"Cuando yazca en la tierra, que mis errores no turben vuestro corazón, recordadme pero olvidad mi fatal destino". Este sentido lamento expresa la reina Dido a su doncella, antes de inmolarse en una hoguera ante la marcha de su amado Eneas, en la obra de Henry Purcell, "Dido y Eneas", primera ópera nacional inglesa, basada en "La Eneida" de Virgilio. El aria que hoy te proponemos como canción, ha sido interpretada y adaptada en incontables ocasiones por toda clase de artistas, no solo de ópera. Su acertada sencillez musical y la hondura del sentimiento que su letra expresa, le han otorgado su enorme popularidad, siendo una de las piezas más recordadas de Purcell, sin duda el más grande compositor barroco inglés.
La adaptación que hoy te proponemos, corre a cargo de la escocesa Annie Lenox, mítica cantante del famoso dúo ochentero "Eurythmics", icono y musa del pop británico, muy comprometida con diversas causas. En esta versión, hecha telemáticamente y publicada esta mismo mes, Lennox vuelve a grabar un tema que ya editó hace diez años. Lo hace en plena pandemia, como un sentido lamento frente al deterioro constante que sufre nuestro planeta y en apoyo a la organización Grennpeace. Para llevar a cabo esta compleja grabación, ha contado con la colaboración de 276 componentes del coro London City Voices, dirigidos por Richard Swan.
Este californiano de nombre John Paul Larkin, pero conocido artísticamente como Scatman John, nacía allá por 1942. Con una marcada tartamudez desde que comenzó a hablar, al llegar a la adolescencia se refugió en el piano y en el jazz: "me escondí tras el piano y la música para no tener que hablar" declaró en alguna ocasión. Pronto pudo comprobar que sus circunstancias expresivas encajaban bien con una modalidad jazzística que practicaban algunos grandes intérpretes como Louis Armstrong o Ella Fitgerald: el scat, consistente en cantar una melodía con palabras o sonidos improvisados. Un ejemplo de esta práctica lo tenemos en el tema "Sign Of The Times" de Bob James en este mismo blog. El caso es que Larkin se dedicó durante años a su faceta como pianista en clubes de California, sin llegar a alcanzar especial notoriedad. Además, su adicción a las drogas y el alcohol, limitaba su proyección personal y artística. Muy influenciad filosófica y estéticamente por el gran pintor surrealista belga René Magritte o ensayistas como Foucault o Adorno, Larkin acabaría superando sus adicciones. Instalado en Europa, ya en los noventa, y de la mano de su última pareja, se adentraría en nuevos proyectos musicales, fusionando el scat con ritmos dance o hip hop.
En 1994, ya como Scatman John, Larkin alcanzaría el estrellato mundial con esta popularísima e ingeniosa canción que hoy te proponemos. En ella, el artista habla en primera persona de su tartamudez y el scat, acompañado de un logrado vídeo muy vitalista pero en blanco y negro, acorde con la sobria estética del cantante a lo Magritte. Aunque nunca repetiría un éxito como el de esta canción, Larkin no abandonaría la fama hasta su fallecimiento, cinco años después, debido a un cáncer de pulmón.
Este judío canadiense es, sin duda, uno de los artistas más destacados norteamericanos de las últimas décadas. Desde sus comienzos como poeta, aún adolescente, hasta su carrera como músico y cantautor, ya entrado en la treintena, Cohen desarrolló una fructífera faceta creativa, si bien sus comienzos como poeta no fueron fáciles ni exitosos. Muy influenciado por autores como Henry Miller o García Lorca, a pesar de lograr cierto eco en su país, la falta de un mayor reconocimiento le empujaría a su carrera como cantautor. Pronto adquiriría popularidad en esta faceta, gracias a títulos como "Suzanne", "So Long, Marianne" o "The Partisan". Con un estilo intimista, suave, una voz grave y una cuidada estética, Cohen se mantuvo siempre en primera línea musical. Y lo hizo cantando hasta su muerte, a su pesar, ya que la gestión de su representante le dejó deudas e hipotecas que le obligaron a ello. Sin abandonar su faceta de poeta, la música le colmó de éxito y popularidad con temas, además de los ya mencionados, como "Hallelujah", "Dance Me To The End Of Love" o "Take This Waltz".
De carácter depresivo, solitario y sentimental, consumió drogas en su juventud y fue adicto a los antidepresivos. Mujeriego empedernido, mantuvo innumerables romances y relaciones más o menos estables, con mujeres como Janes Joplin, Marianne Jensen, Suzanne Elrod, Joni Mitchell, Dominique Issermann, Rebecca de Mornay o la referida representante, Kelley Lynch. Perfeccionista al extremo, contradictorio y buscador incesante de la espiritualidad, fue criado en el judaísmo, se acercó a la figura de Cristo y llegó a recluirse durante años en un monasterio zen. Seductor impenitente, tímido, cortés y elegante a partes iguales, obtuvo numerosos reconocimientos literarios y musicales, entre ellos el premio Príncipe de Asturias de las Letras en el 2011.
Fallecido en 2016, hace un año su hijo editó el tema póstumo "Happens To The Heart", en donde Cohen susurra uno de sus poemas escritos durante su reclusión monástica, con un delicioso contenido metafórico, contradictorio e irónico, y una elegancia y sobriedad interpretativa y musical de primer orden, y en donde no queremos dejar de reseñar la aportación del guitarrista zaragozano Javier Más, que le acompañó en los escenarios los últimos años de su vida y ante el que Cohen, para vergüenza del español, se arrodillaba en cada concierto en reconocimiento a su labor. Indicar finalmente, cómo no nos hemos resistido a incluir también un vídeo del emotivo discurso de agradecimiento que el cantante canadiense hizo en 2011 al recibir el Premio Príncipe de Asturias, que rebela el saber hacer, la elegancia y la capacidad expresiva de este seductor artista.
Hablábamos en su día de cómo Gilbert O´Sullivan había intentado cubrir el hueco romántico que Los Beatles -singularmente Paul McCartney- habían dejado en el panorama musical británico con su desaparición en 1970. Algo parecido debieron pensar los ingleses Roy Wood y Jeff Lynne, cuando ese mismo año crearon la Electric Light Orchestra (ELO) como grupo de rock sinfónico que integraba instrumentos de cuerda en sus arreglos musicales, algo en lo que también Los Beatles fueron pioneros y a lo que igualmente ya hicimos mención en este blog, a propósito de la canción "Eleanor Rigby". Tras unos comienzos difíciles, que supondrán la salida de Wood del grupo, y ya bajo el liderazgo único de Jeff Lynne como productor, compositor, músico y cantante, la ELO irá alcanzado un mayor grado de madurez creativa y escénica, con un cuidado acople entre la banda de rock y los instrumentos de cuerda, y una progresiva popularidad que llegará a la cumbre a mediados de los setenta, con la publicación de álbumes como "Eldorado" y, muy especialmente, "A New World Record" en 1976, trabajo que contiene la canción que hoy te proponemos.
La letra, como otros temas del grupo, no escapará a la polémica en esos convulsos años, generándose una importante controversia sobre si se trataba de un alegato antiabortista, o en defensa de las ballenas, o, incluso, sobre el suicidio de uno de los violinistas del grupo. Según aclararía el propio Lynne, el tema únicamente describiría las sensaciones que pueden llegar a causar el amor y el desamor :"Es algo vivo, no te lo puedes perder, es un regalo, ¡qué terrible perderlo!", reza el estribillo. En cualquier caso, para quien quiera atender la letra y no hable inglés, adjuntamos también un vídeo de la canción traducido al castellano. Sí parece cierto que, en un principio, la historia de "Livin´ Thing" transcurría durante unas vacaciones en España. De ahí la introducción a lo pasodoble del violín, que culmina con un toque de clarín taurino, antes de la potente entrada de batería y guitarra acústica que, junto a los acertados arreglos de cuerda y coros, sustentan la gran interpretación vocal de Jeff Lynne. Un clásico imprescindible que proponemos en la magnífica versión en directo que el grupo hizo de esta canción en 2017, en un abarrotado estadio de Wembley, destacando su fidelidad a la versión original editada cuarenta y un años atrás.
Ane Brun es una de las musas de la canción noruega. Dotada de una personal expresividad artística, esta cantante triunfó en su país desde sus comienzos musicales, hace casi dieciocho años. Con un estilo intimista y melancólico, muy acorde a la imagen que tantas veces nos transmite la cultura nórdica, Brun ha ido poco a poco haciéndose un hueco en el panorama musical europeo, adquiriendo una excelente reputación en sus actuaciones en directo, casi siempre acompañada de su guitarra, aunque a veces alterne su imagen sobria, con algunos acompañamientos y performances singulares. En ocasiones también se hace acompañar de coros, orquestas sinfónicas o músicos de jazz, pero sin perder una esencia que bascula entre la canción de autor, el folk o el pop indie. De voz dulce y aguda, esta artista -que vivió de estudiante en Barcelona- ha colaborado con músicos como Peter Gabriel, o el cantante sueco, de origen argentino, José González.
Entre sus temas, destacan algunos como "Halo", "Oh Love", "These Days", "Where Friend Rhymes With End" o "Closer", la canción que hoy te proponemos. Escrita hace cuatro años, tras la muerte de su padre, este tema, aunque triste, es una llamada a la esperanza: "Cuando estás en tu hora más oscura, y piensas que nunca te recuperarás, sé que estarás bien, más cerca (...) En el amplio espectro de la soledad, intenta llenar ese espacio, extiende tus brazos, rasca las paredes con las uñas, para escuchar el sonido, sé que estarás bien, más cerca". Acompañada de un piano, impresiona su honda interpretación. Junto a esta canción, hemos querido acompañar también un vídeo con su versión del tema "All My Tears", de temática religiosa, utilizado para culminar la primera temporada de la mítica serie británica "Peaky Blinders", cuando el protagonista -un mafioso irlandés de origen gitano encarnado por Cillian Murphy- va a ser ejecutado por unos pistoleros aunque, finalmente, se libra de morir, al matar uno de los ejecutores a los otros y dejarle en libertad. Un spoiler en toda regla, para enmarcar una magnífica escena, a la que Ane Brun le aporta todo su talento musical.
Antes de decidir dedicarse a la música, este dominicano cursó estudios de literatura y filosofía. Su progresiva inclinación por la música, le llevará a estudiar en el conservatorio de Santo Domingo y, posteriormente, a graduarse en Berklee en composición de jazz. De vuelta a su país, el cantante integra el grupo 4.40, nombre tomado de la peculiar forma en que algunos artistas latinos denominan a los 440 herzios que sirven de referencia para afinar los instrumentos. En 1983 publicarán su primer álbum, basado en el merengue y con influencias jazzísticas que, a pesar de su calidad, no tendrá gran repercusión. Sus dos siguientes trabajos, con el progresivo liderazgo de Guerra, y ritmos como el merengue, la bachata, el bolero o la salsa, les otorgan el reconocimiento en su país. Pero será en 1989, de la mano de su álbum "Ojalá que llueva café", cuando el artista dominicano, con sus 4.40, traspase fronteras y comience una exitosa carrera internacional, que le llevará a vender más de cincuenta millones de discos en todo el mundo y a obtener incontables reconocimientos. Hasta 26 grammys obran en poder de este caribeño, que ha compuesto e interpretado temas tan famosos como el del título del álbum citado, "La bilirrubina", "Como abeja al panal", "Burbujas de amor", "A pedir su mano", "Bachata rosa", "Visa para un sueño" o "El costo de la vida". Y que ha trabajado con artistas como Rubén Blades, Paul Simon, Sting, Tony Bennet, Michel Camilo, Juanes, Enrique Iglesias, Luis Fonsi, Miguel Bosé, Alejandro Sanz o Diego Torres, siempre con sus ritmos caribeños y unas letras intimistas, amorosas o reivindicativas, muy sinceras y no exentas de ironía.
La canción que hoy te proponemos y con la que se dará a conocer en España, es uno de los pocos éxitos ajenos al cantante. Se trata de un tema compuesto por el guayanés Julio Delgado e interpretado con anterioridad por un grupo llamado Un Solo Pueblo. Aclararemos que el Callao de la canción no es el peruano, sino una localidad venezolana de igual nombre, cuna del calipso -ritmo del tema original-, estilo antillano con letras que utilizan indistintamente el inglés, el francés o el español. En cualquier caso, a Guerra el tema le gustó y, tras añadirle algún toque personal, le hizo un arreglo de merengue con más ritmo. Aunque pensó "ceder" su versión a otro intérprete -no son pocos los cantantes para los que ha trabajado como compositor- a sus compañeros de grupo la versión les gustó tanto, que le convencieron para incluirla en el álbum "Ojalá que llueva café", convirtiéndose en un gran éxito mundial. El tema, tras una breve introducción con un riff de guitarra tecno, se torna en un merengue de ritmo trepidante, siendo todavía habitual escucharlo en fiestas y pistas de baile.
A la gran cantante de jazz Melody Gardot, le sorprendió la pandemia en plena preparación de su nuevo trabajo, "Sunset In The Blue". Conocedora de lo que es padecer una gran reclusión, debido al grave accidente que sufrió hace unos años, decidió seguir adelante con el disco. Y así, coordinando desde su residencia de París a cantantes, músicos y técnicos desperdigados por todo el mundo, fue tejiendo y elaborando un magnífico nuevo trabajo. Con enorme determinación y una producción exquisita, Gardot logró, desde la reapertura del mítico estudio londinense Abbey Road para aglutinar de forma segura a más de cuarenta músicos de la Royal Philharmonic Orchestra, hasta la colaboración desde Los Ángeles del gran mezclador Robert Orton, la participación de otros prestigiosos técnicos como Larry Klein o Al Schmitt, la del arreglista Vince Mendoza, y que cantantes como Sting o el portugués António Zambujo, se prestaran a acompañarla en alguno de sus temas.
La canción que hoy te proponemos es un delicioso dúo romántico, de ritmo percusivo latino, entre Gardot y Sting, en donde destaca la aportación musical del guitarrista argentino Dominic Miller, sempiterno acompañante del cantante inglés. Fue el músico y productor Jen Jis, quien propuso a Gardot esta feliz colaboración. Una composición sencilla y ligera que nos habla de una relación llena de pasión peo sin ataduras: "No me llames amante, deja de pensar en ello, podríamos ser algo pequeño, la melodía que sigues tarareando, un sentimiento tan dulce y sutil". Lo dicho: una delicia que nos regalan estos dos seductores intérpretes.
Hoy traemos a este blog la banda sonora de la que, en opinión de muchas personas, puede ser la mejor película de la historia del cine. Un film en el que la música del maestro Nino Rota, encaja de manera magistral en todas y cada una de sus memorables escenas.
Este compositor milanés, historia viva del cine italiano y europeo, no solo creó bandas sonoras. Con una exquisita formación musical -no en balde provenía de una familia de músicos- a los doce años ya había compuesto su primer oratorio. Aún adolescente, marchará a Estados Unidos a mejorar su formación como compositor y director musical. A su vuelta a Italia, complementará sus estudios musicales con los de literatura. Rota alternará su faceta creativa con la docencia musical, siendo desde 1950 hasta su muerte en 1979, director del prestigioso Conservatorio de Bari. El italiano, compondrá música de cámara, óperas, conciertos, piezas sinfónicas y música de ballet, aunque serán sus más de ciento cincuenta bandas sonoras las que le otorguen mayor popularidad. A destacar su fructífera colaboración con el maestro Fellini en películas como "Amarcord", "Roma", "La dolce vita" o "La strada", o con otros directores italianos como Visconti ("El gatopardo") o Zefirelli ("Romeo y Julieta"). Con estos antecedentes, no es extrañar que Francis Ford Coppola recurriera a él a la hora de musicar su obra maestra cinematográfica sobre la mafia italoamericana, "El padrino", basada en el bestseller de Mario Puzzo de igual nombre.
El vídeo que acompaña nuestra propuesta, recoge imágenes de la película y dos de sus temas: el principal, un vals de aire italiano, introducido de forma triste y sobrecogedora a cargo de la trompeta, y su no menos famoso tema de amor. Una banda sonora a la altura de este impresionante film.
Este popular artista ruso, nace en 1938. Estudiará teatro en Moscú y, de la mano de su mentor, Yuri Liubimov, se unirá al Teatro Taganka, interpretando obras clásicas y comedias, con algunas adaptaciones que les valdrán represalias políticas. A la par, comenzará a componer e interpretar canciones comprometidas, que no tendrán reconocimiento formal. Sin embargo, la enorme importancia que la irrupción de los reproductores de cintas de cassette tuvo en la Unión Soviética en los setenta -la facilidad de doblar cintas servirá para acceder a artistas censurados o no recomendados- hará que sus canciones adquirieran una enorme difusión. Más allá de los contenidos comprometidos, el tono directo -en ocasiones grotesco-, la reivindicación del perdedor y del héroe anónimo, y la plasmación de sus sentimientos, miedos y problemas cotidianos -incluido su creciente alcoholismo-, lograrán que la música de Vysotski goce de gran popularidad.
Además, todo el reconocimiento formal que le faltará a sus canciones, lo acabará obteniendo en el cine y, muy especialmente, en televisión, gracias a encarnar a un popular personaje en una serie policíaca soviética. De personalidad compleja, Vysotski mantendrá sonados romances dentro y fuera de sus dos matrimonios. Su última pareja, la actriz franco-rusa Marina Vlady, se asombrará cómo, en uno de sus viajes a Moscú para ver a Vysotski (él no podía abandonar la Unión Soviética) su música se escuchará en muchas casas a través de las ventanas abiertas, al ser verano. Lamentablemente, la dependencia alcohólica del artista pasará a serlo también de las drogas. Obligado a ofrecer numerosos conciertos para costear su adicción, con solo 42 años su corazón dirá basta. Su muerte convulsionará a su país, calculándose en cerca de un millón las personas que acudirán a sus funerales en su Moscú natal.
Hoy hacemos una doble propuesta. La del tema "Mne ne nravitsva" (No me gusta), una de sus escasas canciones con vídeo traducido al castellano. Y la de una de sus composiciones más conocida, "Koni Priveredilivye" (Caballos caprichosos). En ellas se puede comprobar la enorme y rotunda expresividad vocal y personalidad con que Vysotski interpretaba sus canciones. La segunda, que describe el comportamiento indómito de unos caballos, se hizo famosa en todo el mundo, al utilizarse como perfecto motivo musical a una excepcional interpretación del gran bailarín Mikhail Baryshnikov, en la película "Noches de sol", en donde este ruso -exiliado en la vida real- da vida a un bailarín exiliado que, debido a un percance aéreo, acaba retenido en el Moscú aún soviético. La escena merece la pena.
Activo hasta su reciente desaparición a los noventa y un años, este excepcional artista navarro ha permanecido vinculado a la música desde que, con solo ocho años, entró a formar parte de la banda municipal de su Falces natal. Hijo de un músico aficionado, con trece años colaborará también con la orquesta de baile de la localidad, al mando del sáxofón. Si hasta entonces sus referentes han sido los clásicos españoles Falla, Albéniz o Turina, ahora va a descubrir a grandes intérpretes del jazz como Louis Armstrong o Duke Ellington. Dotado de una gran capacidad musical autodidacta (además del saxo y el clarinete, que alternará en sus actuaciones, Iturralde dominará otros instrumentos como la flauta, el piano, la guitarra o el violín) pronto conseguirá un trabajo como músico profesional en Logroño. A partir de ahí comenzará una carrera fulgurante nacional e internacional, que alternará completando su formación musical en Madrid y en Estados Unidos y, posteriormente, con la docencia que impartirá desde su cátedra de saxofón en el conservatorio de Madrid. El navarro desarrollará paralelamente una fructífera y exitosa carrera como compositor, creando algunas bandas sonoras, como la de la película de Fernán Gómez, "El viaje a ninguna parte", y obras que serán referentes del repertorio internacional sinfónico para saxofón, como "Sinfonía helénica", "Memorias" o la pieza que hoy proponemos, "Pequeña czarda", escrita a sus veinte años. Admirador de la música de Bach y de los grandes compositores románticos, Iturralde actuará como solista con grandes orquestas sinfónicas, interpretando obras propias o ajenas, de la mano de directores como García Asensio. Igor Markevitch o López Cobos.
Pero será su faceta como saxofonista y clarinetista de jazz, la que le dará una mayor popularidad. Con una actividad incansable, Pedro Iturralde dará miles de conciertos en todo el mundo siendo, junto con el pianista catalán, Tete Montoliu, el intérprete de jazz español más conocido y reconocido internacionalmente. Amante de experimentar y mezclar estilos musicales, será pionero en juntar jazz y flamenco allá por 1967. Y lo hará de la mano del gran Paco de Lucía, junto a los músicos Erich Peter (bajo), Peer Wyboris (batería) Paul Grassi (piano) y Tino Piana (trombón). Como muestra de ello, hemos querido adjuntar también otro vídeo con su interpretación del popular tema lorquiano, "Anda jaleo". Finalmente, imposible no hacer mención a sus numerosísimas colaboraciones como músico acompañante y de estudio, con artistas de la talla de Serrat, Aute, Raphael, Los Pekeniques, Juan Carlos Calderón, Miguel Ríos, Burning, Donna Higtower o Alberto Cortéz.
Olvido Gara, artísticamente Alaska, llegó a España con diez años desde su México natal. Con trece años ya quería cantar y tocar pop con su guitarra eléctrica. Solo un año después, siendo Lou Reed y David Bowie sus referentes, frecuenta ambientes musicales glam y punk. En 1977, en compañía de amigos como Carlos Berlanga, Nacho Canut, Manolo Campoamor, Fernando Márquez o Enrique Sierra, formará el grupo punk Kaka de Luxe, de vida efímera. Mientras Márquez y Sierra irán a otros proyectos musicales -todos integrados en la movida madrileña- el resto formará el grupo Alaska y Los Pegamoides. Esta banda despuntará con canciones como "Horror en el hipermercado", "Bote de Colón", "La tribu de los chochonis" y, sobre todo, "Bailando", excelente tema disco con pasajes rap. Bajo el liderazgo vocal y estético rompedor de Alaska, distintas idas y venidas entre sus componentes, y siempre con Berlanga y Canut como compositores en la sombra, en 1982 el grupo se transformará, en Alaska y Dinarama, dejándonos temas tan icónicos como "Ni tú ni nadie", "Cómo pudiste hacerme esto a mí", "Perlas ensangrentadas", "Rey del glam", "Un hombre de verdad" o, sobre todos ellos, "A quién le importa".
Con un estilo disco electrónico y una producción impecable, la canción que hoy te proponemos, es uno de los grandes himnos del pop patrio. Su letra, reivindicativa y acorde a la imagen transgresora de Alaska, le llevará a trascender el ya extraordinario éxito musical que el tema obtendrá desde el primer momento, convirtiéndose pronto en un referente gay. Con el tiempo, la canción rebasará también este aspecto, hasta tornar en un himno fiestero permanente, una especia de "I Will Survive" a la española. A destacar su espectacular ritmo y sonoridad, la introducción percusiva, el potente comienzo melódico con acordes de guitarra rock, la perfecta sincronía de viento y cuerda, así como la performance que Alaska llevará a cabo.
Estamos en 1977. El guitarrista Mark Knopfler sobrevive a duras penas, sin apenas dinero ni para pagar las facturas del modesto piso de Londres que comparte con su hermano pequeño, el también guitarrista David, y el bajista John Illsley. Con ellos dos, más el batería Pick Withers, acaban de formar un grupo de nombre Dire Straits (situación desesperada), en clara alusión a sus circunstancias personales. Una noche lluviosa, Mark Knopfler acude a un pub del sur londinense en donde, sin apenas público, actúa una banda amateur de jazz. Nuestro protagonista se fija en el abnegado esfuerzo de los músicos por cumplir su labor y en la despedida del grupo al acabar: "Buenas noches, somos Los Sultanes Del Swing". Lo que dará lugar a que componga la canción con la que, tan solo unos meses después, y junto a otros cuatro temas, Dire Striats grabe una maqueta que llegará a manos del DJ de Radio London, Charlie Gillet, quien se quedará prendado del sonido del grupo y, muy especialmente, de la canción que hoy te proponemos. Su empeño en promocionarla, acabará abriendo las puertas de la discográfica Phonogram al grupo que, en febrero de 1978, editará su primer álbum.
Con clara influencia blues y rock & roll, y la inspiración de artistas como Bob Dylan (con quien Mark Knpfler colaborará en su álbum "Slow Train Coming"), Eric Clapton o J.J. Cale, Dire Straits -siempre bajo el liderazgo de Mark Knopfler- comenzará un rápido camino a la fama, destacando la voz característica de su líder y, sobre todo, su personal rasgueo de la guitarra eléctrica hecho sin púa, algo totalmente inusual, que le da ese sonido limpio y propio inconfundible. Dire Straits se convertirá en un referente musical fundamental en la década de los ochenta, alcanzando su cúspide en 1985 con la publicación del excepcional álbum "Brother In Arms". Y, si bien es cierto que, hasta su desaparición en 1992, serán numerosas las canciones de Dire Straits que alcanzarán la fama, ninguna se identificará tan claramente con el grupo y con su líder, como "Sultans Of Swing", sin duda uno de los mejores temas de la historia del pop, del que es imposible no destacar el mítico solo de guitarra que lo culmina.
Su verdadero nombre es Raffaella María Roberta Pelloni. El apellido Carrá lo adoptará a instancias del director y guinista cinematográfico y televisivo, Dante Guardamagna. Desde niña estará vinculada al mundo del espectáculo, comenzando en los sesenta con colaboraciones cinematográficas en Italia, probando posteriormente fortuna en Hollywood. Descontenta con su trayectoria americana, a pesar de trabajar con algunas grandes estrellas, volverá a Italia como artista todoterreno,ganando cada vez mayor presencia y protagonismo televisivo, gracias a su simpatía y versatilidad como cantante, bailarina, actriz o presentadora. Será en la cadena estatal italiana RAI donde adquiera, a comienzos de los setenta, un gran éxito que, además, le abrirá las puertas en varios países, singularmente en España, en donde su aparición en el programa "Señoras y señores", de TVE, le granjeará gran popularidad. Y es que será la televisión, el medio en donde la Carrá mejor se desenvuelva, siendo la RAI y TVE sus dos grandes referentes durante décadas, triunfando en nuestro país con los programas "La hora de Raffaella", a mediados de los setenta, y "¡Hola Raffaella!", ya en los noventa.
Su faceta como cantante, está totalmente identificada con temas setenteros pachangueros de extraordinario éxito, que han sobrevivido al paso del tiempo. "Fiesta", "En el amor todo es empezar", "Para hacer bien el amor" o "Qué dolor", son auténticos himnos fiesteros que, quien en alguna ocasión no haya bailado, lance la primera piedra. No es intención hacer en este blog un reconocimiento a los mismos, mucho menos ahora que hasta se ha realizado una película y un musical centrado en la trayectoria como cantante de esta italiana. Pero sí queremos destacar un tema que esta polifacética artista grabó en 1974 y que es, sin duda, uno de los mejores temas disco europeos de la época. Hablamos de la canción "Rumore", que arrasó en las discotecas y cuya melodía, ritmo, sonoridad y arreglos son, sencillamente, espectaculares. Como no menos espectacular es la apabullante interpretación que la Carrá hará del tema, como demuestra el vídeo que adjuntamos.
En varias ocasiones hemos recurrido a la palabra inglesa crooner, como término utilizado para etiquetar a los cantantes que interpretan música melódica. Intérpretes míticos como Frank Sinatra, Bing Crosby, Tony Bennett o Nat King Cole, representan la hortodoxia jazzística del estilo que, en sentido más amplio, abarcaría igualmente a otros cantantes melódicos como podrían ser los hispanos Julio Iglesias o Luis Miguel. Ciñéndonos al concepto tradicional, en la actualidad son, probablemente, Harry Connick Jr. y Michael Bublé los crooners más conocidos. Pero, junto a ellos, van apareciendo otros nombres que están haciéndose un hueco gracias a su indudable calidad artística. Entre estos, se encuentra el joven canadiense Matt Forbes. que reinterpretando temas clásicos o actuales, está conquistando el favor del público amante del género.
Hoy te proponemos su interpretación de "Gloomy Sunday", tema clásico que alcanzó la máxima popularidad con la versión que del mismo hizo la gran Billie Holiday en 1941. La canción, de origen húngaro, aborda la temática del suicidio por desamor, lo que le ha valido la etiqueta de "canción maldita". Junto al vídeo de la grabación del tema por parte de Matt Forbes, adjuntamos otro con la traducción de la letra. Una gran interpretación y unos espectaculares arreglos que merecen ser escuchados con atención.
El compositor Dimitri Shostakovich, quizás el compositor musical ruso más destacado de toda la etapa soviética, protagonizó una existencia vital y artística compleja y cambiante, acorde a los acontecimientos históricos de la época. Influenciado por autores como Stravinsky o Prokofiev, desarrolló un estilo vanguardista y posromántico, aunque las presiones culturales y políticas constriñeran su estilo hacia un mayor formalismo musical. Comoció el reconocimiento popular e institucional soviético, aunque también la censura y represión de la peor etapa stalinista, que llevó a la cárcel y la muerte a parte de su entorno personal e intelectual. Sin embargo, Sostakovich superó con pragmatismo todas las dificultades personales y artísticas y, tras la muerte de Stalin, se congració definitivamente con el régimen soviético, del que fue un referente musical.
El rechazo a las propuestas vanguardistas hizo que, probablemente, se perdiera un extraordinario compositor de óperas, aunque la genialidad de su obra, plasmada principalmente a través de sus sinfonías, le otorgan su merecido reconocimiento. Durante los períodos de mayores dificultades, se vio obligado a trabajar en encargos musicales "menores". Así, compuso la banda sonora de diversas películas. Quizás, la más detacada, la de la excelente versión rusa del "Hamlet" de Shakespeare. En 1955, el director Mikhail Kalatozov le encargó la música de su película "El primer escalón". Shostakovich incluirá en ella una bella y sencilla melodía de vals que, posteriormente, incorporará a su "Suite para orquesta de variedades", aunque sea frecuente cometer el error de asociarla a su "Suite para jazz". Esta pieza de baile, adquirirá una gran popularidad mundial al utilizarla el director Stanley Kubrick en la banda sonora de su película "Eyes Wide Shut" en 1999. Se ha señalado en más de una ocasión, que el compositor ruso se habría inspirado en la tradicional canción española "Yo te daré", muy popular también entre los niños españoles que se afincaron en Rusia, huyendo de la guerra civil, a los que un año después de esa película, dedicó una obra musical inspirada en canciones españolas populares como la mencionada. Hoy os proponemos una versión colorista y rotunda de este vals, de la mano del director y compositor holandés, André Rieu, al frente de su "Orquesta Johhan Strauss", especializado en difundir la música clásica ante grandes auditorios.
Este veterano cantor y poeta cubano nace en 1947. En su niñez y juventud toma contacto con la música tradicional de su país y el llamado feeling, estilo cubano influenciado por la música melódica y el jazz americano. Milanés se formará en el conservatorio municipal de La Habana y emprenderá varias aventuras musicales hasta que, pasado el ecuador de los sesenta, entrará a formar parte de la llamada Nueva Trova, movimiento musical cubano comprometido con la revolución de Fidel Castro. Con un estilo mezcla de autor y son cubano, Milanés pronto destacará como referente musical latinoamericano, junto a otros cantantes como Silvio Rodríguez, Mercedes Sosa, Victor Jara, Vinicius de Moraes o Chico Buarque. A lo largo de su carrera, colaborará también con destacados cantantes españoles de la talla de Serrat, Sabina, Aute, Victor Manuel, Ana Belén, Miguel Ríos o Alejandro Sanz.
De voz melosa aunque rotunda, impresiona escuchar sus segundas voces y una entonación siempre acorde a la hondura poética de sus letras, comprometidas e intimistas, en donde el amor adquiere gran protagonismo. De espíritu libre y contestatario, y aun sin renunciar nunca a sus ideas, en más de una ocasión ha chocado y discrepado con la política de su país. "Yo no te pido", "Amo esta isla", "Para vivir", "Yo pisaré las calles nuevamente", "Cuánto gané, cuánto perdí", son solo algunos de sus títulos destacados. Querido y admirado, Milanés representa la banda sonora de la vida de muchas personas, no solo en Cuba. Con "Yolanda", canción dedicada a su primera mujer, el cantante alcanzará uno de sus mayores éxitos populares. Hoy os proponemos una grabación de este tema, hecha en un reciente recital en La Habana, Hemos querido adjuntar también otro vídeo con una versión de estudio de la canción, interpretada conjuntamente con Silvio Rodríguez.
"Fracasará y caerá a plomo, como un Zeppelin", cuentan que aseguró Keith Moon, el batería de los Who, acerca de la banda de rock que Jimmy Page proyectaba crear, mientras grababa un tema del guitarrista Jeff Beck en compañía del propio Page. Y aunque, como tantas veces ocurre en la historia de la música, haya quien lo contradiga, parece cierto que ese comentario es el que inspiró a Page a la hora de dar nombre al mítico grupo que el guitarrista formó en compañía del vocalista Robert Plant, el bajista John Paul Jones y el batería John Bonham. Con su estilo rock, de influencias folk, blues y psicodélicas, que evolucionará a rock duro, Led Zeppelin se convertirá en una de las mayores bandas de la historia. Con más de trescientos millones de discos vendidos a sus espaldas -únicamente los Beatles les superan como grupo superventas- estos británicos serán el gran referente del rock entre finales de los sesenta y comienzo de los setenta. Y aunque la banda se disolverá formalmente en 1980, a raíz de la muerte de John Bonham por culpa de una intoxicación etílica, su influencia y popularidad aún perduran, siendo un grupo referente no ya para todas las bandas de rock duro, sino también para la música grunge que surgirá a finales de los ochenta.
En todos sus álbumes publicados entre 1969 y 1979, habrá canciones exitosas ("Communication Breakdown", "Whole Lotta Love", "Inmigrant Song" o "Misty Mountain Hop", entre otras) pero, sin duda, su canción más popular será "Starway To Heaven", en castellano "Escalera al cielo". Al igual que el grupo, con comportamientos excesivos tan frecuentes en su época, la canción no escapará a la polémica. Desde el confuso contenido de su letra, con cierto aire místico que inspirará otras composiciones del grupo, hasta acusaciones de plagio. De lo que no hay duda es de que nos encontramos ante una de las grandes canciones del pop. Considerada la más radiada de la historia, su partitura es la más vendida de la música rock. Su belleza, con una musicalidad folk que deviene en ritmo pop y rock, sus arreglos y su ejecución vocal e instrumental -con especial mención al histórico solo de guitarra de Jimmy Page-, la hacen única.
Corren finales de los sesenta y Peter Cetera, un joven nacido en Chicago, forma parte de una banda local llamada The Exceptions, hasta que un día acude a escuchar a un grupo llamado The Big Thing. Cetera quedará impresionado por la interpretación que esta banda hace de temas pop con instrumentos de viento y cuerda. Tan es así, que en poco tiempo pasará a formar parte del grupo como cantante y bajista. Con el liderazgo compartido con el teclista Robert Lamm y el guitarra Terry Kath, ambos también vocalistas, lanzarán un álbum en 1969, primero como The Chicago Transit Authority y, tras lograr ir haciéndose un hueco en el panorama local, bajo el nombre de Chicago. Con una mezcla de pop, rock, blues y toques de jazz, el peculiar uso de instrumentos de viento les dará una personalidad propia. Aunque las interpretaciones vocales son duales o en grupo, la voz melódica y potente de Peter Cetera gana protagonismo, especialmente cuando en 1976 les sobrevenga el éxito en su país y en medio mundo, a raíz del tema que hoy te proponemos.
Junto con su peculiar estilo descrito, Chicago se caracterizará por sus baladas de corte romántico y ligero, que les llevarán a lo más alto del panorama musical mundial hasta que, a mediados de los ochenta, Peter Cetera abandone el grupo. Aunque temas como "Hard To Say I´m Sorry" o "You´re The Inspiration" rayan a gran altura, ninguna otra balada del grupo alcanzará la trascendencia y popularidad de "If You Leave Me Now", canción con letra y música acordes a su época, de gran sensibilidad interpretativa y magníficos arreglos.
"¡Esa rumbita!", comentaba irónicamente Paco de Lucía cuando se refería al tema que hoy te proponemos y que, en 1974, revolucionaría el panorama artístico flamenco, logrando un éxito popular sin precedentes. A esas alturas, el de Algeciras, muy infuenciado por grandes de la guitarra flamenca como Sabicas o el Niño Ricardo, ya había roto moldes con su peculiar estilo y asombrosa técnica interpretativa. Especialmente desde que a finales de los sesenta empezara, con su amigo Camarón, la relación que ha supuesto la más alta expresión artística que el flamenco haya adquirido nunca. Criticado -al igual que Camarón- por algunos puristas del flamenco (llegaron a cuestionar hasta que cruzara una pierna para apoyar su guitarra), este genio, contradictorio, retraído, generoso y obsesivamente perfeccionista, paseó su arte por los cinco continentes, acompañado de grandes músicos del flamenco y del jazz como su hermano y guitarrista Ramón, los percusionistas Pepe Ébano, Tito Duarte o Rubem Dantas, los bajistas Carles Benavent o Alain Pérez, saxofonistas como Pedro Iturralde y Jorge Pardo o el armonicista Antonio Serrano. Y colaborando con otros grandes artistas nacionales e internacionales de la talla de Chick Corea, John McLaughin, Al Di Meola, Carlos Santana, Larry Coryell, Djavan, Wynton Marsalis, Bryan Adams, Tomatito, Joan Manuel Serrat o Alejandro Sanz. "Al verle, he comprendido que no sabía tocar la guitarra", sentenció el gran Mark Knopfler.
Respecto a "Entre dos aguas", en opinión de muchos el mejor tema flamenco de la historia, surgió de forma casual e improvisada. Eran finales de 1973, y Paco de Lucía tenía finalizada la grabación de su LP "Fuente y caudal", un álbum con ocho temas meticulosamente trabajados durante meses. El productor del disco, José Torregrosa, le dijo que había que grabar un último tema para completar el disco. Y allí fue el genio de Algeciras y, de una tacada, grabó "esa rumbita" improvisada, con dos partes claramente diferenciadas: una primera, inspirada en el comienzo de la canción "Te estoy amando locamente", de las hermanas Carmela y Tina Muñoz (Las Grecas, amigas del guitarrista), compuesta con Felipe Campuzano; y otra segunda, basada en el estribillo de la rumba "Caramba carambita", de Los Marismeños, compuesta por el propio Paco de Lucía. Nadie apostaba por el tema, salvo su entonces representante, el periodista Jesús Quintero, que le hizo una gran promoción que acabaría rindiendo sus frutos. Junto a la versión de estudio, adjuntamos otro vídeo con una interpretación del tema en el Festival de Jazz de Montreux de 2006.
Dicen que con dos años Lewis Capaldi ya aporreaba con cierta gracia el piano y la guitarra. Con nueve años actuaba allá donde le dejaban. Y ya de adolescente componía y cantaba sus propias canciones que subía a la plataforma SoundCloud. Allí se fijó en él el productor Ryan Walter. Comenzaba así una carrera musical para este joven escocés, logrando cierta relevancia como cantautor y telonero de algunas estrellas británicas. Hasta que la suerte le sonrió hace algo más de un año cuando, de la mano de su balada "Someone You Loved", se aupaba a lo más alto de las listas musicales de medio mundo, especialmente en los países de habla inglesa.
Con una voz personal, profunda y ronca, unas letras intimistas y melancólicas y una imagen y circunstancias personales bastante alejadas de las que se le suponen a una estrella, Capaldi se ha ganado el favor popular. Su personalidad, profundamente irónica a pesar de la trascendencia de sus letras, la ha ayudado a ello. Él mismo ha promocionado su música diciendo: “Si te gustan las canciones que son tristes y son cantadas por chicos regordetes que viven con sus padres y no han conocido el toque de una mujer en muchos años, te va a encantar". El tema que hoy te proponemos, "Before You Go", le ha supuesto la consolidación como artista mundial. Fiel a su estilo, la canción describe el abatimiento que la madre del cantante sufrió ante el suicidio de su hermana. Un artista a tener en cuenta.
Frank Sinatra o, simplemente, "La Voz". Considerado por muchos el mejor crooner -cantante melódico- de la historia, este estadounidense de origen italiano, mostró desde niño su afición a la música, aunque sus andanzas pandilleras y carácter altanero estuvieron a punto de echarlo a perder. Casado a los 23 años con Nancy Barbato, cuentan que fue esta quien, en compañía de Sinatra, decidió acercarse a hablar con Carlos Gardel, tras ir a escucharle a una sesión radiofónica del divo franco-uruguayo en Nueva York, para pedirle consejo sobre el futuro de su marido. En ese encuentro, a caballo entre el inglés, el italiano y el castellano, Gardel aconsejó a Sinatra que, por experiencia propia, se apartara de la mala vida. También le sugirió acudir a un famoso concurso radiofónico entonces existente en la radio a probar fortuna. El cantante, deslumbrado por la figura de Gardel, le hizo caso y, poco a poco, fue haciéndose un hueco musical. Al principio en orquestas como las de Harry Arden o Tommy Dorsey y, finalmente, con su propia formación. Comenzará a la par una fructífera carrera como actor. Y es que Sinatra, dotado de una gran seguridad en sí mismo, sabrá siempre explotar al máximo sus cualidades físicas y musicales y minimizar sus limitaciones y fracasos.
Personaje complejo y contradictorio, católico y dotado de un gran sentido social, Sinatra mantendrá una fuerte lealtad hacia sus amistades, sean mafiosos como Lucky Luciano, estadistas como Roosvelt, Kennedy o Reagan, o integrantes del famoso clan Sinatra, compuesto por artistas como Dean Martin, Sammy Davies jr o Shirley MacLaine. Juerguista y mujeriego empedernido, se casará y divorciará varias veces y mantendrá sonados romances con mujeres como Lauren Bacall, Kim Novak, Ava Gadner, Marylin Monroe, Juliet Powse, Mia Farrow o Barbara Marx. Se dice que el personaje del cantante de la película "El Padrino", Johnny Fontane, está inspirado en Frank Sinatra. Lo cierto es que a comienzos de los cincuenta muchos consideraban que Sinatra estaba acabado. Sin embargo, logró un importante papel cinematográfico en la película "De aquí a la eternidad", por el que ganará un Oscar y le relanzará a la fama. Además, acabará logrando romper su contrato con la discográfica Capitol para crear su propio sello, lo que también le ayudará a relanzar su carrera musical. Comprometido personal y profesionalmente en el desarrollo de Las Vegas, Sinatra ya nunca abandonará su condición de mega estrella y mito musical, con importantes actuaciones, grabaciones y colaboraciones que durarán prácticamente hasta su muerte. De entre sus numerosos éxitos, hoy te proponemos su mítica canción "Strangers In The Night".
Coincidiendo con el cambio de siglo, los hermanos Muñoz hacían su irrupción estelar en el panorama musical nacional de la mano de su rumba catalana, actualizada y heterodoxa a base de toques pop. Con una estética joven, moderna y canalla, un cante aflamencado y unas letras actuales y ocurrentes, supieron ganarse el favor popular, especialmente entre la gente joven.
Hijos de emigrantes extremeños, estos catalanes de Cornellá, son esencia de los barrios obreros en extrarradios de tantas grandes urbes. Sus padres regentaban el bar La Española, situado frente a la comisaría de la Policía Nacional. No es así de extrañar que sus referencias musicales fueran rumberos como Los Chunguitos, Los Chichos, Rumba 3, Los Amaya o Peret, aunque tampoco han ocultado nunca otras influencias como las de Serrat, Sabina o Pancho Varona. Hoy, los Estopa (David al cante y Jose a la guitarra y segundas voces) siguen en plena forma, acumulando éxitos y reconocimientos sin abandonar su autenticidad y esa mezcla de estilos y ritmos que tan bien les viene funcionando. El tema que hoy te proponemos, uno de los de mayor ortodoxia rumbera de Estopa -atención a la guitarra de Juan Maya y a los coros de Chonchi Heredia-, pertenece a su magnífico primer álbum. El título hace referencia a Juan Antonio Jiménez Muñoz, el Jero, líder y vocalista de Los Chichos, cantante y grupo cuyos orígenes y vivencias dan para escribir un libro. Igualmente inevitable es hacer mención a la expresión "perro callejero", en alusión a los jóvenes delincuentes navajeros setenteros y de estrato social marginal, que tan bien reflejó el llamado "cine quinqui" de la mano de directores como José Antonio de la Loma, Eloy de la Iglesia o Carlos Saura, y que tenían en la rumba su máxima expresión musical.
Dulce Pontes es una artista portuguesa, reconocida internacionalmente. Con estudios de música, piano y danza, a sus 19 años comienza su incursión en el mundo musical. En 1991 representa a su país en el Festival de Eurovisión y, posteriormente, graba su primer álbum de temática pop. Sin embargo, la cantante pronto centrará su carrera musical en torno al fado, la canción tradicional portuguesa, componiendo y adaptando temas antiguos a nuevas formas e instrumentos, alcanzando una gran popularidad sus interpretaciones de canciones como "Estranha forma de vida" o "Lágrima". Ya consagrada en su país como fadista, el éxito internacional le llega con su ecláctica versión del clásico "Canção do mar" que hoy te proponemos.
Este tema, en la voz de Dulce Pontes, alcanzará un gran éxito mundial, al que no es ajeno su inclusión en la banda sonora de la película "Las dos caras de la verdad" y su uso como cabecera de varios programas y acontacimientos audiovisuales en distintos países. Con una orquestación a caballo entre su esencia folclórica y la épica, la hondura interpretativa de la cantante hace el resto. Una versión de un clásico portugués a escuchar.
En 1979 el músico y productor británico Trevor Jones había fracasado en su intento de lanzar a la fama a varios grupos y artistas noveles. Resuelto a triunfar por sí mismo, decidió crear su propio grupo al que acabaría bautizando como The Buggles, en compañía de Geoff Downes y Bruce Woolley. Este último grabaría con su propio grupo una primera versión del tema que hoy te proponemos, obteniendo un éxito relativo en Canadá. Ya con Buggles, y con nueva letra de Trevor Jones, editarían la famosa versión de la canción, inspirada en la nueva moda tecno pop con ell grupo alemán Kraftwerk como referente. Jones buscaba simbolizar con su canción el cambio musical y cultural que la llegada de las nuevas tecnologías -singularmente el vídeo- iban a representar. De ahí que la letra haga mención, por contraposición, a una vieja estrella de la radio, simbolizada en la voz computerizada que emula al sonido antiguo de las voces radiadas, frente a los nuevos sonidos, limpios e impecables tecnológicamente, que representan los acertados coros femeninos de la canción.
Ciertamente, la andadura musical del grupo fue corta. Apenas duraría tres años y únicamente grabaría un par de álbumes. Pero la canción marcó huella, siendo su vídeo promocional el primero que emitiría el nuevo canal MTV en 1981, dos años después. Además, Trevor Jones se acabaría convirtiendo en un gran compositor de bandas sonoras, entre las cuales se encuentran películas tan famosos como "Excalibur", "El último mohicano" o "Nothing Hill". Tampoco le irá mal a Geoff Downes, que pasará a formar parte del grupo Yes y, posteriormente, de Asia. Y qué no decir del teclista del grupo, el alemán Hans Zimmer, otro gran compositor -y colaborador puntual del grupo español Mecano y de Nacho Cano- de bandas sonoras tan conocidas como "El Rey León", "Gladiator", "Thelma & Louise" o "Rain Man".
Al hablar de Michel Camilo lo hacemos no ya del más famoso pianista de jazz latino, sino de uno de los intérpretes de piano más virtuosos del panorama mundial. Este dominicano con solo seis años ya componía y con dieciséis formaba parte de la Orquesta Sinfónica Nacional de su país. Intérprete, arreglista, compostitor y eventual director de orquesta, Camilo tiene una sólida formación musical con clara influencia de compositores clásicos como Beethoven, Debussy, Chopin o Gershwin y jazzísticos como Art Taum, Oscar Peterson, McCoy Tyner, Bill Evans, Chick Korea o Keith Jarret. Tras obtener la cátedra pianística y ampliar estudios en Estados Unidos, comienza a despuntar en el panorama jazzístico, con una clara impronta de los ritmos latinos caribeños y, singularmente, de Ernesto Lecuona. A lo largo de su exitosa carrera musical, Michel Camilo ha actuado en todo el mundo como solista o acompañado por distintas formaciones de jazz, haciéndolo junto a músicos de la talla de Paquito D´Rivera, Tony Bennet, Randy Brecker, Chucho Valdez o Tomatito, por citar solo a algunos, e interpretando igualmente obras clásicas bajo la dirección de directores como Carlos Plantini, Alondra de la Parra, Giordiano Bellimcampi o José Luis López Cobos. A destacar igualmente sus colaboraciones como compositor e intérprete en algunas películas españolas de Fernando Trueba y Emilio Martínez Lázaro, como "Calle 54", "Belle Époque", "Amo tu cama rica" o "Two Much". Unánimemente aclamado y con más de veinticinco álbumes a sus espaldas, Camilo ha obtenido toda clase de reconocimientos como cuatro doctorados honoris causa, otros tantos Grammys o un Emy.
"Fron Within", el tema que hoy te proponemos, es una composición del propio pianista en la que hace gala de todas sus virtudes interpretativas. Tema de clara influencia latina, esta interpretación libre y en directo, revela la capacidad de improvisación jazzística del dominicano, a la vez que su sólida formación clásica y, sobre todo, su descomunal fuerza interpretativa y el virtuosismo del que hace gala, que le permiten acompasar distintos ritmos a cada mano con una técnica y velocidad que impresionan y que, por momentos, pueden llegar a apabullar. Un auténtico genio del piano.
Hablar de Victor Manuel, es hacerlo de un referente de la canción de autor en nuestro país. Este asturiano, tenía clara su vocación musical desde niño, cuando emulaba a Joselito en actuaciones colegiales e iba de concurso en concurso buscando su oportunidad. Con diecisiete años se traslada a Madrid a estudiar piano y solfeo. Empieza entonces a componer canciones y sigue acudiendo a distintos certámenes, logrando que alguno de sus temas triunfen en la voz de otros intérpretes. En 1969 alcanza la popularidad como cantante con dos canciones ligadas a su tierra: "La romería" y "El abuelo Victor" y ganando el entonces prestigioso Festival de Villancicos Nuevos de Pamplona con el tema "En el portalín de piedra", dando paso a una andadura como artista comprometido, lo que le acarreará no pocos problemas. Aunque nunca abandonará la canción denuncia, en 1979 comenzará una etapa más comercial de la mano de su álbum "Soy un corazón tendido al sol" y el tema "Solo pienso en ti". Bien sea como intérprete, compositor o productor, Victor Manuel seguirá triunfando solo, en compañía de su mujer -la actriz y cantante Ana Belén- o junto a otros cantantes como Serrat, Miguel Ríos o Pablo Milanés, siendo imposible glosar todos sus éxitos. Hoy todavía canta y compone aunque en un plano más intimista, pero sin variar su compromiso y manera libre de pensar, como demuestra su último trabajo, "Digo España".
En "El abuelo Victor", el cantante nos muestra su faceta más personal y localista (la canción está inspirada en la vida de su abuelo materno) con una letra sencilla, humana y descriptiva que logró el favor del público y que sigue siendo un tema señero de este importante artista.
Deep Purple tiene a sus espaldas una excelsa trayectoria musical. Una veintena de álbumes y cerca de 120 millones de discos vendidos hablan por sí solo de lo que representa esta banda británica, una de las pioneras y más famosas de la historia del rock duro. Sin desmerecer toda su labor musical, mentiríamos sino no dijéramos que la misma está claramente marcada por el tema que hoy te proponemos, "Smoke On The Watrer". Pocas veces una canción de rock ha tenido un riff tan acertado y pagadizo aunque, añadiríamos, tan desastrosamente ejecutado -nunca mejor dicho- por tantos guitarristas principiantes.
La celebérrima canción ("Humo en el agua") narra el incendio del que los Deep Purple fueron testigos, provocado por el lanzamiento de una bengala durante un concierto que Frank Zappa daba en Montreux, en su Casino junto al lago Lemán, el 3 de diciembre de 1971.. El director del afamado Festival de Jazz de la localidad, Claude Nobs, había invitado al grupo de rock a ver a Zappa, ya que Deep Purple estaba grabando un álbum doble en esa localidad y, precisamente, uno de los dos discos de ese álbum iba a recoger el concierto que en ese mismo escenario iba a dar la banda británica al día siguiente. La historia está repleta de anécdotas aunque baste citar que la alusión a un "Funky Claude" en la letra de la canción, hace referencia a la labor heróica del propio Claude Nobs (lo de funky es por su afición al jazzrock) ayudando a auxiliar al público durante el incendio. O cuando la letra alude a que "el tiempo suizo se estaba agotando", se refiere a que el tiempo de alquiler del teatro donde Deep Purple iba a grabar la parte de estudio de su disco se les acababa, además de provocar la intervención de la policía suiza ante las quejas vecinales por el ruido que hacía el grupo con sus instrumentos durante la grabación. De hecho, únicamente pudieron grabar una parte del álbum de estudio, y tuvo que ser Nobs quien les ayudara a buscar en Montreux otro estudio y otro escenario alternativo para el concierto. Respecto a la canción, evidentemente no prevista para el álbum por componerse atropelladamente a raíz del incendio, el grupo no pensaba grabarla. Pero antes de abandonar la localidad suiza, el grupo la tocó ante Claude Nobs que se quedó prendado de ella y les convenció para que la incluyeran en su disco. Así lo hicieron en la parte de la grabación de estudio y en su siguiente álbum íntegro en directo, el mítico "Made In Japan". Lo que sigue ya es historia del rock. No obstante, no nos resistimos a finalizar esta reseña sin señalar que hace cuatro años, en su cincuenta aniversario, el Festival de Montreux -ya con Nobs desaparecido- tuvo la feliz idea de juntar en el mismo escenario a los actuales Deep Purple, con el hijo del fallecido Frank Zappa, en recuerdo a lo ocurrido.
En este incipiente blog, hemos decidido tomarnos unos días de reposo estival. No tardaremos mucho en volver a proponeros nuevas canciones, acompañadas de esos pequeños comentarios que remiten a algunas de las circunstancias de quienes las interpretan o de la propia composición.
Entre tanto, os vamos a dejar con las tres canciones que, a día de hoy, han tenido mayor audiencia. En tercer lugar está "Lucía", de Joan Manuel Serrat; la segunda propuesta más seguida ha sido "Como un dolor de muelas", de Joaquín Sabina; y la primera -y con notable diferencia- corresponde a "Lost On You", de LP, lo cual supone una pequeña sorpresa por tratarse de una artista no demasiado conocida en nuestro país. Así que aquí os dejamos nuevamente estos tres temas, hasta una nueva propuesta.
Raymond Edward O´Sullivan es el nombre real del cantante conocido artísticamente como Gilbert O´Sullivan, nombre "prestado" del dueto compositor de operetas de la Inglaterra de finales del siglo XIX que formaron Gilbert y Sullivan. Un referente literario como nombre artístico, al igual que en una entrega pasada comentábamos que había hecho Tom Jones. No en vano ambos cantantes compartieron el mismo productor, Gordon Mills.
Con mucha inquietud artística, este irlandés afincado en Inglaterra, dio sus primeros pasos musicales como batería del grupo Rick´s Blues, banda del futuro teclista de Supertramp, Rick Davies, de quien dijo haber aprendido todo lo que sabía de música. Pronto demostró tener, además, una especial habilidad como letrista, aprendiendo a acompañarse de la guitarra o el piano. Habiendo desaparecido Los Beatles a comienzos de los setenta, O´Sullivan sabrá ocupar el hueco que dejará el estilo compositor de Paul McCartney. Con un look victoriano, acorde a su referente literario, comenzará a despuntar con temas como "Nothing Rhymed" o "We WIll", canciones de pop melódico suave exquisitamente orquestadas. Su consagración musical le llegará en 1972, de la mano del tema que hoy te proponemos "Alone Again (Naturally)", con el que triunfará en todo el mundo, llegando a ocupar el número uno en Estados Unidos. La canción, de letra tristísima, no escapará a la polémica por su alusión al suicidio en su estrofa primera. Por encima de ello, estamos ante un tema intimista de gran calidad literaria y musical. Durante la primera mitad de la década de los setenta Gilbert O´Sullivan triunfará, dejándonos otras joyas como "Claire" (dedicada a la hija pequeña de Gordon Mills, de quien se acabará distanciando) o, ya al comienzo de su declive, "What´s In A Kiss".
A mediados y finales de los noventa empezó a ponerse de moda la llamada música épica. En un primer momento se trató de temas utilizados en videos motivacionales de estrategias del incipiente couching, o para aunucios y promociones de películas. Pero poco a poco fue surgiendo un auténtico subgénero épico dentro de las bandas sonoras. Cuanto más espectacular era la película, más épica debía ser la música. "Gladiator", "El Señor de los anillos", "Batman Begins" o "Transformers" son solo algunos ejemplos. Sin embargo lo cierto es que todo estaba ya inventando. Respecto al couching, no hace falta remontarnos a Sócrates o a Platón para descubrir que la motivación vital ha sido una constante en la historia de la humanidad. En España, sin ir más lejos, ya existía la sofrología. Y, por recurrir a la anécdota, creemos recordar que hasta un equipo de fútbol del norte tuvo en nómina a un sofrólogo aunque, visto que su labor no aportó los frutos esperados, el equipo se limitó a aplicar la técnica tradicional que practicaba por aquel entonces antes de comenzar cada partido: rezar un padrenuestro.
Decimos estas cosas porque, además de utilizar esta vez un tono distendido para introducir el tema que hoy te proponemos, hay también precedentes en la música épica que tanto atrona nuestros oídos de un tiempo a esta parte. Y no nos referimos a la música de las películas de romanos. Hablamos de bandas sonoras más asimilables como es el caso de "Terminator" a mediados de los ochenta, o "Rocky" en 1976. Y es que ahí tenemos al bueno de Rocky Stallone, dale que te corre escaleras arriba o encajando y pegando guantazos, mientras Bill Conti ponía una música espectacular de acompañamiento. Si hace poco, hablando de John Williams, hacíamos mención a la importancia que daba al leitmotiv en sus composciones, ¿quién no imagina a Rocky corriendo por las calles de Filadelfia cuando suena el tema principal de la película?, ¿o quién no recuerda el final de sus combates, llamando a su chica para abrazarla empapado en sudor y sangre, mientras suena la música que hoy te proponemos?. Así que otro día nos detendremos en pormenorizar la gran trayectoria musical de Bill Conti. Tampoco hoy vamos a proponer "Gonna Fly Now", el archifamoso tema principal de la película. Lo que hoy traemos a este blog es "Going The Distance", el espectacular tema in crescendo del combate. Epica pura.
Toda ella rezuma fragilidad, aunque sus complicadas circunstancias físicas las envuelva y camufle con su aureola de nueva diva del jazz. Y es que esta cantante nacida en Nueva Jersey sufrió un tremendo atropello automovilístico a los diecinueve años, que casi le cuesta la vida y que la dejó al borde la invalidez. Tuvo que partir de cero, desde reaprender a hablar hasta hacer una complejísima rehabilitación para poder volver a caminar. "Mi droga son las vitaminas", bromea Gardot debido a la necesaria dependencia que tiene de ellas, al igual que de sus gafas, del bastón que la acompaña y hasta, en ocasiones, de suministrarse oxígeno. A su milagrosa recuperación, no fue en absoluto ajena la terapia musical que su médico le recomendó y que acabó llevándola, cuatro años después, a grabar su primer disco.
"Gardot es jazz sin serlo, aun siéndolo" sentenció un crítico francés ante la evolución abierta a nuevos ritmos y experiencias que la cantante ha ido experimentando, aunque sin abandonar nunca sus raíces. Lo cierto es que junto a Diana Kroll, Cassandra Wilson y Norah Jones, forma el cuarteto más cotizado del jazz femenino contemporáneo. Compositora y pianista -aunque en ocasiones también se acompaña de la guitarra- Gardot atesora una voz madura, dulce y aterciopelada, con la que envuelve sus magníficas interpretaciones. De festival en festival y de gala en gala, la norteamericana triunfa y enamora allí donde va. No es fácil elegir un tema entre su amplísimo repertorio. Cualquiera de ellos, especialmente sus baladas, vale su peso en oro. Nos gusta tanto esta artista que, en su primer paso por este blog, hacemos la excepción de proponer dos de sus temas. El primero una canción de esencia claramente blues, mientras que el segundo refleja una interpretación en directo de una de sus más populares baladas. Una delicia.
Con cerca de una decena de álbumes de estudio, en directo o recopilaciones, el grupo pop El Canto Del Loco (ECDL) se fue haciendo un consistente hueco en el panorama musical español desde sus inicios en 1995. Liderados por Dani Martín, e inspirados por los grandes del pop español, este grupo afincado en Madrid toma el nombre de la canción "El canto del gallo" de Radio Futura. Apadrinados por el cazatalentos Paco Martín, ECDL no editan su primer trabajo hasta el año 2000, bajo la producción del ex-Tequila, Alejo Stivel. A partir de ahí el grupo, que para entonces ya se ha ganado el favor del público joven y adolescente, irá encadenando distintos éxitos y reconocimientos, superando el millón de discos vendidos. Aunque se les haya acusado de grupo quinceañero y de poca originalidad, la banda -indisolublemente asociada a Dani Martín- irá demostrando una creciente madurez musical. En su camino, canciones de éxito como "Eres un canalla", "Puede ser", "Besos", "La madre de José", "Zapatillas" o nuestra propuesta de hoy.
Editada inicialmente en 2002, "Contigo" es una balada de amor dedicada al público. En el 2010 -a punto de disolverse la banda- ECDL la grabará nuevamente con la mexicana Natalia Lafourcade, una cantante y artista polifacética muy destacada en su país y en el ámbito musical latino, con una gran sensibilidad interpretativa, tal y como acredita su aportación a este dueto. Esta es la versión del tema que hoy te proponemos.
Hoy nos vamos a otorgar una pequeña -enorme, en realidad- licencia. Extraer el que, para no pocas personas, es el pasaje más bello jamás escrito en la historia de la música. Hablamos de la primera parte del 2º movimiento (el Allegretto) de la 7ª Sinfonía de Beethoven. Nada comentaremos. Bastará escuchar la magia de estos tres minutos.
Y para ello, difícilmente puede darse con una conjugación musical más perfecta que la formada por el gran compositor alemán, interpretado por la Orquesta Filarmónica de Berlín a los mandos de Herbert von Karajan. Tampoco aquí hace falta añadir mucho más. Y es que, aunque todo es susceptible de cuestionarse, no deja de ser cierto que el alemán Ludwig van Beethoven es, probablemente, el más grande compositor de música clásica. A caballo entre el clasicismo y el romanticismo, sus obras, especialmente sus sonatas, conciertos y sinfonías, así lo avalan. Su compleja personalidad, sus éxitos y fracasos y las penurias vitales que culminaron con su sordera, le marcaron hasta el final de sus días. Pero su legado perdura y se agranda con el paso del tiempo. Por otra parte, pocos directores han sabido captar el espíritu del genio alemán, como el austríaco Herbert von Karajan -nacido, al igual que Mozart, en Salzburgo- haciéndolo, en esta ocasión, al frente de la afamada Orquesta Filarmónica de Berlín. La resultante es, sencillamente, espectacular.
Con todo, y para compensar lo que puede ser considerado un sacrilegio musical, adjuntamos un vídeo íntegro de esta Sinfonía nº 7 interpretada por la West-Eastern Divan Orchestra, el personal proyecto orquestal del gran director Daniel Barenboim.
Situémonos al final de los sesenta. El beat ya no se lleva. La nueva apuesta mayoritaria es la psicodelia y el rock progresivo y sinfónico. La pauta, como siempre, la marcan los grupos británicos y, en menor medida, los estadounidenses. En España hay un músico muy inquieto, que ha venido colaborando con el grupo Los Ángeles, y que busca crear una banda acorde a la evolución última de Los Beatles o grupos como King Crimson, Yes, Pink Floyd, Emerson, Like & Palmer o Procol Harum. Se trata de Pepe Robles, compositor, cantante, guitarra y multinstrumentista quien, en compañía del teclista Tomás Bohórquez, el bajista Emilio Bueno y el batería José Antonio García Reyzábal, formará Módulos. Desde el comienzo el grupo trabajará a conciencia y con bastante libertad por parte de la discográfica Hispavox para, sin renunciar a alguna faceta pop más comercial, adaptarse a las nuevas tendencias internacionales. En 1970 lanzarán su primer álbum, "Inquietudes", con un par de temas versionados de Los Beatles y canciones como "Nada me importa", "Noche de amor" o el tema que hoy proponemos, "Todo tiene su fin".
Con esta canción, Módulos serán pioneros en romper en España la regla de los tres minutos de duración para lograr que un tema triunfe. También en el uso en un hit español del llamado Wall of sound -en castellano Sonido de muralla- que logra la reverberación musical. Eso, junto a una espectacular introducción del órgano Hammond, un gran acoplamiento instrumental, sus acertados cambios de ritmo, la guitarra y el cante melancólico y triste de Pepe Robles, harán que esta balada se convierta en un gran éxito y, con el paso del tiempo, en un clásico del pop español. Tampoco será casual que sea un grupo de rock como Medina Azahara y otros intérpretes andaluces, los que versionen y contribuyan a mantener la popularidad de la canción, ya que en la interpretación de Robles, madrileño de nacimiento pero malagueño de adopción, se percibe también un deje aflamencado. Módulos editará otros álbumes pero, aunque aún obtendrán algún que otro éxito como "Solo tú", nunca llegarán al nivel que alcanzaron con este trabajo. Junto a la versión remasterizada del tema, hemos querido adjuntar un apreciable vídeo montaje que TVE hizo con la canción y el grupo en su momento.
Esta cantante gallega de nacimiento y asturiana de adopción, estudió piano, solfeo, bel canto y ballet, teniendo claro su interés por dedicarse profesionalmente a la interpretación. Con 19 años se trasladará a Madrid para comenzar con actuaciones menores y como acompañante coral, logrando ir haciéndose un hueco musical con su vertiente más rockera, grabando su primer álbum en 1982, con temas propios y de autores como Roque Narvaja, Noel Soto o Ramoncín. "No aguanto más", uno de los sencillos del disco, le dará a conocerse ante el gran público. De esta primera etapa rockera, en la que colaborará con otros autores como Rosendo Mercado, Elena Santonja, Hilario Camacho, Santiago Auserón o Antonio Vega -y con tres álbumes en su haber- quedarán otros temas como "Deseo de silencio", "Ciudad sin ley" o "Rufino". A finales de los ochenta, Luz dará un giro a su carrera, explotando su vena interpretativa más pop y melódica, con su trabajo "Luz V" y temas como "No me importa nada", "Te dejé marchar" o "Loca". Tendrá un gran éxito que se acrecentará en su siguiente trabajo, "A contraluz", que incluirá las canciones "Piensa en mí" y "Un año de amor", que Almodovar utilizará en su película "Tacones lejanos".
A partir de ese momento, y ya como cantante popularmente consagrada, se afianzará una carrera con resonancia internacional y nuevos temas como "Dame un beso", "Entre mis recuerdos", "Ni tú ni yo" o "Lo eres todo", el tema que hoy te proponemos, una adaptación de la balada de Vainica Doble, tan solemne como rotunda y excesiva en su letra, en donde la voz de Luz expresa toda su fuerza y hondura, con unos arreglos a la altura de su magistral interpretación.
Este malagueño de 37 años y de nombre Juan Gómez Canca, compaginó sus estudios con su creciente interés por la guitarra y la música. Tras varias experiencias musicales en su tierra, se traslada a Madrid en donde comenzará a despuntar en su faceta de cantautor. Con un cante fresco y popular, una mezcla de estilos y composiciones tan variadas como personales, El Kanka se hará un hueco y se irá ganando un creciente respeto musical en sus más de diez años de trayectoria artística, habiendo publicado cuatro trabajos y demostrando que hay vida musical también fuera de los grandes circuitos comerciales. Su popularidad se cimenta en las redes sociales (sus canciones acumulan en You Tube más de 50 millones de visitas) y en esporádicas apariciones en los medios de comunicación. A reseñar las colaboraciones que ha tenido con cantantes como Rozalén o Jorge Drexler. Entre las canciones, de El Kanka destacan algunas como "Volar", "Lo malo que estoy y lo poco que me quejo", "Payaso", "Andalucía", "Refunk", "Me gusta" o "Querría", el tema que hoy te proponemos a ritmo de bolero romántico y que, en esta versión, interpreta acompañado por el grupo The Mexicats.
Estamos ante la que, por trayectoria y longevidad, es probablemente la más grande banda de la historia del rock. Desde su formación en Londres en abril de 1962, han transcurrido más de 58 años y ahí siguen Mick Jagger, Keith Richards y Charlie Watts, con sus setenta y muchos años a cuesta, pateando escenarios y llenando estadios, a falta de los otros dos fundadores de la banda, Brian Jones, que la abandonó prematuramente y falleció con posterioridad, y Bill Wyman, que dejará el grupo en 1993. Ciertamente, hoy Los Rolling no dejan de ser un mito ambulante de su propia historia. Es en los sesenta cuando despuntarán como banda de rock, con incursiones en el blues y el R&B, alcanzando la popularidad mundial con "Satisfaction" en 1965. Aun con caminos y trayectorias distintas, durante esta década se establecerá una clara competencia y rivalidad con Los Beatles, especialmente entre sus seguidores, considerándose a Los Rolling más puristas de las esencias rockeras frente al eclecticismo de los de Liverpool. Lo que mucha gente no sabrá es que Los Beatles recomendaron en sus comienzos a Los Rolling y hasta les compusieron algún tema. Incluso, ya en plena fama de Los Stones y a raíz de sus primeros problemas con las drogas, Lennon y McCartney llegaron a hacerles los coros, además de compartir escenario. La banda cosechará en estos años grandes éxitos como "Paint It Black", "Jumpin´ Jack Flash" o "Sympathy For The Devil", alcanzado un punto de inflexión en 1973 con la extraordinaria balada "Angie".
A partir de ahí, la fama, el consumo de drogas y los egos del grupo les llevarán a un período decadente que, sorprendentemente, remontarán a finales de los setenta y comienzos de los ochenta con álbumes como "Some Girls", "Emotional Rescue" o "Tattoo You", trabajo al que pertenece el tema "Star Me Up", que hoy proponemos en una versión en directo. A estas alturas, la banda habrá ido evolucionando desde períodos de influencia psicodélica y pop, llegando hasta el funk, pero sin abandonar nunca sus esencias rockeras y de R&B. Volverán tras estos trabajos a un período de declive que nuevamente superarán, en este caso con algún nuevo trabajo apreciable a las puertas de los noventa, con sus álbumes "Steel Wheels" y "Voodoo Lounge" pero, sobre todo, con una creciente explotación y éxito comercial basados en la historia del propio grupo y su transformación en mito e icono del rock. Y en esas continúan Sus Satánicas Majestades.
No se trata de convertir este blog en un obituario. Pero, no por esperada, es difícil sustraerse a la muerte que hoy hemos conocido del cantante Pau Donés, a causa del cáncer contra el que tanto ha combatido. Este catalano-aragonés, mostró desde joven su inclinación musical. Creó y actuó con distintos grupos sin comnocer el éxito hasta que, con treinta años -ya con Jarabe de Palo- publica su primer álbum, "La flaca", que incluirá el tema de igual nombre, convirtiéndose en un gran éxito en todo el mundo de habla hispana. Con su mezcla de estilos -siempre con un toque latino y pop- Donés y su grupo lograrán triunfar con otros temas como "Bonito", "Depende", "Cómo quieres ser mi amiga", "Grita" o "Agua", colaborando con artistas como Sabina, Leiva, Antonio Vega, Peret, Alejandro Sanz o el mismísimo Pavarotti.
"Bonito", el tema que hoy proponemos, refleja bien el estilo positivo y vital de la música de Pau Donés. Especial relevancia adquiere el colorista vídeo de la canción, en el que el cantante camina por una carretera y va cruzándose con personajes de lo más variopinto. Solo en su versión oficial, este vídeo tiene a día de hoy cerca de cien millones de visualizaciones. Nos parece también pertinente incluir un vídeo con su póstuma canción, "Eso que tú me das", un tema de agradecimiento a la vida realizado en compañía de su hija Sara.
Este domingo ha cumplido ochenta años el cantante Tom Jones. Su verdadero nombre es Thomas John Woodward, pero su mánager, Gordon Mills, decidió cambiárselo a mediados de los años sesenta por el del protagonista de la famosa novela picaresca británica de igual nombre. Es también conocido como "el tigre de Gales", atendiendo a su origen. Desde joven, el cantante sintió una gran inclinación por la canción, actuando en distintos grupos y orquestas, aunque el triunfo como solista no le llegaría hasta 1965 con el tema "It´s Not Inusual". Durante una década, Jones estará en primera fila como crooner con su potente voz y una imagen viril y algo estrafalaria, de la mano de canciones como el tema ya citado y otros como "Thunderball" (tema principal de la película de James Bond de igual título), "What's New Pussycat", "Help Yourself" o, especialmente, "Delilah", el tema que hoy proponemos. Con posterioridad, su carrera decaerá y pasará a un segundo plano hasta que, tras la muerte de su mánager Mills, su hijo Mark se ponga al frente de la misma, relanzando su imagen y discografía con distintas recopilaciones, colaboraciones o temas nuevos como "Sex Bomb", canción que encaja como anillo al dedo para la imagen de quien, a pesar de mantener hasta la muerte de su esposa en 1988 su temprano matrimonio, ha llevado fama de seductor impenitente. En la actualidad, mantiene su aureola de mito viviente y triunfa allí donde va.
Respecto a "Delilah", más allá de su popularidad mundial, es un tema que en Gran Bretaña ha traspasado su mera condición musical, convirtiéndose en virtual himno galés y cántico de referencia en los prolegómenos de los partidos de rugby, identificando a los equipos de origen obrero frente a los más elitistas ingleses. Además, la canción tampoco escapa a la polémica por el componente violento que se describe como reacción a la infidelidad de la protagonista del tema. Sea como fuere, esta balada con ritmo de vals, es todo un espectáculo en la voz de Tom Jones. Por eso hemos querido proponerla en una versión festiva y multitudinaria en donde un Jones ya maduro, se luce ante su público. Por hacer justicia a la interpretación en plenitud del cantante, adjuntamos también un vídeo de una antigua actuación televisada del galés, con un playback de la versión original del tema.
