CHUCK BERRY "YOU NEVER CAN TELL"

Leyenda musical, pionero del rock and roll, cantante y guitarrista, Chuck Berry, será también el autor de temas tan míticos como "Maybellene", "Roll Over Beethoven", "Johnny B. Good" o nuestra propuesta de hoy, "You Never Can Tell", en donde describe una relación sencilla, cotidiana y feliz de una pareja que, por los constantes galicismos, situamos en Luisiana.

Con unos comienzos difíciles, ganas de comerse el mundo, un fuerte carácter y no pocos escándalos y problemas con la justicia, su contribución a la música rock será decisiva e inspiradora para grupos como Los Beach Boys, Los Beatles o Los Rolling Stones. Inolvidable su Duck Walk, saltando sobre su pierna derecha mientras ejecutaba sus solos de guitarra. El cine inmortalizará parte de ese legado en el impagable homenaje que le tributa la película "Regreso al futuro" de la mano de Michael J. Fox o en la mítica escena de baile que protagonizarán John Travolta y Uma Thurman en "Pulp Fiction", de Quentin Tarantino, que traemos como vídeo de nuestra propuesta, aunque no nos resistimos a incluir este enlace a una celebrada interpretación del tema en directo por parte de Bruce Springsteen y su banda, en un claro tono fiestero.

JEFF BUCKLEY "HALLELUYAH"

Esta hermosa propuesta es una composición del gran cantautor Leonard Cohen. Editada en 1984 e incluida en el álbum "Various Positions", en un principio pasaría desapercibida al lado de otros temas del disco, como "Dance Ne To The End Of Love", y no alcanzaría popularidad hasta que el cantante John Cale la grabe en 1991, aunque será Jeff Buckley quien la inmortalice definitivamente tres años después de Cale al versionarla en su gran disco "Grace".

La canción hace mención a la palabra compuesta hebrea Hallelu (alabar) Yah (abreviatura de Dios), que el cristianismo adaptará en su forma latina Aleluya. Compuesta durante años por Cohen, con una enorme cantidad de estrofas, la grabaría escogiendo únicamente cuatro de ellas, partiendo de los salmos bíblicos del rey David y su relación con Betsabé. Cale, con permiso de Cohen, hará algún retoque en la selección y adaptación de estrofas, al igual que Buckley. Aunque haya diversas interpretaciones sobre su contenido, más allá de las constantes reflexiones de Cohen sobre la espiritualidad, la letra refleja también las contradicciones que conlleva el amor incondicional. Sea como fuere, la canción es ya todo un himno y no son pocas las despedidas y homenajes póstumos civiles o religiosos que la utilizan como acompañamiento musical.

Respecto a Jeff Buckley, hijo del cantante folk Tim Buckley, fue un artista influenciado, además de por su progenitor, por cantantes con Van Morrison o Bob Dylan. Con un estilo intimista y ecléctico, en su obra conviven el folk, el blues, el rock y hasta el jazz, destacando su prodigiosa voz, como deja constancia su álbum "Grace", único que llegaría a grabar ya que, en plena grabación  en Memphis del que sería su segundo trabajo, murió al darse un baño en el río, sin que llegaran a aclararse bien las causas de su muerte. De carácter inconformista y -al igual que su padre- con adicciones tóxicas, su temprana desaparición le acabará elevando a la categoría de mito. La sentida y casi quebradiza interpretación de este "Halleluyah" -guitarra incluida- pertenece a un concierto celebrado en París en 1995.

JARCHA "LIBERTAD SIN IRA"

Han pasado solo unos meses de la muerte de Francisco Franco y el grupo andaluz Jarcha edita "Libertad sin ira", un tema compuesto por Pablo Herrero y José Luis Armenteros. Para entonces esta célebre pareja de compositores -exmiembros del grupo de pop instrumental Los Relámpagos- ya ha triunfado con creaciones como "Cuéntame", "Un beso y una flor" o "Libre". Por su parte, Jarcha es un grupo vocal que, liderado por el vocalista Ángel Corpa, interpreta canciones de raigambre popular o poética, al estilo de otros grupos pop folk de la época como Nuestro Pequeño Mundo, Jubal, o Vino Tinto.

Nuestra propuesta de hoy, que en un principio tendrá problemas con la censura, verá la luz definitivamente a finales de 1976, haciendo coincidir su lanzamiento con el periódico aperturista "Diario 16" (cuyo lema reza "Por la libertad sin ira"), a modo propagandístico. Pronto la canción alcanzará la cima de las listas de éxitos musicales y se convertirá en símbolo de los sectores más aperturistas de la sociedad frente a quienes se resisten a superar el franquismo -el entonces denominado "Búnker"-. Con el paso del tiempo la canción perderá parte de su contenido combativo, pasando a convertirse en referente sentimental de la transición política española de la dictadura a la democracia.

HÄENDEL / ROSENMAN "ZARABANDA"

Nacido en Halle (Alemania) en 1685, Georg Friedrich Häendel mostró desde niño gran interés musical y precocidad interpretativa gracias a un pequeño clavicordio que tocaba a escondidas, pues su padre no veía con buenos ojos la inclinación musical de un hijo al que quería convertir en abogado. La realidad se impuso y Häendel pronto destacaría como intérprete y compositor musical barroco, trabajando en Alemania primero, Italia después -etapa clave en que se consagrará como compositor de ópera- y, finalmente, en Inglaterra hasta su fallecimiento en 1759. Considerado allí como el sucesor de Henry Purcell, Häendel -que llegaría a nacionalizarse inglés- está considerado el primer autor que buscó satisfacer no solo el gusto de sus mecenas si no también el del gran público, destacando composiciones como "El Mesías" (con su célebre "Aleluya"), el "Himno de la Coronación" (melodía de la Champions League de fútbol), la ópera "Julio César en Egipto" o su "Música para los reales fuegos artificiales". 

En cuanto a nuestra propuesta de hoy, se trata de una obra basada en una danza popular de igual nombre, cuyo origen podría ser hispanoamericano, incluída en su "Suite nº 4 en Re menor para clavecín". Escrita para ser interpretada en clave, el gran director Stanley Kubrick la utilizó como acompañamiento musical a alguna de las escenas de su película "Barry Lindon". El filme de 1975, basado en una novela de William Tackeray, narra las aventuras y desventuras de un joven irlandés ambicioso y sin escrúpulos en el siglo XVIII. Kubrick, acostumbrado a utilizar a grandes autores clásicos para musicar sus películas, encargó esta espectacular adaptación orquestal a Leonard Rosenman, compositor de música clásica y de numerosas bandas sonoras. Interpretada por la Orquesta Nacional de Londres, la pieza adquiere en este pasaje un gran aire épico como de marcha fúnebre.

VALERIA CASTRO "GUERRERA"

 

Otro nuevo talento de la canción es esta joven palmera de canto dulce y rotundo. A sus 24 años, aunque afincada en Madrid, Valeria Castro conserva sus raíces canarias y ese tono folclórico con el que se dio a conocer a través de YouTube versionando temas de Amaral, Sabina, Vetusta Morla, Calamaro o Alejandro Sanz. Precisamente será este último quien contribuirá a su popularidad en plena pandemia, al compartir en sus redes uno de estos covers con el texto "cuando se unen talento y dulzura suceden cosas como esta". Con una cuidada estética personal, las canciones de esta cantautora  rezuman sinceridad y su interpretación tiene un punto de ternura y fragilidad que la hacen más atractiva, como vemos en "Guerrera", tema dedicado a las mujeres, particularmente a su madre y a su abuela.

QUERALT LAHOZ "ORÍGENES"

Decíamos ayer... 

Es innegable la enorme contribución catalana a la música flamenca gracias,, principalmente, a la diáspora andaluza afincada en Barcelona y su área metropolitana: desde Peret y el Pescaílla hasta Estopa y Rosalía, pasando por El Último de la Fila o Los Manolos, hay un sin fin de nombres ilustres que así lo corroboran.

No es ajena a ello nuestra protagonista, Queralt Lahoz quien, con un estilo urbano y ecléctico aflamencado, supone un nuevo soplo de aire fresco en el pop actual. Con referente en divas como Lola Flores, Rocío Jurado, Celia Cruz o cantaores de la talla de Manolo Caracol, Camarón o Morente, esta catalana "charnega y empoderada", autora de sus temas, practica un estilo mezcla de hip hop y flamenco, aunque nuestra propuesta de hoy, con una letra referida a la emigración de su abuela desde las cuevas de Granada hasta el barrio de Les Oliveres en Santa Coloma de Gramanet, se adentre en ritmos latinos (bolero tumbao y son cubano). Una artista distinta con un magnífico directo.  

CHAIM TOPOL "IF I WERE A RICH MAN" / "TO LIFE"

Basada en el musical de igual nombre de Jerry Bock y Sheldon Harnick, en 1971 el director canadiense Norman Jewison (quien dos años después haría lo propio con "Jesucristo Superstar") llevará a la gran pantalla la obra "El violinista en el tejado", adaptación de una historia de Sholem Aleijem, escritor ruso defensor de la tradición, cultura y costumbres idish judías. Ambientada en una imaginaria aldea ucraniana de la Rusia imperial de comienzos del siglo pasado, la historia narra la vida de Teyve, un pobre lechero con cinco hijas a las que busca casar aunando tradición y su bienestar, en un ambiente complicado por las desavenencias entre judíos y ortodoxos, el próximo destierro judío de esas tierras y la incipiente revolución rusa. 

El encargado de dar vida a Teyve, será el actor israelí Chaim Topol, logrando una memorable interpretación que nos ha dejado escenas tan populares como la primera de nuestras propuestas de hoy ("Si yo fuera rico"), o la magnífica "To Life", en donde folclore judío y ruso se dan la mano en un enorme número musical en el que el protagonista brinda celebrando el futuro enlace de una de sus hijas. A todo ello no será ajeno el gran John Williams, encargado de la adaptación musical cinematográfica de la obra, lo que le otorgará el primero de los cinco Oscars logrados a lo largo de su carrera. 

DANNYLUX "TRISTE NAVIDAD" / "RESPUESTAS"

Más de una vez hacemos referencia a la costumbre sajona de buscar términos para englobar tendencias o fenómenos, también en el ámbito musical. Así, hasta los propios mexicanos han acabado por asumir la denominación regional mexicano para la música con raíces en su país. Rancheras, corridos o texmex, son algunas de las expresiones más famosas que engloba el término, en donde caben desde clásicos como Jorge Negrete o Pedro Infante, hasta las tendencias más vanguardistas. Dentro de la evolución del corrido mexicano, ha tomado un auge importante el corrido tumbado, influenciado por el hip hop o el rap más radical urbano, con sus variantes gangsta,  trap o drill. Nuestra propuesta de hoy es, a su vez, otra evolución de este corrido tumbado: el sad sierreño, cuyo contenido es, paradójicamente, romántico y melancólico, muy alejado de la ostentación que del sexo, las drogas y la violencia hace el corrido tumbado. En fin, todo un compendio de términos y estilos pero que nos deja sorpresas tan agradables como estas rolas (canciones). El sad sierreño narra principalmente fracasos, rupturas o añoranzas amorosas. De ahí el uso del término inglés "sad" (triste). Lo hace con sonido de guitarras agüitadas, con notas agudas y tristes -a ritmo y punteo de corrido- y bajo acústico. Un sonido muy característico que está calando en el ámbito musical hispano y que demuestra que hay vida en la música joven latina más allá del reguetón.

Por lo que hace a Dannylux, es un joven californiano de familia mexicana. Su padre, empleado del servicio de basuras, le llevó cuando tenía seis años una guitarra en buen estado que encontró mientras trabajaba. Escuchando ahora al hijo tocar las guitarras y el bajo acústico con que se acompaña, parece que la decisión del padre fue provechosa. Y es que con su peculiar estilo, de fraseo y tono latino con un toque pop indie, este cantautor  ha pasado en dos años de colgar sus covers y primeras composiciones en Tik Tok, a colocarse en primer plano del regional mexicano.  

DEAN MARTIN "LET IT SNOW, LET IT SNOW, LET IT SNOW"

En pleno solsticio de invierno, coincidiendo con la llegada de la Navidad, no queremos sustraernos a una referencia musical acorde al momento, como el clásico que hoy proponemos. Ha sido el paso del tiempo el que ha convertido el tema en referente navideño. Lo cierto es que cuando los compositores de Broadway Julie Styne y Sammy Cahn escribieron la canción en 1945, estaban en un Hollywood azotado por el riguroso calor californiano. De ahí un título cargado en su momento de fina ironía ("Deja que nieve", en castellano). Además se da la circunstancia, como bien refleja la letra, de que se trata un tema de amor. En cualquier caso, pronto su interpretación se asimiló al período navideño, hasta convertirse en santo y seña musical de la época que han interpretado infinidad de artistas en los más variados idiomas y estilos.

De entre sus innumerables versiones, nosotros hemos querido traer a nuestro blog la que en 1959 grabó Dean Martin. Este italoamericano, de nombre auténtico Dino Paul Crocetti, integrante del clan Sinatra, compartió con "La Voz" muchas similitudes: origen italiano, oficios varios en su juventud, escarceos en el mundo del boxeo, gran ego, innumerables romances o la profesión de actor y cantante. Inoldidable la pareja cómica que formó junto a Jerry Lewis o el tema que le llevó al máximo estrellato musical, "Everybody Loves Somebody". 

JOHN WILLIAMS "E.T., EL EXTRATERRESTRE: FLYING"

Nuestro blog tenía una cita inexcusable con este tema antes de acabar un 2022 que conmemora los cuarenta años del estreno de "E.T.., el extraterrestre", la mítica película referente de la década de los ochenta. Como en otros títulos señeros de Spielberg, es imposible disociar el filme de su banda sonora, algo que John Williams ya había logrado para entonces en otros títulos del afamado director como "Tiburón", "Superman", "La guerra de las galaxias" o "En busca del arca perdida".

En su día ya hicimos mención a Williams y a su enorme contribución artística musical. El gran compositor neoyorquino daría una vez más en el blanco con su aportación a esta entrañable historia de amistad entre un niño y un extraterrestre. Resulta imposible imaginar un mejor acompañamiento musical a un vuelo de bicicletas o al emotivo e intenso final de la película que el de nuestra propuesta de hoy. Con una breve y dinámica introducción con protagonismo para flautas y oboes, pronto las cuerdas marcan el ritmo ascendente del tema, con el apoyo de trompas, viento y percusión, logrando la sensación de vuelo mágico que desembocará en el emocionante y épico final reseñado. Música inolvidable que aquí rememoramos de la mano del propio John Williams al frente de la Boston Pops Orchestra en un concierto ofrecido en 2002, coincidiendo entonces con el vigésimo aniversario del filme. 

TANITA TIKARAM "TWIST IN MY SOBRIETY"

Nacida y criada en su niñez en Alemania, esta inglesa de ascendencia indofijiana y malasia, llegó a la adolescencia interpretando temas propios de estilo pop y folk. Su potente y personal voz, algo ronca y oscura, pronto llamará la atención en el ambiente artístico londinense, fichando al tiempo por la discográfica Warner, con quien editará su álbum más señero, “Ancient Heart”, que contiene éxitos como “Good Tradition” o nuestra propuesta de hoy.

Tanita Tikaram será un referente del pop folk mundial en el lapso de los ochenta a los noventa, aunque paulatinamente pasará a un ámbito más minoritario, llegando a alternar períodos de inactividad artística con nuevas propuestas musicales que, aunque de menor impacto comercial, siguen mostrando su gran capacidad creativa e interpretativa. Artista de cullto, sus composiciones rezuman talento y buen gusto, con letras de profundo contenido poético. De su etapa más prolífica nos quedamos con “Twist In My Sobriety”, de letra enigmática que, según la artista, refiere la dificultad que conlleva el tránsito de la adolescencia a la vida adulta. El comienzo de la letra (“Todos los hijos de Dios necesitan zapatos para viajar”) está tomado de la poetisa estadounidense Maya Angelou. Con marcado ritmo percusivo y un acertadísimo uso del oboe, a cargo del gran oboísta británico Malcom Messiter, la canción mantiene el mismo tono evocador y emocionante que provocó en su momento. 

Insertamos dos vídeos. Uno con su traducción en castellano (ni su edición ni alguna falta de ortografía son responsabilidad de este blog) y otro el -en su día- original que editó la artista y que está grabado en un poblado del Altiplano boliviano.

MATT MONRO "ALGUIEN CANTÓ" / "TODO PASARÁ"

Retomamos nuestras propuestas musicales por todo lo alto, haciéndolo de la mano de Matt Monro, el gran crooner inglés coetáneo de los Frank Sinatra, Andy Williams o Paul Anka. De nombre real Terence Edward Parsons, desde adolescente desempeñó distintos trabajos para ganarse la vida, enrolándose en el ejército con solo diecisiete años, acabando destinado en Hong Kong, en donde comenzará a dedicar su tiempo libre a cantar y promocionarse en concursos musicales y radios locales. Lo mismo hará a su vuelta a Londres, seis años después, compatibilizando su actividad como cantante en grupos, orquestas y anuncios comerciales, con su trabajo como chófer de autobús urbano. Sus cualidades musicales no pasarán desapercibidas para la cantante Winifred Atwell, que mediará con la discográfica Decca Records para que nuestro protagonista, ya bajo el nombre de Matt Monro, grabe su primer disco en 1957, obteniendo un reconocimiento que se consolidará poco después de la mano de George Martin, el mítico productor de Los Beatles.

A partir de los sesenta, Monro no hará sino acrecentar su fama y éxito internacional con canciones como "Portrait Of My Love" o "My Kind Of Girl". En 1963 grabará el tema principal de la película "Desde Rusia con amor" de la saga James Bond. Un año después quedará segundo en el festival de Eurovisión representando al Reino Unido con "I Love The Little Things". Y en 1967 ganará el Oscar a la mejor canción original interpretando el tema del filme "Nacida Libre". Matt Monro triunfará también con grabaciones en distintos idiomas, obteniendo gran popularidad en España e Iberoamérica con la interpretación en castellano de algunos temas. En unos tiempos en que la canción romántica tenía un espacio destacado en radios, discotecas o guateques, la voz potente, melosa y elegante de este inglés encajará a la perfección. Como mejor muestra de todo ello nuestra doble propuesta de hoy, en la que podemos apreciar las cualidades de este enorme artista, bien secundado por unos buenos arreglos orquestales. Lamentablemente, su progresiva adicción al alcohol le llevaría a la muerte con solo cincuenta y cuatro años..

MARIZA "Ó GENTE DA MINHA TERRA"

Quién le iba a decir a Amália Rodrigues que su indiscutible sucesora como diva del fado no vendría al mundo en territorio ibérico. Y es que Marisa dos Reis Nunes (de nombre artístico Mariza) nació en la entonces colonia portuguesa de Mozambique. Mulata, de padre portugués y criada desde pequeña en la Lisboa en la que sus padres regentaban una taberna, desde niña se empapó del fado. Hoy traemos nuestra propuesta con el convencimiento de que que escuchar la hondura y plenitud expresiva de Mariza cantando es la mejor forma de aproximarnos al fado. Y es que nuestra protagonista es, de largo, su mejor embajadora mundial. Con su imponente presencia escénica y un emotivo registro vocal que alterna la modulación y potencia justa en cada momento, Mariza lleva más de veinte años carrera artística, con alguna incursión también en la canción soul y melódica, y colaboraciones con algunos intérpretes españoles de la talla de José Mercé, Miguel Poveda, Concha Buika, Vanesa Martín o Sergio Dalma.

No tenemos mejor ejemplo para auditar lo dicho que la versión que hace ya quince años hizo la cantante de su tema más señero: "Ó gente da minha terra", un magnífico poema alegórico del fado escrito por Amália Rodrigues pero nunca musicado ni cantado por ella. Esencia pura del estilo fadista triste de Lisboa, y dedicado a sus gentes, hay que escucharlo en vivo para captar el torrente de emociones que nos transmite en la voz de Mariza. Y como quiera que en la primera de las versiones adjuntas la cantante llega a emocionarse e interrumpir su interpretación ante un entregado publico lisboeta -lo que, en nuestra opinión, aún la engrandece más-, hemos adjuntado otro vídeo con otra no menos entrañable interpretación de esta gran canción que concluye: "¡Oh,  gente de mi tierra / ahora me di cuenta / que está tristeza que traigo / la recibí de vos".

DÚO DINÁMICO "AMOR DE VERANO"

Han transcurrido la friolera de sesenta y cuatro años desde que Manolo de la Calva y Ramón Arcusa, dos jóvenes barceloneses amantes del jazz y el folklore, influenciados por los Everly Brothers, decidieran formar un dúo que se iba a llamar The Dinamic Boys, hasta que Enrique Fernández, el locutor que los presentó formalmente en Radio Barcelona, dijo que él no sabía inglés y que les anunciaría como el Dúo Dinámico. Y con ese nombre se quedaron, aunque en una época dieron en llamarse Manolo y Ramón. Leyenda de la música española, precursores patrios del twist, del rock & roll y del pop, pronto triunfarán entre la gente joven, despertando el fenómeno fan en nuestro país ("las dinámicas", se llamó a sus seguidoras), llegando a protagonizar exitosas películas y grabando temas que son santo y seña de nuestra historia musical, como las adaptaciones de "¡Oh Carol!" o "Hello May Lou" y temas propios como "Quince años tiene mi amor", "Lolita twist", "Esos ojitos negros", "Perdóname", "Somos jóvenes", "Quisiera ser", "Resistiré" -ya publicada en este blog- o nuestra propuesta de hoy. Reseñar cómo, además de intérpretes de éxito, el dúo ha compuesto y producido parte de sus temas y otros ajenos tan exitosos como el "La, la, la", con el que España ganó Eurovisión, o "Soy un truhan, soy un señor" y "De niña a mujer" de Julio Iglesias.

En cuanto al tema de hoy (popularmente más conocido como "El final del verano") es una balada de 1963, muy acorde al momento estacional, con arreglos a ritmo repetitivo, marcado por la guitarra y el tambor, un solo de saxo melancólico, una cuerda potente y, sobre todo, unas voces bien armonizadas, marca de la casa. Hemos querido adjuntar un segundo vídeo con imágenes de la celebérrima serie televisiva "Verano Azul" de Antonio Mercero, de 1981, que hizo un acertadísimo uso del tema en su último capítulo titulado, precisamente, "El final del verano". Tan es así, que la serie ayudó a relanzar la carrera musical de un dúo que, a día de hoy, sigue abarrotando por miles los escenarios en donde actúa.

FRANKIE VALLI / MÅNESKIN "BEGGIN´"

Con gran afición musical y ganas de comerse el mundo, los adolescentes romanos Damiano David y Victoria De Angelis, a los que se uniría su compañero de Secundaria Thomas Raggy y, posteriormente -a través de un anuncio-, Ethan Torchio, decidieron crear Måneskin (voz, bajo, guitarra y batería, respectivamente) hace siete años. La ascendencia danesa de De Angelis les llevó a escoger un nombre que significa "Luz de luna" en danés. Tras ganar un concurso musical local, hacer varios bolos y actuaciones callejeras, su frescura y originalidad -y, cómo no, las redes sociales- les harán un hueco en el panorama musical romano, versionando temas clásicos y alguno propio. Viajarán entonces a Dinamarca para mejorar su puesta en escena y, a su vuelta, les llegará la fama de la misma manera que a muchos de los grupos y artistas noveles que traemos a este blog: a través de un concurso televisivo (en este caso la versión italiana de "Factor X"). A partir de ahí, con un estilo entre indie y hard rock, adquirirán una creciente notoriedad que les llevará a concursar y ganar el Festival de San Remo, representar a Italia y vencer en la edición de Eurovisión del año pasado, con el tema "Zitti e buoni", abriéndoseles también las puertas y el reconocimiento fuera de sus fronteras.

Casi cuarenta años antes que estos jóvenes nacieran, otro cantante de origen italiano, Frankie Valli (Francesco Stephen Castelluccio) arrasaba en las listas de éxitos de medio mundo, solo o en compañía de su grupo The Four Seasons, gracias a su potente voz de tenor, su canto en falsete y temas como nuestra propuesta de hoy y otros tan famosos como "Can´t Take My Eyes Off You", "Sherry" o, algo más tarde, "My Eyes Adored You" o "Grease". Así que hemos querido incluir la versión original de este tema de enorme ritmo y fuerza vocal; y su última y más exitosa -y roquera- versión a cargo de Måneskin. Además, y aunque en lo que hace a Valli nos quedamos de largo con la versión musical del vídeo, os dejamos un enlace a un buen montaje de la evolución del artista interpretando la canción. Y, ya puestos, adjuntamos este otro enlace a la excelente adaptación que la banda noruega de hip hop Madcon hizo del tema hace quince años, más acorde al ritmo R&B.de la original.

MAROON 5 "THIS LOVE"

 

Lo que empezó en 1994 como un grupo de rock formado por unos estudiantes adolescentes californianos de Los Ángeles. bajo el nombre de Kara´s Flowers, no cuajaría hasta el cambio de milenio cuando con nuevos bríos, una mayor madurez musical y la denominación de Maroon 5, editarán su álbum "Song About Jane". Desde entonces el éxito ha sonreído a esta banda liderada por el solista y guitarra Adam Levine, con  una sucesión de álbumes repletos de canciones muy populares que les han llevado a lo más alto del panorama pop rock internacional, con numerosos premios, reconocimientos, unos cuarenta millones de discos vendidos y abarrotando cuantos recintos visitan por todo el mundo. Canciones como "Lost Stars", "One More Nigth", "Daylight", "Makes Me Wonder", "Payphone" o "Sugar"  dan cuenta de ello. Y si para lograr un nuevo éxito tienen que versionar a Pachelbel, no dudarán en hacerlo, como con su exitosa "Memories", editada ahora hace tres años.

El caso es que si hay un tema icónico de esta banda ese es, sin duda, nuestra propuesta de hoy: "This Love", canción que cumple veinte años y que les lanzó al estrellato. Con una entrada rítmica espectacular marcada por la batería -con un comienzo de sonido filtrado que le da un toque reverberado- y un piano sincopado, a los que luego se añade una guitarra con acordes funky y el resto de instrumentos, el tema transmite buenas vibraciones, aunque la transición del estribillo a la estrofa le da un aire de seriedad -¡genial el órgano Hammond y los coros!- más acorde a una letra que nos habla de una relación pseudo tóxica. Y si nos hemos detenido en describir la parte instrumental, qué decir de una interpretación vocal magistral a cargo de Levine, llena de potencia y acertados falsetes. En fin. Un enorme tema con un vídeo polémico en su momento por alguna de sus explícitas escenas. Como anécdota indicar que la historia de la canción -como otros temas de ese álbum- se inspira en la ruptura que el propio Levine tuvo con su hasta entonces novia, Jane Herman Bishop. Y que el cantante ahogaría sus penas con la modelo que protagonizó el vídeo de la canción, Kelly McKee, quien durante un tiempo se convertiría en su pareja. Todo un precedente para un "rompecorazones", casi tan conocido por la nómina de modelos y famosas con las que se le ha relacionado, como por su indudable buen hacer al frente de esta banda. Finalmente, no nos resistimos a incluir otro vídeo con una versión en directo de nuestra propuesta -cuya interpretación va de suyo en todos los conciertos de la banda- en donde se puede comprobar la fuerza y arrastre que el tema causa entre su público.

LOS MITOS "ES MUY FÁCIL"

Siguiendo las propuestas veraniegas del blog, traemos otro tema ligero y desenfadado aunque no menos relevante. Corren finales de los sesenta y la efervescencia pop llegará a Bilbao de la mano de grupos como Los Tañidores, Los Espectros o Los Famélicos. Su repercusión será relativa, a pesar del padrinazgo de un emergente José María Íñigo. Pero de entre algunos de los componentes de estos grupos, no sin las habituales idas y venidas, surgirá la que será una de las bandas españolas más señeras de finales de los sesenta y comienzos de los setenta: Los Mitos. Con músicos como Eduardo Robles, Oscar Matía Sorozábal, Luis Cuezva, Carlos Zubiaga (luego incorporado al grupo Mocedades), José Ignacio Millán o el cantante José Antonio Santiesteban (que triunfará posteriormente como solista con el nombre artístico de Tony Landa), el grupo bilbaíno alcanzará el éxito bajo el paraguas del entonces todopoderoso triángulo musical que formaban la discográfica Hispavox, el productor italiano Rafael Trabuchelli y el arreglista y compositor argentino Waldo de los Ríos.

Así en 1968 empiezan a adquirir notoriedad con "Cuando vuelvas", un apreciable tema con destacadas polifonías vocales a lo Beach Boys. Pero será en 1969 cuando arrasen con nuestra propuesta de hoy, un tema tan sencillo y pegadizo como efectivo, que aún permanece en la memoria colectiva del pop hispano. Con un gran arranque rítmico percusivo, una inolvidable introducción coral en falsete (pi pi pi pi pi pi), una interpretación algo jaranera y una letra despreocupada y optimista, Los Mitos alcanzarán la máxima popularidad. A destacar la interpretación, un tanto excesiva, de Tony Landa, quien será uno de los primeros en abandonar el grupo. Y es que, aunque Los Mitos aún alcanzarán éxitos como "Si te acuerdas de mí", ya nada será lo mismo.

RADIO FUTURA "ESCUELA DE CALOR"

Retomamos la actividad de nuestro blog tras un breve paréntesis veraniego, con este exitoso grupo pop español, tan ligado a la movida madrileña. Con unos inicios heterogéneos en componentes e influencias musicales, temas como "Enamorado de la moda juvenil", "Divina estás" (adaptación hispana dedicada a Alaska del clásico "Ballrooms Of Mars" de T Rex), "No tocarte", "Semilla negra", "El tonto Simón" o "Veneno en la piel", convertirán a Radio Futura en uno de los principales referentes musicales patrios en la década de los ochenta. Con un claro estilo pop, el grupo irá evolucionando desde sus comienzos Nueva Ola -con la principal influencia de Herminio Molero- hacia un estilo algo más elaborado y sofisticado de la mano de los hermanos Auserón,  con ritmos negros e hispanos, predecesores del rock latino. A pesar de cierta pose intelectual, Radio Futura no escapará a los cánones comerciales y a los contenidos tantas veces simplistas y frívolos de los grupos de la época, aunque lo hará con una buena producción y puesta en escena, como lo demuestra nuestra propuesta de hoy -muy acorde a los rigores estivales-, compuesta y cantada por Santiago Auserón, con un excepcional riff de guitarra a cargo de Enrique Sierra, bien secundado por las notas funky de guitarra del propio cantante, la batería de Carlos Solrac Velázquez y el bajo de Luis Auserón.

MICHAEL FRANKS "JEALOUSY" / "LOVING YOU MORE AND MORE"

Con sus casi setenta y ocho años, el californiano Michael Franks sigue fiel a sus inquietudes literarias y musicales que le llevarían a convertirse en uno de los referentes vocales del llamado smooth jazz o jazz fussion. Si su primera aproximación profesional a la música fue de la mano de un musical protagonizado por Mark Hamill (el Luke Skywalker de "Star Wars"), pronto derivaría desde un estilo folk hacia el jazz y la bossa nova, muy influenciado por músicos como Miles Davis, Stan Getz o los brasileños Joao Gilberto y, muy especialmente, Antonio Carlos Jobim, su gran inspirador, con quien mantendrá la amistad hasta su muerte.

De voz melosa y suave, alejada de los grandes alardes vocales de los crooners clásicos -aunque con una elegante y refinada expresividad vocal-, Franks no escapará a las críticas de los puristas del jazz y de quienes lo considerarán excesivamente ñoño. Cierto que las letras de este profesor y Doctor en literatura, rezuman sencillez y sensualidad -no exenta en ocasiones de ironía- a partes iguales. Pero lo cierto es que pocos cantantes han logrado mantener una carrera como la suya, todavía activa, con más de quince álbumes de estudio a sus espaldas, un buen puñado de recopilaciones, y colaboraciones o versiones de sus temas con intérpretes de la talla de Carmen McRae, Diana Krall, Art Garfunkel, The Manhattan Transfer, The Carpenters o Ringo Starr, pudiéndose contar con los dedos de una mano los artistas con el plantel de músicos que han acompañado a Franks en sus grabaciones e innumerables conciertos en todo el mundo.

Por eso, a modo de presentación en este blog, hemos querido hacer una doble propuesta. Un primer tema más rítmico, "Jealousy" (una de las primeras grabaciones digitales de calidad que quien escribe estas líneas recuerda haber escuchado, allá por 1982), que trata irónicamente sobre los celos que un amante siente ante la más que probable infidelidad de su pareja ("Ahora me siento como Otelo, cansado y mosqueado de esta sospecha"); y "Loving You More And More", una buena balada jazz cool de letra algo cursi. Atención a los magníficos arreglos de estas canciones y, sobre todo, al elegante solo de fliscorno de Jerry Hey en el segundo tema. 

SAVEUS "TRAITORS"

Con solo quince años Martin Hoberg Hedegaard saltó a la fama en 2008 al ser ganador de la primera edición danesa del programa musical "Factor X". Se convertía así en la persona más joven del mundo en lograrlo. Su espectacular registro vocal y buena capacidad interpretativa le otorgarían el favor del público danés, llegando a vender más de cien mil copias de su primer álbum "Show The World". Tras centrarse después y triunfar como autor y productor musical -principalmente para el mercado pop coreano- el danés retomará en 2015 su carrera de cantante, esta vez bajo el nombre de Saveus. Temas como "Ready To Die", "Levitate Me" o "Church Full Of Bad Men" le devolverán al primer plano como intérprete. 

En cuanto a nuestra propuesta de hoy, "Traitors", se trata del tema que Saveus compuso e interpretó hace un año para la película "El efecto Marco", cuarta entrega cinematográfica del nordic noir danés "Los casos del Departamento Q". La letra alude al sentimiento de culpa y traición  que refleja el filme ("Muéstrame cómo escondes tu culpa, cómo estás ocultando la verdad, tomé un giro equivocado, haré un movimiento correcto, los traidores cambian"). Con un potente y solemne estilo pop electrónico, que acompaña bien este oscuro thriller, Saveus demuestra sus dotes artísticas y el porqué de su éxito. Junto a la versión principal de la canción, hemos querido adjuntar otra con una interpretación y orquestación más templada y melódica -muy estilo Bond- donde sus cuidados agudos y vibratos adquieren un mayor protagonismo.