que el vídeo refleja fielmente, al rodarse en la misma casa y con buena parte de quienes asistieron a la fiesta. La magnífica voz e interpretación de Alessia Cara hacen el resto.

CHARLES AZNAVOUR "LA BOHÈME"

Estaba claro que Shahnourh Varinag Aznavourián Baghdasarian necesitaba un nombre comercial para su faceta de artista. Se quedó en Charles Aznavour y con ese nombre pasaría a convertirse en el último gran icono de la canción francesa del siglo pasado. Parisino, hijo de una actriz y un barítono armenios exiliados, no tenía una gran voz ni un físico agraciado. Los críticos y productores artísticos no daban un duro por él. No así Edith Piaf, quien lo apadrinó y promocionó. Más de ochocientas canciones compuestas, casi el doble interpretadas, unas ventas calculadas en unos doscientos millones de discos, recintos musicales repletos por miles hasta su muerte, un gran reconocimiento internacional y decenas de películas a sus espalda, demuestran hasta qué punto erraban quienes no supieron ver el potencial de este Frank Sinatra francés. "Venecia sin tí", "Hier encore", "La mamma", "Comme ils disent", "Les comédiens" o nuestra propuesta de hoy, "La bohème", son solo algunos de los grandes éxitos de un artista que cantaría hasta en siete idiomas.

"La bohème", mítica canción ambientada en el barrio de Montmartre, hace mención al estilo de vida de algunos artistas que, a su vez, refiere el tipo de vida poco convencional que llevaba la diáspora gitana afincada en Paris procedente de la región checa Bohemia. Escrita por el propio Aznavour y Jacques Plante, y con arreglos de Paul Mauriat, el cantante hacía de ella una auténtica interpretación teatral, con un perfecto acompasamiento vocal, facial y gestual. Hemos querido adjuntar una antigua grabación con la versión original en francés, y otros dos vídeos remasterizados, con imágenes actuales del París que inspira el tema, en francés y de la versión en español de la canción que hizo el cantante

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RAMONCÍN "COMO UN SUSURRO"

Su verdadero nombre es Juan Ramón Martínez, pero todo el mundo conoce a este madrileño como Ramoncín. Con aspiraciones artísticas y musicales desde joven, una importante dosis de ambición, un toque macarra y propensión a la polémica, el vallecano se irá haciendo un nombre musical desde sus comienzos con el grupo W.C., adentrándose en el estilo punk y despuntando con canciones rompedoras como "El rey del pollo frito" o "Marica de terciopelo". Posteriormente, su música y personalidad evolucionarán a un estilo más roquero y maduro, con álbumes como "Barriobajero" o "Arañando la ciudad" y canciones como "Hormigón, mujeres y alcohol" o "Putney Bridge".  Con el paso del tiempo, aun sin abandonar nunca la música, Ramoncín se irá adentrará en otras actividades artísticas y profesionales. 

"Como un susurro", es una gran balada rock editada en 1986 en su álbum "La vida en el filo". Aparte de su calidad, el tema se hizo mítico por contar con la guitarra de Brian May. Ocurrió que el guitarrista de Queen estaba en el mismo estudio londinense en donde Ramoncín grababa la canción. May escuchó los ensayos y quedó prendado del tema. Entabló relación con el vallecano y este le invitó a participar en la grabación de la balada. De la personalidad de May dice tanto el hecho de que aceptara, como que al principio se resistiera a hacerlo por respeto a Antonio Molina, el guitarra de Ramoncín. Tras su excelente contribución, aún tendría el detalle de declarar que el solo de la versión que Molina haría más tarde en un LP en directo de Ramoncín, era mejor que el suyo. 

BARBRA STREISAND / DONNA SUMMER "NO MORE TEARS (ENOUGH IS ENOUGH)"

En 1979 la música disco aún está en su apogeo, aunque le reste poco tiempo como clara dominadora de las listas musicales. De entre todas sus estrellas, Donna Summer brilla con luz propia. Esta cantante de Boston destacará desde niña en coros y obras musicales, labrándose una carrera en su país con el musical "Hair" hasta recalar en Alemania. Desde allí, de la mano de productores como Giorgio Moroder, centrará su carrera en la música disco, llegando a lo más alto con temas como el sensual "Love To Love You  Baby" o "Last Dance", canción con la que en 1978 ganará un Oscar.

Para entonces, hace ya tiempo que Barbra Streisand es una mega artista consolidada. Cantante, compositora, actriz, productora y directora de cine, esta neoyorquina acumula premios y reconocimientos artísticos por doquier. Sin embargo, su carrera musical está algo encasillada en temas melódicos o de película. Con un talento artístico y vocal descomunal, Streisand no va a resistir sumarse a la moda disco. Y qué mejor que hacerlo de la mano de Donna Summer y con una canción que, acorde a la trayectoria de ambas cantantes, es un alegato en favor de la mujer, en este caso por lo que hace a las relaciones de pareja, en línea con otro tema mítico disco como "I Will Survive".

La grabación y edición del tema, compuesto por Paul Jabara y Bruce Roberts, no fue sencilla. Hubo hasta tres versiones de la canción: un single de algo más de cuatro minutos, una versión extendida de ocho minutos que Streisand incluyó en su LP "Wet" (y que proponemos en primer lugar) y otra versión de once minutos que Summer publicó en un álbum recopilatorio. Desde el posado fotográfico hasta la inserción del nombre de las artistas en los discos sería motivo de discordia. No hubo vídeo de la grabación  y abundaron los rumores sobre desavenencias entre las divas. Pero el resultado musical y comercial fue extraordinario. El duelo vocal entre ambas superdotadas llegará al límite, desde la lenta y armoniosa introducción, hasta la ascendente y explosiva melodía disco, con ajustados arreglos y una contundente letra, traducida en el segundo vídeo insertado, que corresponde a la versión editada por Donna Summer.

LONE STAR "MI CALLE"

Este grupo barcelonés, echará a andar a finales de los cincuenta bajo el liderazgo de Pere Gené, cantante y músico de sólida formación. Acompañado de otros músicos de gran calidad, Lone Star comenzará como banda de jazz para ir evolucionando a un estilo más blues y rock, acorde a las influencias musicales británicas de las que Gené, tras sus estudios de conservatorio, beberá durante una estancia de un año en Inglaterra. Ya en los sesenta, sin abandonar su faceta jazz, que incluye también notas clásicas, el grupo nutre su repertorio mayoritariamente de versiones de grupos y cantantes extranjeros, como Ray Charles o The Animals, logrando en 1964 su primer gran éxito con su versión española del gran tema del citado grupo británico, "La casa del sol naciente". Poco a poco irán editando temas propios hasta que, en 1968, lleguen a lo más alto de la lista de éxitos con nuestra propuesta de hoy, "Mi calle", un tema que describe de forma dura e inusual para la época una calle con un ambiente marginal. En la canción (que para quien conozca Barcelona aclararemos que está inspirada en el ambiente que en aquellos años se vivía en la calle Robador) destaca la extraordinaria voz de Gené, cantante de alma negra que triunfará también con canciones como "Layla" o  la excepcional "La trilogía". 

ADELE "SKYFALL"

Esta estrella británica, pasó en muy poco tiempo de colgar sus canciones en la plataforma MySpace, a convertirse en diva del pop y el soul blanco mundial. Si de muy pequeña admiraba a las Spice Girls, pronto serán las grandes divas del jazz, como Ella Fitzgerald o Etta James, el espejo en que mirarse para aprender a controlar y canalizar su portentosa potencia y expresividad vocal. En sus escasos quince años de carrera profesional, son más de cincuenta millones de copias de discos las que Adele ya lleva vendidas, cifra tanto más espectacular en la era de internet. La londinense une al talento interpretativo una gran capacidad para plasmar vivencias y sentimientos propios en sus canciones, lo que le ha valido muchas veces la etiqueta de cantante melodramática. No sin algún altibajo, especialmente en el ámbito personal, la artista acumula premios y reconocimientos que la mantienen como un gran referente musical femenino.

Entre sus canciones, algunas tan destacadas como "Send My Love", "Hello", "Someone Like You", "When We Were Young" o nuestra propuesta de hoy "Skyfall", un gran tema acorde a la magnífica película de igual nombre de la saga James Bond. Compuesta por la cantante y el compositor Paul Epworth, la canción engarza en la trama narrativa más intimista, oscura y solemne del filme, con toques armónicos Bond, y un constante equilibrio entre la voz de Adele y los potentes arreglos orquestales. Uno de los mejores temas de la saga -al nivel de "Thunderball", "The World Is Not Enough" o "Goldfinger"- que fue premiado con el Oscar a la mejor canción original en 2013.

NAÏKA "MA CHÉRIE"

Si bien esta cantante comenzó a despuntar hace unos años, la fama repentina le ha llegado hace solo unos meses al escoger la compañía Apple su canción "Sauce" como tema para acompañar su estupendo anuncio del nuevo iPhone 12.

Naïka, nacida en Florida, aunque de ascendencia jamaicana y francesa, ha ido desarrollando su interés musical desde niña, nutriéndose de influencias europeas, africanas y caribeñas debido a los desplazamientos laborales familiares, algo que reflejan bien sus melodías, imagen y personalidad. Con un magnífico registro vocal, las composiciones  de Naïka mezclan el pop suave y el soul, con toques afro, haitianos y latinos. Hace tres años editó su primer éxito, "Ride". Con numerosas actuaciones y giras internacionales en su haber, en junio de este año ve la luz su EP "Lost In Paradise 2", trabajo al que pertenece nuestra propuesta de hoy, "Ma Chérie", una deliciosa canción anglofrancesa, de ritmo latino e hispano. Otros temas destacados de esta artista son "Oh mama", "African Sun", "Before He Falls" o "Heads In The Clouds". Como siempre que podemos, adjuntamos un vídeo con la canción traducida al castellano.

ELTON JOHN "FUNERAL FOR A FRIEND" / "LOVE LIES BLEEDING"

Compuestos en principio como dos temas musicales distintos, será el productor Gus Dudgeon quien decidirá unirlos, en lo que supondrá una impecable fusión con la que abrir el doble LP  "Goodbye Yellow Brick Road" que, a la postre, resultará el álbum de estudio de Elton John más vendido, plagado de exitosas canciones. Hay que tener en cuenta que este trabajo se edita en 1973 y la unión de ambos temas se irá por encima de los once minutos lo que, especialmente en aquel momento, chocará con la lógica comercial al uso. Pero la aceptación será enorme gracias, en buena parte, a la gran labor conjunta de Elton John, como compositor, y de Gus Dudgeon, quien también interpretará el sintetizador del tema. Destacarán igualmente la labor de grabación de los instrumentos, mediante la superposición de pistas por parte del ingeniero David Hentschel, y las precisas transiciones musicales que John irá introduciendo, hasta lograr la perfecta integración de una composición tan compleja como la que hoy proponemos.

Su introducción con sintetizador, de corte clásico, pronto adquirirá un tono solemne, dando luego paso al piano ejecutado por Elton John, al que se irán sumando instrumentos y arreglos orquestales, en un crescendo que constituye una de las cumbres del rock sinfónico. Luego el tema irá tomando fuerza melódica y rítmica, con varias transiciones, hasta que comienza la parte cantada, "Love Lies bleeding", una gran melodía pop rockera, con arreglos musicales y corales tan del estilo del británico y la impecable letra de Bernie Taupin. Una enorme propuesta de Elton John, de quien ya hablamos a propósito de la canción "I´m Still Standing".

CARLOS GARDEL "POR UNA CABEZA"

El tango es, además de uno de los bailes de salón más conocidos, uno de los más vistosos si se ejecuta correctamente. La palabra proviene de la música que cantaban los esclavos de origen africano en la región rioplatense -a caballo entre el Buenos Aires argentino y el Montevideo uruguayo- en la época colonial española. En su concepción actual, el tango se va a nutrir de influencias tan heterogéneas como el flujo migratorio que experimentará esa zona geográfica a finales del siglo XIX, reconociéndose en él notas de vals, zarzuela, coplas, habaneras, mazurcas o polkas. La diáspora migratoria, formada mayoritariamente por varones, favorecerá la proliferación de prostíbulos (o quilombos, en argot porteño) en donde la ejecución sensual de este baile hará fortuna. Con el paso del tiempo, el tango se extenderá y aceptará como expresión musical de enorme aceptación que traspasará fronteras, aunque sin perder nunca su arraigo popular y rioplatense.

"Por una cabeza" es un tango musicado por Carlos Gardel, máximo exponente de este estilo musical del que hablaremos en otro momento, con letra de Alfredo Le Pera, en 1935. La canción establece un paralelismo entre las carreras de caballos que se deciden de forma ajustada y la pasión que despiertan las relaciones con algunas mujeres. Sin embargo, y aunque adjuntemos también un vídeo del tema en la voz de Gardel, proponemos una de las interpretaciones orquestadas de este tango, por ser de los que mejor se presta a ello. No es casualidad que, con distintas versiones, "Por una cabeza" haya sido incluido en infinidad de películas, series o acontecimientos como banda sonora. "La lista de Schindler", "Esencia de mujer" o "Mentiras arriesgadas", son algunas de las películas famosas que contienen esta pieza. No obstante, nuestra propuesta de hoy tiene truco ya que, si bien la escena que acompaña la música es el baile de un tango entre Colin Firth y Jessica Biel en el film "Una familia con clase", el tango de la escena original es otro, aunque el montaje de este vídeo musical encaje a la perfección.    

SPYRO GYRA "CATCHING THE SUN"

Hijo de una cantante de ópera y de un amante del jazz, Jay Beckenstein, fundador y líder del grupo de jazz fusion Spyro Gyra, puede contar cómo de bien pequeño conoció al gran saxofonista Charlie Parker ("Bird"), referencia imprescindible para entender la evolución del jazz a partir de finales de los cuarenta. Y si con solo cinco años Beckenstein comienza a tocar el piano, con siete lo hará con el saxofón. Tras distintas experiencias con varias bandas de jazz, a mediados de los setenta fundará, en compañía del teclista Tom Schuman, este grupo que combinará dicho estilo con ritmos funk, pop y latinos, logrando ser uno de los grupos referentes del jazz fusion o lo que, posteriormente -como ya explicamos en este blog al hablar de Bob James-, dará en llamarse smooth jazz, un estilo amable y comercial asequible a la mayoría de oídos. Con la alternancia de distintos músicos de extraordinaria calidad (Michael y Randy Brecker, Steve Gadd, Richard Tee, Marcus Miller, Rubens Bassini, Hiram Bullock, David Nadien o Toots Thielemans, entre otros muchos) Spyro Gyra logrará ser uno de los principales referentes en su estilo, editando más de treinta álbumes y manteniéndose en activo hasta nuestros días, siempre bajo el liderazgo de Beckenstein, quien alternará su labor en la banda con trabajos y colaboraciones individuales con otros músicos y cantantes como Chuck Loeb, David Broza, Basia o el citado Bob James.

La canción que hoy proponemos, "Catching The Sun", da título al fantástico LP que la banda estadounidense editó en 1980, destacando el saxo de Jay Bechenstein, la guitarra eléctrica de Chet Catallo, la trompeta de Randy Brecker y el piano Fender Rhodes de Tom Schuman. 

THE TURTLES "HAPPY TOGHETER"

Siguiendo la estela de temas desenfadados -no por ello de menor calidad- con que estamos afrontando este período estival, hoy proponemos esta canción alegre e ingenua que editó el grupo The Turtles en 1967. Con una estética formal y musical pop colorista y californiana, el grupo adquirió fama entre mitad y finales de los sesenta, gracias a la propuesta que hoy te traemos.  Cierto que lograrían algún que otro éxito con temas como "Let Me Be" o "You Baby", pero ninguno tendrá ni la fama ni mucho menos la enorme trascendencia que cobrará "Happy Togheter". De sus componentes, reseñar que será su solista, Howard Kaylan, quien adquiera mayor reconocimiento, colaborando con posterioridad con el músico Frank Zappa y convirtiéndose en escritor y humorista de éxito.

La canción es una composición de dos afamados autores, Alan Gordon y Gary Bonner. Antes de llegar a manos de The Turtles, el tema será rechazado por otros intérpretes, debido a que su ingenuidad podía interpretarse casi en clave de parodia. Sin embargo, los californianos le darán el tono y arreglos precisos (¡esos coros a lo Beach Boys!), siendo hoy en día un referente histórico entre las canciones pop estadounidenses, habiéndose utilizado en infinidad de películas, series televisivas, anuncios y  distintos acontecimientos, llegando incluso a convertirse en himno de algún club deportivo.

Junto a una interpretación televisiva de la canción en playback, hemos querido adjuntar un entrañable vídeo de una de las varias veces que la serie televisiva Los Simpson ha utilizado esta canción. 

KYLIE MINOGUE "CAN´T GET YOU OUT OF MY MIND"

En el año 2000, la vida de Kylie Minogue alcanzaría el máximo estrellato mundial. Hasta entonces, esta compositora, cantante y actriz australiana era ya un gran referente popular en su país, gracias a su precoz carrera como actriz televisiva y cinematográfica y a una exitosa carrera musical, que se había extendido a los países de habla inglesa. Su aparición en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Sydney 2000 y, sobre todo, el lanzamiento poco después del álbum "Fever" y el tema "Can´t get you out of my head", elevarían a esta australiana a la categoría de diva del pop mundial. 

Desde entonces, Minogue ha sabido mantenerse en primer plano musical, venciendo cuantas adversidades han salido a su paso, incluida la superación de un cáncer de mama que le diagnosticaron hace quince años, una complicada vida sentimental o saber adaptarse al inexorable paso del tiempo. Tanto más en alguien que, como ella -sin restar un ápice a su valía artística-, alcanzaría el culmen de su carrera asociándolo a su indudable atractivo físico, como demuestra el sensual vídeo de esta gran canción dance que hoy te proponemos.

LOS DIABLOS "UN RAYO DE SOL"

Genuinos representantes españoles de la llamada canción del verano, el grupo catalán Los Diablos empieza a forjarse en Hospitalet de Llobregat a mediados de los sesenta, de la mano de dos chavales (Enrique Marín y Agustín Ramírez) que, con solo catorce años, ya quieren emular al entonces exitoso Dúo Dinámico. El dúo -llamado en sus comienzos Los Diablillos del rock- se transformará primero en un cuarteto y, posteriormente, en un quinteto, interpretando versiones de éxitos pop y algunas composiciones propias, obteniendo cierta relevancia en Cataluña. No obstante, ya como Los Diablos, el grupo no cejará en su intento por triunfar, logrando que en 1968 les fiche la discográfica EMI Odeón, bajo la producción del neerlandés Tony Ronald, el también cantante pop que triunfará con temas como "Help", "Dejaré la llave en mi puerta", "Lady Banana" o "I Love You Baby". El primer gran éxito de Los Diablos les llegará de la mano de nuestra propuesta, todo un bombazo comercial. La canción es una acertada adaptación al español hecha por el bajista del grupo, Amado Jaén, de un tema francés interpretado por la cantante Sheila ("Fernando" de arreglos y letra francesa deleznables) que ya había sido versionado por el dúo luso-belga, de cierta relevancia en su momento, Jesse & James. Consciente del potencial de la canción, la discográfica cuidará al máximo la grabación, hecha en Londres con algunos músicos de estudio ajenos al grupo y unos magníficos arreglos. Además, y pensando en el mercado internacional y el llamado efecto Benidorm (la "exportación" de los turistas extranjeros a sus países de las canciones del verano español) la letra abusará del shalalalalá, que no precisa traducción alguna para poder ser tarareado. El resultado: más de medio millón de discos de la canción vendidos y la coronación de "Un rayo de sol" como indiscutible canción del verano española de 1970.

Junto con Fórmula V -con quienes, años después, llegarán a compartir escenario-, Los Diablos será el gran grupo pop popular español de la primera mitad de los setenta y, aunque la crítica musical nunca llegará a valorarlos y quedarán encasillados dentro del universo musical hortera, nadie podrá negar su siempre cuidada producción, los buenos arreglos musicales y su enorme éxito popular con esta y otras canciones como "Acalorado",  "Oh Oh July", "Rosana", "Mi talismán", "Fin de semana" o "Que suene ya la banda".

MANÁ "CLAVADO EN UN BAR"

Con más de cuarenta millones de discos vendidos a sus espaldas, esta banda mexicana de pop rock es un referente musical de primer orden mundial. Sus orígenes se remontan a comienzos de los ochenta cuando, inspirados por diversos grupos pop británicos, crearán una primera formación que, coincidiendo con el auge del pop hispano y argentino, optará finalmente por cantar únicamente en español, con el nombre de Sombrero Verde. Tras varios trabajos sin gran repercusión comercial, ya bajo el claro liderazgo del solista y guitarra Fernando ("Pher") Olivera, en 1987 pasarán a denominarse Maná, completando la formación, Juan Calleros como bajista, Alex ("El Animal") González a la batería y Sergio Vallín en la guitarra.

A lo largo de su extensa trayectoria, el grupo ha practicado distintos estilos musicales, aunque siempre ligados al rock latino, como tecno, reggae, ska, pop latino, rock, o soft rock. Con unos comienzos claramente tecno, Maná alcanzará una gran popularidad con sus siguientes trabajos, en los que se aprecia una espacial influencia del grupo The Police y su tecno reggae, a pesar de la década que los separa. Canciones como nuestra propuesta o "En el muelle de San Blas", "Vivir sin aire", "Oye mi amor", "Labios compartidos" o "Se me olvidó otra vez", les darán fama mundial, sin olvidar algunas colaboraciones con artistas como Carlos Santana, Juan Luis Guerra, Shakira, Rubén Blades, Zucchero o Pablo Alborán, siendo difícil glosar los premios y reconocimientos de todo tipo que los mexicanos han cosechado en sus más de treinta años de carrera. La canción de hoy es uno de sus mayores éxitos y en ella se aprecian tanto la potencia interpretativa de Pher y su banda, como esa innegable influencia tecno reggae a la que hacíamos mención.

BELY BASARTE "TOMANDO TEQUILA" / "UN BESO Y UNA FLOR"

Tras el paréntesis anunciado, retomamos nuestra actividad bloguera de la mano de un tema ligero, acorde al período estival. En este caso lo hacemos con la cantante Bely (Belén) Basarte, una artista indie de creciente popularidad. Esta madrileña de 29 años, comenzará hace ocho años a colgar vídeos caseros, interpretando canciones acompañada de una guitarra. La buena acogida obtenida en redes sociales, le animará a crear un exitoso canal en YouTube, con covers (versiones de temas ajenos). Progresivamente, irá grabando también temas propios, apareciendo en distintos eventos musicales y colaborando con artistas como Rayden, Nil Moliner o Sole Giménez. En 2017, Disney la elegirá como cantante femenina para los temas de la versión española de la película "La Bella y la Bestia". Posteriormente, canciones como "Espiral", "Flores y vino", "Me va a doler" o "I love you" -con una cuidada producción musical, bien acompañada de originales vídeos- la colocarán en un primer plano musical.

Con "Tomando tequila", Bely Basarte rompe con su imagen más tradicional, a ritmo de soul y una letra e interpretación frívola y sensual. No menos original y rompedor es el vídeo que la acompaña, el primero interactivo hecho en España para teléfonos móviles. Para verlo correctamente, deberemos tener bloqueada la opción de rotación de pantalla, teniendo que girar el dispositivo según se indica mediante flechas. 

Y ya que, como hemos referido, la cantante se fue haciendo un nombre a base de sus covers, también hemos querido adjuntar una interpretación suya televisiva del tema "Un beso y una flor", que en los setenta popularizaría Nino Bravo. 

4 CANCIONES PARA RECORDAR

Llega el período veraniego y con él hacemos un pequeño paréntesis antes de retomar nuevas propuestas en nuestro blog. Entre tanto, os dejamos cuatro de las canciones ya publicadas, sin otra intención que invitaros a pasar un relajado rato escuchándolas. Se trata de "Time In A Bottle" de Jim Croce, "Your Heart Is Black" de Melody Gardot, "Tus cartas son un vino" de Sole Giménez y "Happens To The Heart" de Leonard Cohen.

https://hoytepropongounacancion.blogspot.com/2020/04/jim-croce-time-in-bottle.html

https://hoytepropongounacancion.blogspot.com/2020/06/melody-gardot-your-heart-is-black-baby.html

https://hoytepropongounacancion.blogspot.com/2021/03/sole-gimenez-tus-cartas-son-un-vino.html

https://hoytepropongounacancion.blogspot.com/2020/12/leonard-cohen-happens-to-heart.html

ALICE MERTON "NO ROOTS"

Basta ojear nuestras últimas propuestas, para comprobar cómo no es infrecuente que quienes las protagonizan respondan a un perfil familiar o vital cosmopolita. Lo que en el ámbito personal puede ocasionar situaciones complejas, en lo referido al ámbito musical resulta mayormente enriquecedor. Algo que, en el caso de la cantante y el tema que hoy viene a este blog, resulta determinante. Y es que esta artista con raíces alemanas, canadienses y británicas, desde pequeña se acostumbró a cambiar de residencia por exigencias laborales familiares. Berlín, Oakville, Nueva York, Connecticut, Londrés o Berlín, son solo algunas de las poblaciones en las que Alice Merton ha residido en sus más de doce mudanzas. Se entiende así bien que el debut comercial de esta cantante de estilo pop independiente, que durante su infancia aprendió piano y solfeo, lo fuera con una canción de título "No roots" (Sin raíces). 

A Merton le bastó este tema para triunfar hace cinco años en todo Europa y , posteriormente, en Estados Unidos y el resto del mundo. La autora e intérprete explicó cómo llegó un momento en que se sentía perdida ante tanto cambio de residencia, y decidió escribir esta canción con fondo positivo. Desde entonces, ha ido editando distintos trabajos y canciones como "Hit The Ground Running", "Funny Business" o, más recientemente, "Vertigo", aunque ninguna ha alcanzado la popularidad de "No roots". Con la enorme fuerza que le imprime el potente ritmo sincopado, esta gran composición e interpretación vocal ha ido adquiriendo cada vez más trascendencia, incluyéndose en distintos programas, series televisivas o acontecimientos de todo tipo, dándose la increíble circunstancia de ser utilizada en cerca de un millón de vídeos de la popular aplicación Tik Tok a modo de presentación o fondo musical. No falta en esta entrada el correspondiente vídeo con la letra traducida en español.

CAT STEVENS "MORNING HAS BROKEN"

Cat Stevens es uno de esos artistas de los que explicar su nombre tiene su aquel. Londinense de padre greco-chipriota y madre sueca, su nombre real es (o, como veremos, era) Steven Demetre Georgiou. Lo de Cat Stevens como nombre artístico, fue una sugerencia de una antigua novia por sus ojos felinos. El caso es que este autor, músico y cantante, de estilo pop folk, desde siempre influenciado por los temas espirituales y religiosos, tras estar a punto de morir ahogado en 1976, prometió que si se salvaba dedicaría su vida a Dios. Curiosamente, fue su hermano David, un converso judío, quien le regalaría un ejemplar del Corán, lo que le acercaría al Islam, cambiándose poco después su antiguo nombre por el actual de Yusuf Islam. Antes de todo esto, mediados los sesenta, Cat Stevens comenzaría a editar algunas canciones con buena repercusión en el Reino Unido. Aunque será la tuberculosis que sufrirá en 1969, la que supondrá un punto de inflexión en su carrera, componiendo  e interpretando en adelante temas más intimistas y trascendentes. Así, ya en la primera mitad de la década de los setenta publicará sus mejores trabajos, triunfando con temas como "Moonshadow", "Father And Son", "Sad Lisa" o nuestra propuesta de hoy.

En realidad, "Morning Has Broken" es una adaptación de un antiguo tema cristiano, basado en una música gaélica, con letra de la escritora para niños Eleanor Farjeon. La versión que Stevens quería grabar tenía una escasa duración, lo que no convencía a su productor musical. Ocurrió entonces que el cantante escuchó en el mismo estudio a Rick Wakeman -el compositor y entonces teclista del grupo de rock sinfónico Yes- interpretar un tema que, poco después, incluiría en su histórico LP conceptual "Las seis esposas de Enrique VIII": "Catherine Howard". El cantante quedó impresionado y logró convencer a Wakeman para que interpretara el piano en la grabación de "Morning Has Broken", incluyendo un pasaje inspirado en dicho tema. Aunque en su día no trascendiera -Wakeman ni siquiera aparece en los créditos del disco- finalmente el teclista accedió a ello. La guitarra y magnífica interpretación de Cat Stevens harían el resto, logrando convertir la canción en un gran clásico. No obstante, el vídeo que adjuntamos, aunque pertenece a la mencionada grabación remasterizada, es una mera performance televisiva de Stevens en playback, hecha con un único músico figurante al piano que, evidentemente, no es el rubio Wakeman.

LAS GRECAS "TE ESTOY AMANDO LOCAMENTE"

Carmen y Edelina Muñoz Barrull, Carmela y Tina (Las Grecas), fueron dos hermanas madrileñas que en los setenta triunfarían en el panorama musical pop español, de las mano de su flamenco rock. De familia artística gitana, tuvieron que emigrar a Argentina. Allí conocerán otras músicas como el rock de Jimi Hendrix o el jazz de Georges Benson. De vuelta a España, tras distintas intentonas fallidas de la mayor de las hermanas, Carmela, para trabajar en tablaos de Madrid -su cabellera rubia era todo un impedimento físico y tuvo que teñirse a morena-, las dos hermanas lograrán ser contratadas por Manolo Caracol y Lola Flores, en sus respectivos tablaos flamencos. En ellas se fijará el productor José Luis de Carlos, fichándolas para el sello discográfico de la CBS. Conscientes del potencial que el pop flamenco podía tener con estilo rock, la discográfica va a editar entre 1973 y 1974 un cuidadísimo álbum ("Gipsy Rock") que irá más allá de los acercamientos que la rumba había hecho al pop. Con fusiones de flamenco con pop, funky, rock e, incluso, rock progresivo y psicodelia, Las Grecas sorprenderán y triunfarán en radios y pistas de baile de toda España. La gracia artística de Carmela, la impresionante voz de Tina -de ella contará Antonio Carmona que, al oírla cantar flamenco, Camarón se rompía la camisa-, su particular lenguaje y forma de expresión corporal, y su imagen moderna, ayudarán a su gran popularidad.

La canción que hoy te proponemos, "Te estoy amando locamente", compuesta con Felipe Campuzano, catapultará a este dúo, cuyo nombre se deberá a la peculiar interpretación aflamencada que hacían de un tema griego. Durante su momento artístico, triunfarán también con canciones como "Amma Immi", "Anabalina", "Orgullo" o "Bella Kali". Sin embargo, Las Grecas asimilarán mal la fama y cometerán errores y excesos (se hizo famosa la expresión "Ponerse como Las Grecas") que, junto a la estafa que les hizo su apoderado y cambios en las tendencias musicales, les llevarán a un paulatino ocaso artístico y personal, mal encajado especialmente por Tina, con adicciones y problemas mentales que la llevarán a la muerte. Con el paso del tiempo, la contribución de Las Grecas al flamenco y al pop español se irá revalorizando por parte de aficionados y crítica musical.  Respecto a nuestra propuesta, de la que ya hablamos de ella en este mismo blog a propósito del tema "Entre dos aguas" de Paco de Lucía, basta escucharla para comprobar su enorme calidad musical e interpretativa.

LAHSA DE SELA "I´M GOING IN"

En 1997 Lhasa de Sela graba su primer álbum, "La llorona". Cantado en español, el álbum es fiel reflejo del carácter nómada y peculiar de esta norteamericana, de padre mejicano y ancestros europes, judíos y asiáticos, que vivió su niñez en un antiguo autobús escolar, reconvertido en casa ambulante. Afincada finalmente en Quebec, su vocación artística la vuelca en la composición e interpretación. Con temas mezcla de estilo ranchero, texmex, klezmer, fado, rock o country, "La llorona" sorprenderá y dará a conocerla internacionalmente, triunfando especialmente en Francia y el Canadá francófono. Tras una estancia europea y una breve incursión en el mundo del circo, junto a sus hermanas, la cantante editará en 2003 un segundo trabajo, compuesto entre Marsella y Quebec, con temas en inglés, francés y español, "The Living Road", ahondando en su peculiar y heterogéneo estilo. Finalmente, en 2009 la cantante publica su último trabajo, "Lhasa", así llamado por ser, según la artista, el más personal de todos. Editado cuando ya estaba enferma del cáncer que, con solo 37 años, acabaría con su vida, es sin duda, el más íntimo y auténtico de sus trabajos. Grabado en inglés, destila emoción y melancolía a raudales, con enorme calidad y madurez musical e interpretativa, como refleja la magnífica -y triste- canción que aquí proponemos.

LOS SECRETOS "PERO A TU LADO"

En 1978, el batería y cantante José Enrique Cano "Canito" crea, junto a tres hermanos de apellido Urquijo, el grupo Tos. Los Urquijo son Emrique (voz y bajo), Álvaro (voz y guitarra) y Javier (guitarra). Con influencias del folk rock estadounidense, se harán un nombre en los círculos musicales madrileños, pero la muerte de "Canito" en un accidente de coche, a finales de 1979, estará a punto de dar al traste con la banda. Sin embargo, el 2 febrero de 1980 se organizará un concierto homenaje al músico fallecido, en la Escuela de Ingenieros de Caminos de Madrid. Allí actuarán los Urquijo, aún como Tos, y otros grupos como Mermelada, Paraíso, Nacha Pop, Bólidos o Alaska y Pegamoides. El concierto será considerado como el comienzo oficioso de lo que, a partir de entonces, se conocerá como la movida madrileña. Y los Urquijo, con la incorporación de Pedro Antonio Díaz a la batería, retomarán el grupo ya como Los Secretos.

De prolífica y larga trayectoria, basculando entre el pop, el rock y el country, Los Secretos se ganarán el respeto del público y, bajo el liderazgo de Enrique Urquijo, triunfarán con temas históricos como "Déjame", "Ojos de gata", "Por la calle del olvido", "Quiero beber hasta perder el control" o "Agárrate a mí María". No sin cambios en la composición de la banda, como la salida de Javier -el mayor de los hermanos-, o superando adversidades, como la muerte del sustituto de "Canito" en otro accidente de tráfico, Los Secretos permanecerán en primer plano musical, aunque la muerte por sobredosis de Enrique Urquijo, en 1999, supondrá un durísimo revés. Con él desaparecerá uno de los grandes iconos del pop español aunque, bajo el testigo de su hermano Álvaro, el grupo continuará una andadura musical que dura hasta nuestros días. 

En 1995, un Enrique Urquijo atrapado en un círculo vicioso de adicciones y depresiones,  consciente de un final cercano y haber defraudado a su entorno, compone una canción que es emoción y sentimiento en estado puro: "He muerto y he resucitado", reza la letra en su comienzo. Quizás no sea el mejor tema del grupo o la mejor interpretación del autor, pero es indudable que, de largo, "Pero a tu lado" es la canción más recordada y significativa de Los Secretos y uno de los temas señeros del pop nacional.

FRANÇOISE HARDY "COMMENT TE DIRE ADIEU"

En cierto modo, la infancia de la parisina Fraçoise Hardy podría equipararse a la que hace poco decíamos sobre la estadounidense Ashe, en lo que hace a la estricta educación recibida y el papel que la música jugó como válvula de escape. Armada de una guitarra, ya en su adolescencia, recibirá clases musicales en el Petit Conservatoire de Mireille Hartouch, a la vez que estudiará Ciencias Políticas y Literatura. Pronto comenzará a componer y cantar canciones, la mayoría de temática melancólica, acordes a su carácter tímido e introvertido. A los dieciocho años grabará "Tous les garçons et les filles", que devendrá en gran éxito y será el comienzo de una destacada carrera musical y artística, que le llevará a convertirse en la musa y cantante pop más importante de Francia. "Le temps de l´amour", "Dans le monde entier", "Voilá", "Soleil", o la canción que hoy te proponemos, serán algunos de sus éxitos.

Con veinticuatro años, siendo ya toda una estrella, Hardy quedará prendada del tema "It´s Hard To Say Goodbye", del compositor norteamericano Jack Gold, que había interpretado la cantante Margareth Whiting. La francesa quiere adaptarlo a su idioma. Particularmente, le encanta la versión orquestal del propio autor. Con la parte musical decidida,  tendrá el acierto de encargar la adaptación de la letra a Serge Gainsbourg, referente inequívoco del pop galo, que logrará la que es considerada una de las letras musicadas más originales de la época, utilizando la aliteración con la sílaba "ex", como principal recurso literario (hasta dieciséis veces podemos escuchar la sílaba en los dos minutos y medio del tema) para describir una historia de desamor que Françoise Hardy, mezcla de fragilidad e ingenuidad, interpretará de forma sublime.

Además, y junto a un vídeo con la traducción de la canción al castellano, hemos querido adjuntar otro vídeo de un especial televisivo de la época, con la versión de la canción que Hardy hará mano a mano -con el solo acompañamiento de un piano Wurlitzer- junto a su amiga Jane Birkin, la actriz anglofrancesa y pareja de Serge Gainsbourg, con quien grabará la mítica "Je t´aime... moi non plus".

                         

MOZART "REX TREMENDAE"

Que Wolfgang Amadeus Mozart es, si no el más grande, uno de los mayores genios musicales de la historia, está fuera de discusión. Aunque innovador, no abandonará el clasicismo siendo, probablemente, el autor con mayor capacidad para expresar sentimientos a través de sus composiciones hasta la llegada del romanticismo. Quizás su formalismo haya hecho que se le considere un compositor menos grandioso que otros genios posteriores. Pero, en nuestra opinión, nada más lejos de la realidad. Que muchas de las obras de Mozart sean populares y fáciles de asimilar, no le restan un ápice a su trascendencia. Y como muestra de ello, la breve pero magistral propuesta que hoy hacemos.

Ahorraremos la leyenda que adorna toda la creación de su "Réquiem". Sí diremos que la misma fue un encargo del conde de Walsegg, músico aficionado cuya esposa había fallecido, con el propósito de hacer pasar la obra como propia para homenajearla. Walsegg se valió de un misterioso personaje como intermediario ante Mozart. Todo lo cual turbó al autor y acrecentó sus temores y problemas de salud, que acabarían llevándole a la tumba antes de completar el encargo. Mozart tendrá tiempo de dejar prácticamente finalizados o planteados al manos la mitad de sus movimientos, aunque será su discípulo Süssmayr, conocedor y plenamente partícipe del espíritu musical del maestro, quien culmine esta misa de difuntos. "Rex Tremendae", quinto de los catorce movimientos que la integran, es uno de los pasajes corales polifónicos más espectaculares del genio de Salzburgo. La pieza aunará la referencia a la grandeza divina en su comienzo ("Rey de majestad tremenda a quienes salves será por tu gracia"), con el doloroso intimismo final de predisposición a la muerte ("¡sálvame, fuente de piedad!").

Hemos querido adjuntar dos versiones de nuestra propuesta. La primera, más intimista y con un limitado grupo musical y coral, es una grabación sencilla pero que permite apreciar con nitidez la complejidad polifónica vocal de la composición, corriendo a cargo de Seraphic Fire and the Sebastians, bajo la dirección de Patrick Dupré Quigley. La segunda, una de las más afamadas de este "Réquiem", corre a cargo de la Orquesta Filarmónica y Cantores de Viena dirigidos por Herbert von Karajan y en ella se puede apreciar en plenitud la grandiosidad de esta pieza.

BONEY M / BOBBY HEBB "SUNNY"

En 1974, el productor musical alemán Frank Farian editó un tema musical, "Baby Do You Wanna Bump?", grabado con cantantes y músicos de estudio. La experiencia le salió bien, alcanzando la canción un gran éxito en Holanda. Animado por ello, decidió crear, bajo los mismos parámetros, Boney M, un grupo formado por artistas antillanos, pensado en la imagen y para actuaciones en playbck. Tras varias alternativas, serán las cantantes Marcia Barret, Maizie Williams y Liz Mitchell quienes integren el trío vocal, al que se unirá el gran performer Bobby Farrell, de quien se acabará sabiendo que ni siquiera cantaba en las grabaciones, aunque aportará al grupo sus impagables movimientos y puesta en escena. Con estos mimbres y adaptaciones de temas o nuevas creaciones a base de ritmo disco, pop, latino o pachanguero, Boney M triunfará a lo grande, especialmente a mediados y finales de los setenta, llegando a vender más de ciento cincuenta millones de discos en todo el mundo. Canciones como "Daddy Cool", "Ma Baker", "Belfast", "Rivers Of Babylon", "Rasputin", "El Lute", "Kalimba de Luna" o "Feliz Navidad", sonarán hasta la extenuación y marcarán época.

Respecto a la canción hoy propuesta, se trata de la adaptación de un tema soul de Bobby Hebb. Este músico de Tennessee, actuó desde niño en espectáculos musicales. Multinstrumentista, compositor y cantante, el asesinato de Kennedy y, especialmente, la muerte un día después de su hermano en un reyerta entre bandas, le dejó profundamente impactado. Cuando consiguió superar su trauma, Hebb quiso componer un canto vital y positivo. Así surgió "Sunny" (Soleado), el magnífico tema que hoy proponemos por partida doble, y que ha sido múltiplemente versionado, siendo la adaptación de Boney M la más exitosa de todas ellas, con unos acertados arreglos disco y Sonido Filadelfia, propios de la época, frente a los arreglos soul clásicos de la versión de Hebb diez años atrás. Destacamos la modulación tonal de la canción, que va subiendo según avanza su desarrollo, técnica muy empleada en el pasado en la culminación de algunas canciones melódicas, no tanto durante su desarrollo como en el caso que nos ocupa.

ASHE "ME WITHOUT YOU"

Ashlyn Rae Willson, comercialmente Ashe, es una cantante, compositora, y modelo estadounidense. Educada por sus padres de forma estricta, agradece a su abuelo las influencias beatlenianas y pop que le acercarán a la música de forma liberadora, pudiendo graduarse en el Berklee College of Music, donde estudiará música clásica. Aunque desde 2015 desarrolla colaboraciones como vocal en varias grabaciones de música deep house, no será hasta hace tres años cuando Ashe se dé a conocer como solista. Partiendo de un concepto indie y pop, abarca distintos estilos musicales aunque, como en el caso del tema que hoy proponemos, "Me Whithout You", lo que percibimos en muchas de sus canciones es una clara influencia de grupos como Los Beatles o Los Beach Boys. Inevitable no asociar esta canción a la mítica "Eleanor Rigby" en arreglos, armonías o coros. Misma influencia beat, pop y hasta algo de psicodelia, vemos en otros de sus temas, aunque siempre con una mezcla de originalidad y un toque propio musical y estético que hace de Ashe una de las propuestas más atractivas del nuevo pop estadounidense. Ahí están otras canciones como "Moral Of The Story", "Cold In California", "When I´m Older" o "Choirs" para corroborar lo dicho.

THE RONETTES "BE MY BABY" / LES SURF "TÚ SERÁS MI BABY"

A comienzos de año, moría Phil Spector, el genial pero asesino compositor musical, productor e inventor en los sesenta del llamado Wall of sound -en castellano Sonido de muralla-, el revolucionario efecto de sonido reverberado, al que ya hicimos mención en este blog con el tema "Todo tiene su fin" de Los Módulos. Junto a su excepcional talento artístico (trabajó con The Ronettes, Ike & Tina Turner, Los Beatles, Leonard Cohen o Los Ramones, entre otros artistas), Spector destacó por sus excentricidades, adicciones y comportamientos violentos. En 2009 fue condenado por el asesinato de la actriz Lana Clarkson. Otra de sus víctimas, sin ser asesinada, sería precisamente la solista de la canción en inglés que hoy te proponemos, Ronnie Spector, la segunda de sus esposas, a quien recluyó durante años en una mansión protegida por alambre de espino y perros guardianes, amenazándola con pistolas y llegando a quitarle los zapatos para evitar que huyera. 

El caso es que en 1963, Phil Spector compuso -junto a Jeff Barry y Ellie Greenwich- y produjo "Be My Baby", tema mítico considerado uno de los mejores de la historia del pop, que interpretarían magistralmente The Ronettes, un trío formado por Verónica (Ronnie) Bennet -solista-, su hermana Estelle y su prima Nedra Talley, de las que Spector quedaría prendado, singularmente de su solista. Este gran trío vocal conseguiría otros grandes éxitos como "Walking In The Rain", "Do I Love You?" o el disco navideño "A Christmas Gift For You". Pero ninguno adquiriría la trascendencia de "Be My Baby", canción que ha permanecido en el tiempo, una y mil veces versionada, e incluida en innumerables películas y series televisivas (cómo olvidar la escena del mítico beso entre Bruce Willis y Cybill Shepherd en la ochentera "Luz de luna" con el tema de fondo). Por cierto, una de las integrantes del coro en la grabación fue la cantante Cher.

En cuanto a la versión de la canción en español que también hoy proponemos, es de Los Surfs, un grupo vocal de Madagascar formado por seis hermanos, que fue muy popular en Francia y el resto de países francófonos y que alcanzó un gran éxito mundial con sus versiones en francés y en castellano de este tema. Sin llegar tan lejos como con la canción que hoy proponemos, recordamos con simpatía también la popularidad que su versión del tema "Cuando digo que te amo" obtuvo en nuestro país.

HOPE TALA "ALL MY GIRLS LIKE TO FIGTH"

De unos años a esta parte, el mercado musical engloba con el término neo soul a cantantes y grupos musicales que, desde finales de los noventa, han ido surgiendo con clara influencia de artistas clásicos soul y otros ritmos negros como el R&B, el funk o o el jazz. Alicia Keys, Amy Winehouese, Adele o, por citar alguna referencia española, el grupo Marlango, son nombres destacados de un estilo en el que bien encajan más de una de las propuestas de este blog. Es el caso de la londinense Hope Tala, cantante indie de padre jamaicano y madre irlandesa que, aun dentro de este estilo, bascula hacia ritmos latinos, especialmente la bossa nova.

A pesar del característico tono suave y dulce de voz con que esta cantautora se expresa, el tema que hoy te proponemos es un alegato al espíritu de lucha de "mis chicas", un guiño femenino y sutilmente gay, con vídeo de estética urbana y torera -realizado por Millicent Hailes, con fotografía de la española Beatriz Sastre-, y cuidados arreglos musicales aflamencados en los que, junto a un pasaje rapero, destacan las cuerdas, el potente ritmo percusivo, el toque de guitarra de Alan Darling y un elegante acompañamiento con piano acústico de Rob Knox. Un buen tema musical con interesantes matices que se aprecian según más se escucha y del que también adjuntamos un vídeo con la letra traducida al castellano.

A-HA "TAKE ON ME"

Los anglosajones, a los que tanto gusta el uso de denominaciones específicas para etiquetar todo, utilizan la expresión One Hit Wonder para referirse a cantantes o grupos musicales que alcanzan la fama con un solo éxito comercial. Algún caso hemos visto ya en este blog. Bien podría decirse que es lo ocurrido con el trío A-ha y la canción que hoy te proponemos para el gran público, no sin matices pues estos noruegos se trabajaron a pulso la fama y gozaron de más recorrido y consistencia musical que otros artistas efímeros.

Ya en 1976, el guitarrista Paul Waaktaar-Savoy y el teclista Magne Furuholmen crean la banda Bridges. Pero no lograrán triunfar y, tras varios impases, no será hasta 1982 cuando fichen al vocalista Morten Harket y rebauticen el grupo como A-ha. Cargados de ilusión e imbuidos de la Nueva Ola musical tecno, marcharán a Inglaterra en busca del éxito. Pero allí toparán con la cruda realidad y, tras varios meses de estancia londinense, sin expectativa alguna y agotado el poco dinero que tenían, se verán obligados a regresar a Noruega. Inasequibles al desaliento, recobrarán nuevas energías y volverán poco después a la aventura londinense hasta que, a finales de 1983, logren por fin un contrato discográfico. Como canción gancho, llevan una nueva versión de un tema de su antigua banda, "The Juicyfruit Song", al que ahora llaman primero "Lesson One" y, tras varios arreglos, editan finalmente como "Take On Me". El primer resultado: un fracaso absoluto del que apenas se venden unos cientos de copias. Pero, a estas alturas, está ya claro que a estos noruegos nada les iba a arredrar. Convencidos del potencial de la canción y bien secundados por su productor, Alan Tarney, editan un vídeo del tema técnicamente -entonces- novedoso, mezclando escenas reales con dibujos animados en blanco y negro.  El acierto será total. En pleno boom del vídeo como factor clave promocional, la canción tendrá por fin el éxito buscado. Eso, junto a su fácil melodía, el contundente ritmo percusivo, unos buenos teclados y, sobre todo, la gran interpretación vocal de la canción, catapultarán al grupo a lo más alto de las listas musicales de medio mundo. 

JEANETTE "PORQUE TE VAS"

Cuando la joven londinense Jeanette Anne Dimech cumplía once años, tuvo que afrontar unas circunstancias difíciles. Si ya de pequeña había tenido que trasladarse a Estados Unidos, por motivos laborales familiares,  ahora era el  divorcio de sus padres el que le hacía tener que trasladarse a España, país de origen de su madre, del que no conocía ni el idioma. Eso no mermaría el interés que desde siempre había tenido por la música y, con apenas quince años, entrará a formar parte del grupo español "Brenner´s Folk". Un año después, compone y graba la canción "Hush Little Baby". Al poco tiempo, y tras el cambio de nombre del grupo -que pasará a llamarse "Pic Nic"- triunfará con la versión en castellano del tema citado, "Cállate niña". Pic Nic se disolverá y Jeanette, ya en solitario y bajo el auspicio del destacado productor Rafael Trabuchelli, volverá a triunfar con la canción "Soy rebelde", que será interpretada en varios idiomas y que la dará a conocer también fuera de nuestras fronteras, aunque luego su carrera quedará algo estancada. En 1974, graba un nuevo LP en el que, a pesar de la resistencia de la cantante a interpretarlo, Trabuchelli logra que se incluya el tema que hoy te proponemos y que el productor había encargado a un cantante y autor de éxitos para otros intérpretes: José Luis Perales. Pero, contra pronóstico, la canción pasará desapercibida.

La suerte cambiará con Carlos Saura, el cineasta aragonés referente del cine español de autor en el tardofranquismo, que quedará prendado del tema y decidirá incluirlo en su gran película "Cría cuervos", premiada con la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1976 (adjuntamos también vídeo de la canción con imágenes del film) Todo un acierto que hará que, junto a la película, la canción obtenga un gran éxito en toda Europa y América, versionándose en varios idiomas, vendiendo más de seis millones de copias de su single y adquiriendo la categoría de tema mítico del pop hispano. Y es que Jeanette, interpreta a la perfección esta sencilla y pegadiza composición de Perales, muy en la línea del autor, con ritmo pop beat y magníficos arreglos, destacando la batería -acertadísimo uso del chaston- y la sección de viento. A día de hoy no es raro seguir escuchando un tema del que se han hecho innumerables versiones y que se ha incluido en otras películas, series televisivas o en campañas publicitarias. Y aunque nuestra intérprete ha seguido activa como cantante hasta nuestros días y ha obtenido algún otro éxito posterior, ya nunca volverrá a alcanzar la fama que adquirió con "Porque te vas", título correcto de la canción frente al recurrente error de escribirlo en interrogación. Y es que, a pesar de no ser precisamente un tratado de filosofía, la letra no interroga sobre los motivos de la separación que refiere, sino que habla de sus consecuencias.

SALEKA "MR. INCREDIBLE"

Hace poco más de medio año, en plena pandemia, el director de cine indio-estadounidense, M. Nigth Shyamalan ("El sexto sentido", "El Bosque", "La joven del agua"), presentaba en las redes sociales "a mi hija Saleka, que ha estudiado música y piano durante once años y que ya es una fiera mujer con voz propia". No es una mala definición para esta compositora y cantante que, para que todo quede en su artística familia, ha elaborado sus dos primeros vídeos ("Clarity" y el tema que hoy te proponemos, "Mr. Incredible") bajo la dirección de su hermana Ishana, que parece seguir los pasos de su padre.

Con una magnífica voz y un físico espectacular, hasta la fecha ha grabado temas que van del jazz al soul, pasando por el R&B y el pop, con una cuidada producción artística y musical. Lo oído hasta ahora nos hace pensar en que, sin duda, tiene futuro. Canciones como la citada "Clarity", "Seance", "Graffiti" o "The Sky Cries", muestran su potencial y no nos han puesto fácil decidir qué canción debíamos proponeros. Nos hemos quedado con "Mr Incredible", un tema que aborda la desesperación de una mujer por la incapacidad de comunicarse con una pareja inmersa en una profunda depresión. 

VANGELIS "CARROS DE FUEGO"

Evangelos Odysseas Papathanassiou, es el nombre real del griego conocido como Vangelis, teclista, compositor y productor musical polifacético, que adquirirá su máxima popularidad en la década de los ochenta con bandas sonoras como la del tema que hoy te proponemos. Desde niño tendrá la oportunidad de experimentar con sintetizadores y demostrar, a pesar de no tener estudios musicales, una gran capacidad como compositor e intérprete. Aún adolescente se integrará como teclista en la banda pop Forminx, alternando su actividad con sus primeras composiciones y alguna colaboración musical con el cine. A finales de los sesenta creará la banda de pop y rock progresivo Aphrodite´s Child, en compañía de su primo Demis Roussos (bajista y cantante) y Lucas Sideras (batería), a los que más tarde se unirá Anargyros Koulouris (guitarra). Adquirirán fama y éxito en toda Europa, especialmente con su álbum "666". Para entonces. y antes de la disolución formal del grupo, tanto Vangelis como Demis Roussos habrán comenzado proyectos por separado, el segundo como exitoso cantante melódico pop. Vangelis, tras alguna incursión en el jazz rock, se inclinará hacia la música electrónica y los trabajos conceptuales, con colaboraciones en distintos filmes, promos de películas y programas televisivos, como "Cosmos" de Carl Sagan. Aun sin llegar a tener el reconocimiento que obtendrá posteriormente, esta etapa le abrirá el camino como compositor de otras exitosas bandas sonoras.

Así, en 1981, el director británico Hugh Hudson (quien ya había colaborado con Vangelis -y volvería hacerlo años después- en la realización de algún anuncio publicitario) encarga al griego la banda sonora de su película "Carros de fuego". Hasta cuatro Oscars obtendrá este filme, siendo un factor fundamental en su éxito la música de nuestro vídeo, igualmente premiada con la estatuilla de Hollywood. Serán numerosas las películas musicadas por el griego, algunas tan populares como "Blade Runner" -para buena parte de la crítica su mejor trabajo-, "Missing", "La sombra del testigo" o "1492, La conquista del paraíso". Vangelis continuará paralelamente su faceta creativa conceptual en el campo de la música electrónica, el new age, musicando obras culturales o teatrales y distintos acontecimientos, con incursiones sinfónicas y colaboraciones de prestigio como la que durante años mantendrá con Ian Anderson (el cantante del grupo Yes) o artistas como Irene Papas, Sean Connery, Montserrat Caballé, Richard Cocciante, Claudio Baglioni, Patty Pravo, Demis Roussos o Luz Casal.