SIMON & GARFUNKEL "THE SOUND OF SILENCE"

Paul Simon y Art Garfunkel fueron dos jóvenes del barrio de Queens, en Nueva York, a los que les unía una fuerte amistad y su pasión por la música. Muy compenetrados artísticamente, siendo aún unos quinceañeros formarán el dúo Tom & Jerry, bajo la influencia musical del dúo country Los Everly Brothers, y la autoría de la mayor parte de las canciones por parte de Simon, llegando a grabar un álbum en 1957 que no tendrá gran repercusión. La firma por parte de Paul Simon de un contrato para grabar en solitario a espaldas de Garfunkel, provocará no solo la ruptura del dúo, sino que marcará negativamente toda la posterior relación entre los dos artistas. Pero en 1963, tras varios intentos fallidos de triunfar cada uno de ellos en solitario, la pareja -ya como Simon & Garfunkel- volverá a juntarse y, un año después, grabará el LP "Wednesday 3 A.M.". Aunque el disco está producido por la discográfica CBS, no triunfará en un primer momento y el dúo volverá a separarse. Ocurrirá entonces que el productor Tom Wilson se quedará prendado de una de las canciones del álbum, inspirada en el asesinato de John F. Kennedy: "The Sound Of Silence". Sin conocimiento de los cantantes, Wilson regrabará el tema añadiéndole bajo, batería y guitarra eléctrica. En poco tiempo la canción alcanzará el número 1 en la lista de éxitos de Estados Unidos y triunfará en todo el mundo.

Lo que viene después ya es historia: una corta pero exitosa carrera musical, marcada por otras canciones excepcionales que les catapultan a la fama como "Mrs. Robinson", "I´m A Rock", "The Boxer", "Cecilia", "The Only Living Boy In New York", "Bridge Over Trouble Water" o sus versiones de "Scarborogh Fair" y "El cóndor pasa". La extraordinaria calidad como compositor de Paul Simon, encajará a la perfección con el liderazgo vocal de Art Garfunkel, pero las envidias y desavenencias entre el dúo pop folk acabarán por provocar su separación definitiva, tras la grabación del extraordinario LP, "Bridge Over Trouble Water", en 1970. Simon & Garfunkel, se reunirán años después en distintas ocasiones para realizar algunos conciertos e incluso protagonizarán un par de giras, pero únicamente para repasar sus antiguos éxitos y siempre con alguna tirantez de fondo nunca superada. No obstante, su huella musical permanece como corresponde al que ha sido el dúo más exitoso y popular de la historia de la música.

AMY WINEHOUSE "BACK TO BLACK"

Se les conoce como el "Club de los 27". Sus componentes reúnen algunas circunstancias comunes. De infancia y educación compleja, prodigios musicales desde bien jóvenes, asombraron al mundo con sus cualidades musicales, triunfaron muy tempranamente y tuvieron unas vidas intensas, polémicas, escandalosas y llenas de adicciones que les llevarán a la tumba con solo veintisiete años. Pertenecen al club nombres míticos como Jimi Hendrix, Janis Joplin, Kurt Cobain, Jim Morrison o nuestra protagonista, Army Winehouse. 

La ascendencia judía de esta británica con alma negra y la influencia que desde pequeña tuvieron en ella el jazz y Frank Sinatra, le marcaron por vida. Con diez años crea una banda colegial de rap. A los quince ya se comía el escenario actuando en pubs. Formará luego una banda femenina de jazz y su desgarradora voz no pasará desapercibida a los cazatalentos musicales. Con veinte años, ya excesiva en su imagen, relaciones, conducta y consumos, graba su primer álbum "Frank", así llamado en homenaje a su ídolo Sinatra. Con un estilo blues y soul, conquistará a la crítica y saboreará el éxito. Pero cuando Winehouse alcanzará la cima musical será tres años después con "Back To Black", su segundo álbum que da título también al tema que hoy proponemos. A estas alturas, el escándalo acompaña a la cantante allí donde va. De entre sus muchas relaciones sentimentales, la más tóxica será la que mantendrá con Blake Fielder-Civil, drogadicto que sumergirá a la británica en una vida de pesadilla, con escasos momentos de lucidez en sus cortos períodos de desintoxicación. Army Winehouse nunca abandonará el escándalo, alternando composiciones y actuaciones memorables, con espantadas y conductas personales que acabarán incluso en comisaría hasta que, el 23 de julio de 2011, una intoxicación etílica acabe con su vida. Una vez más, una muerte prematura agrandará el mito de quien en vida demostró un talento y una voz descomunal para la música. Como mejor muestra de lo dicho, hemos optado por incluir el desgarrador tema referido -escrito en plena ruptura sentimental con Fielder- en una de sus actuaciones en directo.

LOS BRINCOS "FLAMENCO"

Los Brincos fue el grupo beat español más famoso. Formado en 1964, su primera y más popular formación estuvo integrada por el batería Fernando Arbex, el bajista Manuel González, y las voces y guitarras de Juan Pardo y Antonio Morales "Junior". Conocidos como "Los Beatles españoles", gozaron de gran éxito en sus inicios con temas como "Flamenco", "Un sorbito de champagne", "Borracho", "Mejor" o "Bye bye chiquilla". Con una clara musicalidad y estética beat, aportaban su toque patrio luciendo en ocasiones la capa española. Su enorme popularidad empezó a descender coincidiendo con el abandono del grupo por parte de los cantantes Juan Pardo y "Junior" por desavenencias internas. Estos formarían el también exitoso dúo Juan & Junior, mientras que Los Brincos seguirían bajo el liderazgo de Fernando Arbex e incorporaciones como la de Ricky Morales, hermano de "Junior". Aunque aún lograrían éxitos como "Lola" o "Nadie te quiere ya", su adaptación a las nuevas tendencias musicales psicodélicas no convencieron al gran público, desapareciendo en 1971. Reseñar que, al igual que en el caso de Juan Pardo y "Junior" -tanto en dúo como de manera de manera individual-, también Fernando Arbex logrará el éxito posteriormente con el grupo funk Barrabás.

En "Flamenco", con Juan Pardo como vocal principal, Los Brincos sacan su toque más español, siendo precursores en triunfar en un tema mezclando el ritmo pop con el flamenco, algo que luego han hecho infinidad de intérpretes y grupos musicales, si bien no hay que olvidar que Juan Pardo y "Junior" habián sido vocales antes de integrar Los Brincos del grupo musical Los Pekenikes, que ya habían adaptado al pop algunos temas tradicionales del folklore español. Por último, junto al tema que proponemos -una buena remasterización del tema original-, adjuntamos un vídeo que recoge una interpretación televisiva de la canción en su momento.

ABBA "GIMME! GIMME!, GIMME!"

Este exitoso cuarteto sueco, cuyo nombre es el acrónimo de las iniciales de sus componentes (Agnetha, Björn, Benny y Ann-Frid), se constituye a comienzos de los setenta, a partir de la progresiva colaboración musical y amistad entre Björn y Benny y, posteriormente, también la de sus respectivas parejas, Ann-Frid y Agnetha. Jugará un papel clave en todo ello el productor Stig Anderson, que vio claro su potencial como grupo, aunque todos ellos ya se habían ido forjando una carrera musical por separado. El salto a la fama internacional vendrá de la mano de su triunfo en la edición de 1974 de Eurovisión con la canción "Waterloo". Con su estilo musical pop muy comercial, el liderazgo vocal de Agnethe Fältskog, unas letras sencillas y una estética de grupo muy reconocible y con un toque hortera, el grupo crecerá en popularidad como la espuma, aunque la crítica les negará en un primer momento su reconocimiento musical. El hecho de interpretar sus temas en inglés, les facilitará su introducción en todo el mundo. Además, no dudarán en hacer adaptaciones de sus canciones en distintos idiomas para ampliar su público. "Dancing Queen", "Mamma Mia", "Chiquitita", "Fernando", "Super Trouper, "Voulez-Vous", "Money, Money, Money", "The Winner Takes It All", "Thank You For The Music" o el tema que hoy proponemos, "Gimme!, Gimme!, Gimme!", son solo algunos de estos grandes éxitos mundiales.

Abba transitará en la cúspide musical durante los años setenta, llegando a convertirse en la segunda fuente de ingresos en divisas de Suecia, únicamente por detrás de Volvo, gracias a sus conciertos y ventas millonarias de discos, cercanas a los trescientos millones de copias. Su luz irá apagándose progresivamente hasta su desaparición en 1982. No obstante, con posterioridad el grupo pasará a convertirse en un icono musical mundial, con varios álbumes recopilatorios, distintas películas con protagonismo para sus canciones, el estreno del musical "Mamma Mia" y el reconocimiento por parte de artistas y críticos musicales que les faltó en su momento. Buena parte de sus canciones siguen siendo conocidas por todo el mundo y bailándose en más de una fiesta.

MOCEDADES "ERES TÚ"

En el Bilbao de 1967 las hermanas Uranga (Amaya, Izaskun y Estíbaliz) crean, en compañía de los hermanos Blanco (Sergio y Rafael) y otros amigos, el grupo de inspiración folk Voces y Guitarras, actuando en universidades y locales musicales de la zona. Graban una maqueta que llegará a manos del compositor Juan Carlos Calderón, que decide apadrinar al grupo vasco. Comienza en ese momento, ya bajo el nombre de Mocedades y un progresivo enfoque melódico pop, una exitosa carrera en donde un Calderón en pleno apogeo creativo compone, arregla y produce al grupo que alcanzará una creciente popularidad con temas como "La guerra cruel", "Pange Lingua" o "Más allá". Pero su consagración vendrá de la mano de su participación en el festival de Eurovisión de 1973,, logrando el segundo lugar con "Eres tú", canción que no pocos críticos musicales consideran una de las mejores en la historia del certamen y que tendrá un gran éxito mundial. Solo en Estados Unidos el tema venderá un millón de discos, siendo la primera canción en castellano que se encarame a los puestos más altos en sus listas musicales. 

A partir de ahí Mocedades, liderado por la voz dulce y cálida de Amaya Uranga, encadenará éxitos comerciales con títulos como "Tómame o déjame", "La otra España", "El vendedor", "Secretaria", "Solo era un niño" o "Quién te cantará". Entre tanto, el grupo habrá ido sufriendo transformaciones, la principal el abandono del matrimonio formado por Estíbaliz Uranga y Sergio Blanco. En los ochenta, ya sin el paraguas de Calderón, Mocedades aún obtendrá éxito con sus álbumes "Desde que tú te has ido" y "Amor de hombre", pero poco a poco irá perdiendo fuelle y sus componentes distintos caminos musicales. Os dejamos el vídeo promocional del tema y otro con su histórica actuación en Eurovisión.

DIEGO TORRES "LA ÚLTIMA NOCHE"

Hijo de una artista legendaria argentina como fue Lolita Torres, Diego Torres es un cantautor de pop latino, una especia de Antonio Flores argentino de quien, por cierto, versionó su canción "Alba" con notable éxito. Y es que desde que comenzó su andadura musical hace unos treinta años, Diego Torres ha versionado y trabajado con numeroso cantantes y grupos españoles e hispanoamericanos de la talla de Juan Luis Guerra, Ketama, Rubén Blades, Antonio Vega, Coti, José Feliciano, Carlos Santana, Joan Manuel Serrat o Joaquín Sabina. 

Actor ocasional, a lo largo de su carrera ha tenido sonados éxitos musicales con canciones como "Color esperanza", "A través del tiempo", "Dónde van", o sus adaptaciones  de "Penélope", "Qué será" o la ya mencionada "Alba". Algunos de estos temas están incluidos en el que seguramente es su mejor trabajo, el álbum "Tal cual es", publicado hace ya 24 años. El disco ralla a gran altura con una cuidada producción y excelentes colaboraciones (músicos de le talla de Ed Calle, Arturo Sandoval, Cachorro López o Ketama), destacando canciones como "Todo lo que el viento se llevó", la citada "Dónde van", "De tu lado" o "La última noche", todo un hit latino en donde Diego Torres se expresa en plenitud, con destacado protagonismo de la guitarra eléctrica de Coti y un buen solo de trompeta de Juan Cruz Urquiza.

JOHN BARRY "JAMES BOND"

Con cerca de ochenta bandas sonoras a sus espaldas, el inglés John Barry fue un reputado compositor musical ligado a la industria cinematográfica, aunque también hizo alguna incursión como compositor de varios musicales y temas de series televisivas. Ganador de cinco Oscars de Hollywood, Barry es conocido principalmente por su labor al frente de la banda sonora de la mayoría de películas de James Bond. El tema que hoy nos ocupa fue compuesto por el músico Monty Norman, por encargo de los productores de la saga Bond. Pero, descontentos con el trabajo de Norman, estos encargaron a Barry que arreglara la música. Así lo hizo el compositor, con importantes cambios y unos enérgicos arreglos jazzísticos en los que destacan el característico riff de guitarra eléctrica y los metales de viento. No en vano, John Barry se adentró en el mundo de la música como trompetista y director de bandas de jazz, algo que el tema de hoy refleja perfectamente. De madre pianista y padre proyector de películas y posterior dueño de varias salas de cine, está claro de dónde le vino la inspiración a este prestigioso compositor, entre cuyas bandas sonoras se encuentran algunas tan famosas como "Memorias de África", "Bailando con lobos", "Cotton Club" o "Cowboy de medianoche".

ERIC CLAPTON "TEARS IN HEAVEN"

Bastaría con echar un ojo a las escuetas referencias personales que hacemos de los artistas que desfilan por este blog, para constatar las complejas circunstancias que rodean a muchos de ellos. Pero sin duda Eric Clapton es uno de los que se lleva la palma. Desde tener una abuela a la que creyó su madre, pasando porque su verdadera madre fuera la que él creía su hermana, siguiendo por enamorarse y lograr casarse con la mujer de su mejor amigo (el beatle Georges Harrison), podríamos seguir narrando toda clase de avatares personales, sentimentales y adicciones, teniendo, sin duda, uno de los peores episodios en la muerte de su hijo Conor, con solo cuatro años, al precipitarse por una ventana que estaba siendo reparada en la habitación del hotel neoyorquino del cantante, cuando su entonces ex-mujer, Pattie, había ido a verle en compañía del pequeño. 

Nacido en 1945 y desde niño atraído por la música blues, con trece años le regalan su primera guitarra, con la que se adentrará en el mundo de la música aparcando su faceta estudiantil. En 1963 comienza a despuntar en el grupo The Yardbirds, en el que se ganará el apodo de Mano lenta por su afición a cambiar con cierta parsimonia las cuerdas de la guitarra que rompía en sus directos. Clapton se afianzará como guitarrista de primer orden con el grupo del bluesman John Mayall y el grupo Cream. Seguirá a partir de entonces liderando diversos grupos, en solitario, o con prestigiosas colaboraciones, como su participación en la grabación del tema "While My Guitar Gently Weeps" de Los Beatles. A lo largo de su creciente y prolífica carrera, Mano lenta triunfará con temas como "Layla", "Cocaine" o "Wonderfull Tonight". Aunque desde mediados de la década de los setenta logrará desengancharse de la droga con la ayuda de buenos amigos como Pete Townshend, seguirá con un creciente problema de alcoholismo que, hasta algún tiempo después de la muerte de su hijo, no logrará superar. Precisamente "Tears In Heaven" es el desgarrador tema que Eric Clapton dedicará a la memoria del pequeño Conor, tras meses de permanecer recluido con la única compañía de una guitarra española. Afortunadamente, a partir de entonces el guitarrista parece haber logrado una creciente estabilidad personal y profesional.  

MIGUEL RÍOS "HIMNO DE LA ALEGRÍA"

Con solo 16 años, Miguel Ríos abandona su Granada natal para abrirse camino en el mundo de la música en Madrid. Estamos en 1960 y aunque al jovencísimo Miguel lo que le va es el rock & roll, entonces la moda es el twist, así que empezará a actuar bajo el nombre artístico de Mike Ríos, el rey del Twist, con el que graba su primer sencillo. De esa época, en la que colabora con grupos como Los Sonor y Los Relámpagos, son sus actuaciones en las sesiones matinales musicales del Circo Price, a las que hace mención en la letra del tema "Bienvenidos". En 1968, ya como Miguel Ríos, ficha por la discográfica Hispavox y empieza a triunfar con temas como "Vuelvo a Granada". Pero su consagración como cantante llega un año después al interpretar la adaptación sinfónica pop del Himno de la Alegría, hecha por el director de orquesta argentino Waldo de los Ríos. La pieza, pertenece al 4º movimiento de la 9ª Sinfonía de Beethoven que el genial compositor, ya sordo, convertiría en himno coral, a partir del poema "Oda a la Alegría" del poeta alemán Friedrich Stiller. Si hasta entonces la pieza musical ya era todo un símbolo de la fraternidad, la adaptación e interpretación del granadino alcanzará una extraordinaria difusión mundial. Y si desde entonces la canción es todo un símbolo fraternal en el mundo de habla hispana, la versión inglesa que del tema hará el andaluz, le servirá para ser también número uno en todas las listas europeas y en otros continentes. Hasta en Estados Unidos alcanzó un gran éxito, privándole del número uno únicamente la celebérrima "Puente sobre aguas turbulentas", de Simon & Garfunkel.

Desde entonces, y hasta la fecha, el rockero más famoso de España se ha mantenido siempre fiel a sus orígenes y a su estilo, con momentos cumbre como su inolvidable gira y álbum doble en directo "Rock & Ríos" de 1982, o su participación en le gira "El gusto es nuestro" junto a Serrat, Victor Manuel y Ana Belén.

LP "LOST ON YOU"

LP (Laura Pergolizzi) es una de las grandes voces del panorama pop actual de Estados Unidos. Nacida en Nueva York, aunque reside en California -referencia obligada por la creciente influencia musical angelina en sus canciones-, es una compositora de gran trayectoria desde hace una veintena de años. Pergolizzi ha compuesto para artistas como Rihanna, Blackstreet Boys, Cher o Cristina Aguilera, habiendo mantenido a la par una más discreta carrera como cantante, hasta que hace cuatro años logró un gran éxito comercial con "Lost On You", el tema que hoy te proponemos, que refleja la frustración y el desaliento ante la ruptura sentimental que en ese momento vivió la cantante con su pareja. 

Con una extraordinaria y peculiar voz y una imagen entre indie y andrógina -la cantante no duda en hacer alarde de su homosexualidad-, LP es un soplo de aire fresco en el actual panorama pop estadounidense, tantas veces estandarizado. Algo que esta gran silbadora, demuestra en temas como "Lost On You", "When We´re High", "Other People", "Forever For Now"  o "Strange".

MICHAEL JACKSON "BEAT IT"

Corren mediados de los sesenta cuando el pequeño Michael ya colabora con los "Jackson 5", grupo formado por cinco de los ocho hermanos de la familia. Apenas tiene seis años pero despunta por sus habilidades vocales y de baile. El grupo se consolidará en el mundo de la música negra y Michael irá adquiriendo un mayor protagonismo. Así, con solo 13 años, comenzará su carrera como solista, aunque seguirá en el grupo familiar con un creciente liderazgo. De esta etapa, previa a su escalada a la cima del pop, quedarán éxitos como "Blame It On The Boogie", con sus hermanos, o "Don´t Stop ´Til You Get Enough", en solitario. A las puertas de los ochenta la música disco está en declive. Jackson busca superar barreras raciales y triunfar en el pop. Lo logrará de la mano de su productor Quincy Jones y de un álbum mítico: "Thriller". Publicado en 1982, se convertirá en el LP más vendido de la historia de la música, con nueve temas pop,  funk, disco o rock que conforman un puzle musical perfecto. Es obligado citar las aportaciones del compositor Rod Temperton, los cantantes Paul McCartney, James Ingram o sus hermanas Janet y La Toya, el actor Vincent Price, los músicos del grupo Toto, o de Gerry Vinci, Greg Phillinganes, Jerry Hey, Paul Jackson jr. o Paulinho Da Costa. El álbum supondrá, además, una revolución en la importancia del vídeo para el lanzamiento comercial de las canciones y consolidará el canal MTV.

Las singulares circunstancias artísticas y personales de Michael Jackson, así como como su indiscutible condición de rey solista en la historia del pop -con unas ventas de unos trescientos cincuenta millones de discos-, darán paso a la leyenda tras su muerte. El tema de esta entrada es "Beat It", el de mayor sonido rock del disco. Apoyado en un vídeo inspirado en el musical "West Side Story", la canción -un alegato contra la lucha entre pandillas- viene marcada por el alarde interpretativo del cantante, el fuerte ritmo percusivo, el riff de la guitarra de Steve Lukather y el espectacular solo de Eddie Van Halen, a quien le costó creer que Jackson quisiera contar con él y que se mostró tan encantado de hacerlo que, a pesar de su extraordinaria colaboración, no quiso cobrar por ello. Según la leyenda, los toques en una puerta que se escuchan antes de iniciar el solo, serían del propio guitarrista llamando para entrar al estudio.

GABINETA CALIGARI "CAMINO SORIA"

En plena eclosión ochentera, un sinfín  de grupos intentan hacerse un hueco en la escena musical madrileña, bajo el paraguas de lo que dio en llamarse la movida . Solo los mejores lo lograrán. Entre ellos, tres músicos de estética post punk y provocadora (Jaime Urrittia, Femi Presas y Edi Clavo), que tomarán el nombre del clásico del cine expresionista alemán El gabinete del Doctor Caligari, obra premonitoria de la llegada de Hitler al poder en Alemania. Con letras duras y referencias sados y violentas ("Olor a carne quemada" o "¿Cómo perdimos Berlín?") irán evolucionando a un pop rock más comercial con reminiscencias castizas. Temas como "Cuatro rosas", "El calor del amor en un bar" o "La culpa fue del chachachá" les darán una gran popularidad. En 1987 editan su trabajo más elaborado, "Camino Soria", destacando el tema que da nombre al álbum, una canción redonda en letra y música, desde la interpretación vocal de Jaime Urrutia, introducida con el órgano de fondo, al ritmo pop rock que guitarras y bajo marcan a la perfección, su letra poética y evocadora, y una melodía y arreglos que toman fuerza con el inspirado teclado trompetero, culminando en una de las mejores codas musicales del pop español.

ELVIS PRESLEY "SUSPICIUS MINDS" / "TROUBLE"

Elvis Presley o, simplemente, "el Rey". Añádasele, si se quiere, "del rock & roll". Da igual. Hablamos del número uno, cantante y mito a partes iguales. Nacido en Miisipi en 1935, se crió en unas condiciones familiares y personales difíciles. Siempre le gustó la música, escuchando desde pequeño temas de blues, gospel y rhythm and blues. En sus comienzos musicales, no fueron pocas las personas que le auguraron que jamás triunfaría como cantante. A pesar de ello el joven Presley, que se había trasladado a Memphis, logra introducirse en el mundo de la música. Influenciado igualmente por el country, será uno de los impulsores del estilo rockabilly. Poco a poco adquiere notoriedad y, con un estilo personal que vence su miedo escénico con movimientos sincopados de pies y caderas que enloquecen al público femenino (Elvis "la pelvis"), se va a convertir en la referencia blanca del rock and roll.

Comenzará una escalada de promoción y éxitos musicales y televisivos. Tras cumplir el servicio militar, Elvis Presley se adentrará más en el mundo del cine, en una prolífica producción de películas musicales que acabarán descuidando la calidad, lo que le valdrá no pocas críticas. A partir de los treinta años, el cantante se centrará en sus giras y en sus multimillonarias actuaciones en Las Vegas, convirtiéndose en referente de la ciudad del juego a la par que multiplica su dependencia de los fármacos. Alternando algunas grabaciones míticas, con exitosos conciertos internacionales y apariciones televisivas, Presley se irá extinguiendo con una actividad frenética que le llevará a un creciente deterioro musical, físico y personal, rodeado de la misma controversia que siempre despertó. En agosto de 1977, Elvis Preley fallece en Graceland. Con su muerte, el mito no hará sino magnificarse. Proponemos, en primer lugar, uno de sus éxitos en su última etapa, "Suspicius Minds", mientras que dejamos otro vídeo con su interpretación del tema "Trouble", en 1958, con el característico estilo que le llevó a la fama. Un dato. Nadie en la historia de la música ha vendido tantos discos como él -entre quinientos y seiscientos millones-. Todo ello, creemos,  justifica nuestra doble propuesta.

ELTON JOHN "I´M STILL STANDING"

Elton John, cuyo verdadero nombre es Reginald Kenneth Dwigth, permanece por derecho propio al Olimpo de los intérpretes pop. Estamos ante la clase de artista que de manera muy temprana demostró poseer un don innato para la música, singularmente como intérprete de piano y compositor, siendo sus referentes los grandes clásicos del rock & roll. Con mucha vocación y ambición, se adentra en el mundo del rock colaborando con diversos grupos. Con veinte años conoce a su alma gemela, Bernie Taupin, el complemento letrista ideal a su creatividad musical. Juntos acuden a un anuncio de un cazatalentos musical, comenzando una relación artística y de amistad que, aunque con altibajos, ha dado magníficos frutos en forma de irrepetibles canciones. 

Sus grandes composiciones, su voz rockera, con un toque pop y de bluesman blanco, y una puesta en escena arrolladora y muchas veces excesiva, le lanzan al estrellato, con temas como "Your Song", "Rocket Man", "Crocodile Rock" o "Daniel". A mediados de los setenta Elton John es ya una megaestrella pop. Sus excesos de sexo,  alcohol y drogas, no parecen mermar su inmensa capacidad creativa. En esos años compone nuevas canciones como "Funeral For A Friend", "Candle In The Wind", "Don´t Go Breaking My Heart" (con su amiga Kiki Dee) o "Sorry Seems To Me The Hardest Words". Entrará entonces en una etapa de menor creatividad y crecientes problemas personales, llegando a la ruptura profesional con Bernie Taupin. Sin embargo, en 1983 la retoma y vuelve con más fuerza creativa e interpretativa que nunca, adaptándose a los nuevos tiempos pop con temas como "Sacrifice", "Nikita", "Passengers" o "I´m Still Standing", una extraordinaria composición que representa a la perfección la ambición creativa del británico. Elton John, a pesar de casarse en 1984 con la ingeniera de sonido Renate Blauel, reconocerá años después su homosexualidad y contraerá matrimonio con su pareja, David Furnish. Una vez superadas sus adicciones -que no excentricidades-, el cantante sigue en la cúspide mundial aunque centrado en su faceta interpretativa como leyenda viva del pop rock, habiendo obtenido toda clase de premios, homenajes y reconocimientos, siendo uno de los únicos cinco intérpretes individuales de música en alcanzar la cifra de trescientos millones de discos vendidos.

FOO FIGHTERS "THE PRETENDER"

Cuando en 1994 Dave Grohl creó la banda Foo Fighters, a muchos les sorprendió ver que el batería de Nirvana decidiera liderar un nuevo grupo tras la muerte de Kurt Cubain y la consiguiente desaparición del mítico grupo grounge. Y es que hasta ese momento, el batería había permanecido en un segundo plano musical tanto en Nirvana como en su anterior grupo, Scream. Sin embargo desde entonces hasta hoy, Dave Grohl, ejerciendo de cantante, guitarra y principal compositor, se ha rebelado como en magnífico e indiscutible líder de una banda a la que ha convertido en referente del rock duro alternativo. Con incursiones puntuales pop, Foo Fighters se ha hecho en estos veinticinco años de vida con una legión de seguidores que abarrotan los recintos y estadios en los que actúa. Aunque sin perder su toque alternativo, de la mano de Grohl la banda de Seattle se mueve como pez en el agua en el complejo mundo comercial musical. Composiciones como "Everlong", "All My Life" o "The Sky Is A Neighborhood" refrendan lo dicho.

El tema "The Pretender", editado en 2007, es un fiel exponente de su estilo. Con una introducción vocal suave y pausada, el rtimo duro irrumpe de manera contundente con la batería, la progresiva incorporación de las guitarras y la voz de Grohl en estado puro. El sobrio e impactante video acompaña a la perfección el mensaje contestatario de la canción.

JULIO IGLESIAS "ABRÁZAME"

Con diecinueve años, Julio Iglesias era una promesa futbolística del Real Madrid, llegando a debutar con el primer equipo como portero, hasta que la madrugada madrileña del 22 de septiembre de 1962 acabó para él en fatal accidente de tráfico, llegándose a pensar que quedaría inválido de por vida. En su larga y dura recuperación, uno de sus cuidadores le regaló una guitarra. Con ella empezó a musicar los poemas que le gustaba escribir. Ya recuperado, se trasladará a Londres a aprender inglés y allí, al igual que había empezado a hacer en España, interpretará en bares y pubs canciones en español o temas de Los Beatles. De vuelta a España pensará en ser compositor, pues no se veía como cantante, aunque finalmente un productor musical le animará a interpretar sus propias canciones. En 1968 gana el Festival de Benidorm -por entonces el más prestigioso de España- interpretando "La vida sigue igual". En 1970 representa a España en Eurovisión con la canción "Gwendolyne", consagrándose como estrella nacional. En 1972 dará un nuevo salto con "Un canto a Galicia", comenzando una imparable carrera internacional, favorecida por su capacidad para cantar en distintos idiomas y su imagen de latin lover, dentro y fuera de los escenarios. Trabajos como "El amor", álbum de 1975 al que pertenece el tema que hoy te proponemos, contribuirán de manera importante a ello.

Sería inabarcable hacer mención a toda la trayectoria del cantante. Éxito tras éxito y reconocimiento tras reconocimiento mundial, le han llevado a ser no ya el cantante español y latino de mayor proyección, sino el intérprete de canción melódica más popular del mundo. Téngase en cuenta que, a lo largo de estos años, Julio Iglesias ha vendido más de trecientos millones de discos, cifra únicamente superada por Elvis Presley, Los Beatles y Michael Jackson. A pesar de que desde hace unos años apenas se prodiga en apariciones y actuaciones públicas, Julio Iglesias sigue siendo una celebrity mundial de primer orden. Aunque en nuestro país haya gozado igualmente de gran éxito, el hecho de que que su estilo interpretativo no se base en alardes líricos y que la canción melódica no sea valorada de igual manera que en otros lugares, hace que probablemente no haya tenido aún en España todo el reconocimiento formal merecido.

SURVIVOR "EYE OF THE TIGER"

Esta banda de rock, originaria de Chicago, se fundó en 1977. En sus comienzos actuó principalmente en pubs y pequeños recintos locales y, aunque grabaron un primer disco, apenas obtuvo repercusión. En 1981 editan un segundo álbum que contiene un tema, "Poor Man´s Son", que logra cierta popularidad. En ese momento la suerte se cruza en su camino. Silvester Stallone, que estaba preparando la tercera entrega de la saga "Rocky" que él mismo dirigirá, quería complementar la espectacular banda sonora de Bill Conti con algún tema musical rock que atrajera al público más joven. En un primer momento pensó incluir el tema de Queen "Another One Bites The Dust", pero le fue imposible hacerse con los derechos de la canción. Así que, a sugerencia del también cineasta y director Tony Scott, contactó con Survivor y les encargó el tema que, finalmente, encajó perfectamente en la trama y el motivo principal de la película.

El grupo nunca más volvería a tener un éxito parecido, aunque destacan otras dos colaboraciones suyas en el cine con los temas "The Moment Of Truth" en 1984 en la película "Karate Kid" y en 1985 con "Burning Heart", la cuarta entrega de "Rocky".

MECANO "PERDIDO EN MI HABITACIÓN"

Este mítico grupo se forma a partir de los comienzos como cantautor de José María Cano, acompañado de su entonces novia, Ana Torroja, y su hermano Nacho. Será la productora CBS quien les brinde su oportunidad, al querer lanzar al mercado un grupo pop juvenil y desenfadado. De estilo tecno y estética New Romantic, Mecano (el apellido de los hermanos y el ensamblaje entre tres justifican el nombre) grabarán en 1981 sus dos primeros sencillos, "Hoy no me puedo levantar" y "Perdido en mi habitación". El éxito de ambos temas -inicialmente relativo- hará que en 1982 lancen su primer álbum, bajo el liderazgo como compositor de Nacho Cano, completado con temas como "Me colé en una fiesta" y "Maquillaje", consolidando su éxito.

A partir de ese momento, el grupo atravesará diversas etapas en donde la creciente rivalidad entre los hermanos Cano (la creatividad tecno y ecléctica de Nacho frente al clasicismo formal de José María) y la versatilidad vocal de Ana Torroja, darán frutos en forma de grandes temas musicales que encumbrarán al grupo como un referente indiscutible del pop español, con más de veinticinco millones de discos vendidos en todo el mundo. Aunque Mecano nunca fuera formalmente adscrito a la movida y levantara recelos entre muchos de sus componentes -hasta su práctica desaparición no logrará despegarse la etiqueta de grupo pijo- el paralelismo en el tiempo y su huella musical están plenamente ligados a esa prolífica etapa musical ochentera.