GILBERT O´SULLIVAN "ALONE AGAIN (NATURALLY)"

Raymond Edward O´Sullivan es el nombre real del cantante conocido artísticamente como Gilbert O´Sullivan, nombre "prestado" del dueto compositor de operetas de la Inglaterra de finales del siglo XIX que formaron Gilbert y Sullivan. Un referente literario como nombre artístico, al igual que en una entrega pasada comentábamos que había hecho Tom Jones. No en vano ambos cantantes compartieron el mismo productor, Gordon Mills.

Con mucha inquietud artística, este irlandés afincado en Inglaterra, dio sus primeros pasos musicales como batería del grupo Rick´s Blues, banda del futuro teclista de Supertramp, Rick Davies, de quien dijo haber aprendido todo lo que sabía de música. Pronto demostró tener, además, una especial habilidad como letrista, aprendiendo a acompañarse de la guitarra o el piano. Habiendo desaparecido Los Beatles a comienzos de los setenta, O´Sullivan sabrá ocupar el hueco que dejará el estilo compositor de Paul McCartney. Con un look victoriano, acorde a su referente literario, comenzará a despuntar con temas como "Nothing Rhymed" o "We WIll", canciones de pop melódico suave exquisitamente orquestadas. Su consagración musical le llegará en 1972, de la mano del tema que hoy te proponemos "Alone Again (Naturally)", con el que triunfará en todo el mundo, llegando a ocupar el número uno en Estados Unidos. La canción, de letra tristísima, no escapará a la polémica por su alusión al suicidio en su estrofa primera. Por encima de ello, estamos ante un tema intimista de gran calidad literaria y musical. Durante la primera mitad de la década de los setenta Gilbert O´Sullivan triunfará, dejándonos otras joyas como "Claire" (dedicada a la hija pequeña de Gordon Mills, de quien se acabará distanciando) o, ya al comienzo de su declive, "What´s In A Kiss". 

BILL CONTI "GOING THE DISTANCE" (ROCKY)

A mediados y finales de los noventa empezó a ponerse de moda la llamada música épica. En un primer momento se trató de temas utilizados en videos motivacionales de estrategias del incipiente couching, o para aunucios y promociones de películas. Pero poco a poco fue surgiendo un auténtico subgénero épico dentro de las bandas sonoras. Cuanto más espectacular era la película, más épica debía ser la música. "Gladiator", "El Señor de los anillos", "Batman Begins" o "Transformers" son solo algunos ejemplos. Sin embargo lo cierto es que todo estaba ya inventando. Respecto al couching, no hace falta remontarnos a Sócrates o a Platón para descubrir que la motivación vital ha sido una constante en la historia de la humanidad. En España, sin ir más lejos, ya existía la sofrología. Y, por recurrir a la anécdota, creemos recordar que hasta un equipo de fútbol del norte tuvo en nómina a un sofrólogo aunque, visto que su labor no aportó los frutos esperados, el equipo se limitó a aplicar la técnica tradicional que practicaba por aquel entonces antes de comenzar cada partido: rezar un padrenuestro. 

Decimos estas cosas porque, además de utilizar esta vez un tono distendido para introducir el tema que hoy te proponemos, hay también precedentes en la música épica que tanto atrona nuestros oídos de un tiempo a esta parte. Y no nos referimos a la música de las películas de romanos. Hablamos de bandas sonoras más asimilables como es el caso de "Terminator" a mediados de los ochenta, o "Rocky" en 1976. Y es que ahí tenemos al bueno de Rocky Stallone, dale que te corre escaleras arriba o encajando y pegando guantazos, mientras Bill Conti ponía una música espectacular de acompañamiento. Si hace poco, hablando de John Williams, hacíamos mención a la importancia que daba al leitmotiv en sus composciones, ¿quién no imagina a Rocky corriendo por las calles de Filadelfia cuando suena el tema principal de la película?, ¿o quién no recuerda el final de sus combates, llamando a su chica para abrazarla empapado en sudor y sangre, mientras suena la música que hoy te proponemos?. Así que otro día nos detendremos en pormenorizar la gran trayectoria musical de Bill Conti. Tampoco hoy vamos a proponer "Gonna Fly Now", el archifamoso tema principal de la película. Lo que hoy traemos a este blog es "Going The Distance", el espectacular tema in crescendo del combate. Epica pura.

MELODY GARDOT "YOUR HEART IS BLACK" / "BABY I´M A FOOL"

Toda ella rezuma fragilidad, aunque sus complicadas circunstancias físicas las envuelva y camufle con su aureola de nueva diva del jazz. Y es que esta cantante nacida en Nueva Jersey sufrió un tremendo atropello automovilístico a los diecinueve años, que casi le cuesta la vida y que la dejó al borde la invalidez. Tuvo que partir de cero, desde reaprender a hablar hasta hacer una complejísima rehabilitación para poder volver a caminar. "Mi droga son las vitaminas", bromea Gardot debido a la necesaria dependencia que tiene de ellas, al igual que de sus gafas, del bastón que la acompaña y hasta, en ocasiones, de suministrarse oxígeno. A su milagrosa recuperación, no fue en absoluto ajena la terapia musical que su médico le recomendó y que acabó llevándola, cuatro años después, a grabar su primer disco.

"Gardot es jazz sin serlo, aun siéndolo" sentenció un crítico francés ante la evolución abierta a nuevos ritmos y experiencias que la cantante ha ido experimentando, aunque sin abandonar nunca sus raíces. Lo cierto es que junto a  Diana Kroll,  Cassandra Wilson y  Norah Jones, forma el cuarteto más cotizado del  jazz  femenino  contemporáneo. Compositora y pianista -aunque en ocasiones también se acompaña de la guitarra- Gardot atesora una voz madura, dulce y aterciopelada, con la que envuelve sus magníficas interpretaciones. De festival en festival y de gala en gala, la norteamericana triunfa y enamora allí donde va. No es fácil elegir un tema entre su amplísimo repertorio. Cualquiera de ellos, especialmente sus baladas, vale su peso en oro. Nos gusta tanto esta artista que, en su primer paso por este blog, hacemos la excepción de proponer dos de sus temas. El primero una canción de esencia claramente blues, mientras que el segundo refleja una interpretación en directo de una de sus más populares baladas. Una delicia.

EL CANTO DEL LOCO / NATALIA LAFOURCADE "CONTIGO"

Con cerca de una decena de álbumes de estudio, en directo o recopilaciones, el grupo pop El Canto Del Loco (ECDL) se fue haciendo un consistente hueco en el panorama musical español desde sus inicios en 1995. Liderados por Dani Martín, e inspirados por los grandes del pop español, este grupo afincado en Madrid toma el nombre de la canción "El canto del gallo" de Radio Futura. Apadrinados por el cazatalentos Paco Martín,  ECDL no editan su primer trabajo hasta el año 2000, bajo la producción del ex-Tequila, Alejo Stivel. A partir de ahí el grupo, que para entonces ya se ha ganado el favor del público joven y adolescente, irá encadenando distintos éxitos y reconocimientos, superando el millón de discos vendidos. Aunque se les haya acusado de grupo quinceañero y de poca originalidad, la banda -indisolublemente asociada a Dani Martín- irá demostrando una creciente madurez musical. En su camino, canciones  de éxito como "Eres un canalla", "Puede ser", "Besos", "La madre de José", "Zapatillas" o nuestra propuesta de hoy.

Editada inicialmente en 2002, "Contigo" es una balada de amor dedicada al público. En el 2010 -a punto de disolverse la banda- ECDL la grabará nuevamente con la mexicana Natalia Lafourcade, una cantante y artista polifacética muy destacada en su país y en el ámbito musical latino, con una gran sensibilidad interpretativa, tal y como acredita su aportación a este dueto. Esta  es la versión del tema que hoy te proponemos.

BEETHOVEN "MOVIMIENTO 2º, 7ª SINFONÍA"

Hoy nos vamos a otorgar una pequeña -enorme, en realidad- licencia. Extraer el que, para no pocas personas, es el pasaje más bello jamás escrito en la historia de la música. Hablamos de la primera parte del 2º movimiento (el Allegretto) de la 7ª Sinfonía de Beethoven. Nada comentaremos. Bastará escuchar la magia de estos tres minutos.

Y para ello, difícilmente puede darse con una conjugación musical más perfecta que la formada por el gran compositor alemán, interpretado por la Orquesta Filarmónica de Berlín a los mandos de Herbert von Karajan. Tampoco aquí hace falta añadir mucho más. Y es que, aunque todo es susceptible de cuestionarse, no deja de ser cierto que el alemán Ludwig van Beethoven es, probablemente, el más grande compositor de música clásica. A caballo entre el clasicismo y el romanticismo, sus obras, especialmente sus sonatas, conciertos y sinfonías, así lo avalan. Su compleja personalidad, sus éxitos y fracasos y las penurias vitales que culminaron con su sordera, le marcaron hasta el final de sus días. Pero su legado perdura y se agranda con el paso del tiempo. Por otra parte, pocos directores han sabido captar el espíritu del genio alemán, como el austríaco Herbert von Karajan -nacido, al igual que Mozart, en Salzburgo- haciéndolo, en esta ocasión, al frente de la afamada Orquesta Filarmónica de Berlín. La resultante es, sencillamente, espectacular.

Con todo, y para compensar lo que puede ser considerado un sacrilegio musical, adjuntamos un vídeo íntegro de esta Sinfonía nº 7 interpretada por la West-Eastern Divan Orchestra, el personal proyecto orquestal del gran director Daniel Barenboim.

MÓDULOS "TODO TIENE SU FÍN"

Situémonos al final de los sesenta. El beat ya no se lleva. La nueva apuesta mayoritaria es la psicodelia y el rock progresivo y sinfónico. La pauta, como siempre, la marcan los grupos británicos y, en menor medida, los estadounidenses. En España hay un músico muy inquieto, que ha venido colaborando con el grupo Los Ángeles, y que busca crear una banda acorde a la evolución última de Los Beatles o grupos como King Crimson, Yes, Pink Floyd, Emerson, Like & Palmer o Procol Harum. Se trata de Pepe Robles, compositor, cantante, guitarra y multinstrumentista quien, en compañía del teclista Tomás Bohórquez, el bajista Emilio Bueno y el batería José Antonio García Reyzábal, formará Módulos. Desde el comienzo el grupo trabajará a conciencia y con bastante libertad por parte de la discográfica Hispavox para, sin renunciar a alguna faceta pop más comercial, adaptarse a las nuevas tendencias internacionales. En 1970 lanzarán su primer álbum, "Inquietudes", con un par de temas versionados de Los Beatles y canciones como "Nada me importa", "Noche de amor" o el tema que hoy proponemos, "Todo tiene su fin". 

Con esta canción, Módulos serán pioneros en romper en España la regla de los tres minutos de duración para lograr que un tema triunfe. También en el uso en un hit español del llamado Wall of sound -en castellano Sonido de muralla- que logra la reverberación musical. Eso, junto a una espectacular introducción del órgano Hammond, un gran acoplamiento instrumental, sus acertados cambios de ritmo, la guitarra y el cante melancólico y triste de Pepe Robles, harán que esta balada se convierta en un gran éxito y, con el paso del tiempo, en un clásico del pop español. Tampoco será casual que sea un grupo de rock como Medina Azahara y otros intérpretes andaluces, los que versionen y contribuyan a mantener la popularidad de la canción, ya que en la interpretación de Robles, madrileño de nacimiento pero malagueño de adopción, se percibe también un deje aflamencado. Módulos editará otros álbumes pero, aunque aún obtendrán algún que otro éxito como "Solo tú", nunca llegarán al nivel que alcanzaron con este trabajo. Junto a la versión remasterizada del tema, hemos querido adjuntar un apreciable vídeo montaje que TVE hizo con la canción y el grupo en su momento.

LUZ CASAL "LO ERES TODO"

Esta cantante gallega de nacimiento y asturiana de adopción, estudió piano, solfeo, bel canto y ballet, teniendo claro su interés por dedicarse profesionalmente a la interpretación. Con 19 años se trasladará a Madrid para comenzar con actuaciones menores y como acompañante coral, logrando ir haciéndose un hueco musical con su vertiente más rockera, grabando su primer álbum en 1982, con temas propios y de autores como Roque Narvaja, Noel Soto o Ramoncín. "No aguanto más", uno de los sencillos del disco, le dará a conocerse ante el gran público. De esta primera etapa rockera, en la que colaborará con otros autores como Rosendo Mercado, Elena Santonja, Hilario Camacho, Santiago Auserón o Antonio Vega -y con tres álbumes en su haber- quedarán otros temas como "Deseo de silencio", "Ciudad sin ley" o "Rufino". A finales de los ochenta, Luz dará un giro a su carrera, explotando su vena interpretativa más pop y melódica, con su trabajo "Luz V" y temas como "No me importa nada", "Te dejé marchar" o "Loca". Tendrá un gran éxito que se acrecentará en su siguiente trabajo, "A contraluz", que incluirá las canciones "Piensa en mí" y "Un año de amor", que Almodovar utilizará en su película "Tacones lejanos".

A partir de ese momento, y ya como cantante popularmente consagrada, se afianzará una carrera con resonancia internacional y nuevos temas como "Dame un beso", "Entre mis recuerdos", "Ni tú ni yo" o "Lo eres todo", el tema que hoy te proponemos, una adaptación de la balada de Vainica Doble, tan solemne como rotunda y excesiva en su letra, en donde la voz de Luz expresa toda su fuerza y hondura, con unos arreglos a la altura de su magistral interpretación. 

EL KANKA "QUERRÍA"

Este malagueño de 37 años y de nombre Juan Gómez Canca, compaginó sus estudios con su creciente interés por la guitarra y la música. Tras varias experiencias musicales en su tierra, se traslada a Madrid en donde comenzará a despuntar en su faceta de cantautor. Con un cante fresco y popular, una mezcla de estilos y composiciones tan variadas como personales, El Kanka se hará un hueco y se irá ganando un creciente respeto musical en sus más de diez años de trayectoria artística, habiendo publicado cuatro trabajos y demostrando que hay vida musical también fuera de los grandes circuitos comerciales. Su popularidad se cimenta en las redes sociales (sus canciones acumulan en You Tube más de 50 millones de visitas) y en esporádicas apariciones en los medios de comunicación. A reseñar las colaboraciones que ha tenido con cantantes como Rozalén o Jorge Drexler. Entre las canciones, de El Kanka destacan algunas como "Volar", "Lo malo que estoy y lo poco que me quejo", "Payaso", "Andalucía", "Refunk", "Me gusta" o "Querría", el tema que hoy te proponemos a ritmo de bolero romántico y que, en esta versión, interpreta acompañado por el grupo The Mexicats.

THE ROLLING STONES "START ME UP"

Estamos ante la que, por trayectoria y longevidad, es probablemente la más grande banda de la historia del rock. Desde su formación en Londres en abril de 1962, han transcurrido más de 58 años y ahí siguen Mick Jagger, Keith Richards y Charlie Watts, con sus setenta y muchos años a cuesta, pateando escenarios y llenando estadios, a falta de los otros dos fundadores de la banda, Brian Jones, que la abandonó prematuramente y falleció con posterioridad, y Bill Wyman, que dejará el grupo en 1993. Ciertamente, hoy Los Rolling no dejan de ser un mito ambulante de su propia historia. Es en los sesenta cuando despuntarán como banda de rock, con incursiones en el blues y el R&B, alcanzando la popularidad mundial con "Satisfaction" en 1965. Aun con caminos y trayectorias distintas, durante esta década se establecerá una clara competencia y rivalidad con Los Beatles, especialmente entre sus seguidores, considerándose a Los Rolling más puristas de las esencias rockeras frente al eclecticismo de los de Liverpool. Lo que mucha gente no sabrá es que Los Beatles recomendaron en sus comienzos a Los Rolling y hasta les compusieron algún tema. Incluso, ya en plena fama de Los Stones y a raíz de sus primeros problemas con las drogas, Lennon y McCartney llegaron a hacerles los coros, además de compartir escenario. La banda cosechará en estos años grandes éxitos como "Paint It Black", "Jumpin´ Jack Flash" o "Sympathy For The Devil", alcanzado un punto de inflexión en 1973 con la extraordinaria balada "Angie".

A partir de ahí, la fama, el consumo de drogas y los egos del grupo les llevarán a un período decadente que, sorprendentemente, remontarán a finales de los setenta y comienzos de los ochenta con álbumes como "Some Girls", "Emotional Rescue" o "Tattoo You", trabajo al que pertenece el tema "Star Me Up", que hoy proponemos en una versión en directo. A estas alturas, la banda habrá ido evolucionando desde períodos de influencia psicodélica y pop, llegando hasta el funk, pero sin abandonar nunca sus esencias rockeras y de R&B. Volverán tras estos trabajos a un período de declive que nuevamente superarán, en este caso con  algún nuevo trabajo apreciable a las puertas de los noventa, con sus álbumes "Steel Wheels" y "Voodoo Lounge" pero, sobre todo, con una creciente explotación y éxito comercial basados en la historia del propio grupo y su transformación en mito e icono del rock. Y en esas continúan Sus Satánicas Majestades.

JARABE DE PALO "BONITO" / "ESO QUE TÚ ME DAS"

No se trata de convertir este blog en un obituario. Pero, no por esperada, es difícil sustraerse a la muerte que hoy hemos conocido del cantante Pau Donés, a causa del cáncer contra el que tanto ha combatido. Este catalano-aragonés, mostró desde joven su inclinación musical. Creó y actuó con distintos grupos sin comnocer el éxito hasta que, con treinta años -ya con Jarabe de Palo- publica su primer álbum, "La flaca", que incluirá el tema de igual nombre, convirtiéndose en un gran éxito en todo el mundo de habla hispana. Con su mezcla de estilos -siempre con un toque latino y pop- Donés y su grupo lograrán triunfar con otros temas como "Bonito", "Depende", "Cómo quieres ser mi amiga", "Grita" o "Agua", colaborando con artistas como Sabina, Leiva, Antonio Vega, Peret, Alejandro Sanz o el mismísimo Pavarotti.

"Bonito", el tema que hoy proponemos, refleja bien el estilo positivo y vital de la música de Pau Donés. Especial relevancia adquiere el colorista vídeo de la canción, en el que el cantante camina por una carretera y va cruzándose con personajes de lo más variopinto. Solo en su versión oficial, este vídeo tiene a día de hoy cerca de cien millones de visualizaciones. Nos parece también pertinente incluir un vídeo con su póstuma canción, "Eso que tú me das", un tema de agradecimiento a la vida realizado en compañía de su hija Sara.

TOM JONES "DELILAH"

Este domingo ha cumplido ochenta años el cantante Tom Jones. Su verdadero nombre es Thomas John Woodward, pero su mánager, Gordon Mills, decidió cambiárselo a mediados de los años sesenta por el del protagonista de la famosa novela picaresca británica de igual nombre. Es también conocido como "el tigre de Gales", atendiendo a su origen. Desde joven, el cantante sintió una gran inclinación por la canción, actuando en distintos grupos y orquestas, aunque el triunfo como solista no le llegaría hasta 1965 con el tema "It´s Not Inusual". Durante una década, Jones estará en primera fila como crooner con su potente voz y una imagen viril y algo estrafalaria, de la mano de canciones como el tema ya citado y otros como "Thunderball" (tema principal de la película de James Bond de igual título), "What's New Pussycat", "Help Yourself" o, especialmente, "Delilah", el tema que hoy proponemos. Con posterioridad, su carrera decaerá y pasará a un segundo plano hasta que, tras la muerte de su mánager Mills, su hijo Mark se ponga al frente de la misma, relanzando su imagen y discografía con distintas recopilaciones, colaboraciones o temas nuevos como "Sex Bomb", canción que encaja como anillo al dedo para la imagen de quien, a pesar de mantener hasta la muerte de su esposa en 1988 su temprano matrimonio, ha llevado fama de seductor impenitente. En la actualidad, mantiene su aureola de mito viviente y triunfa allí donde va.

Respecto a "Delilah", más allá de su popularidad mundial, es un tema que en Gran Bretaña ha traspasado su mera condición musical, convirtiéndose en virtual himno galés y cántico de referencia en los prolegómenos de los partidos de rugby, identificando a los equipos de origen obrero frente a los más elitistas ingleses. Además, la canción tampoco escapa a la polémica por el componente violento que se describe como reacción a la infidelidad de la protagonista del tema. Sea como fuere, esta balada con ritmo de vals, es todo un espectáculo en la voz de Tom Jones. Por eso hemos querido proponerla en una versión festiva y multitudinaria en donde un Jones ya maduro, se luce ante su público. Por hacer justicia a la interpretación en plenitud del cantante, adjuntamos también un vídeo de una antigua actuación televisada del galés, con un playback de la versión original del tema.

JOHN WILLIAMS "STAR WARS: MARCHA DEL EMPERADOR" / ENNIO MORRICONE "EL BUENO, EL FEO Y EL MALO"

Si alguna vez debía haber una excepción en este blog para proponer el protagonismo a más de dos temas e intérpretes en una misma entrada, no vemos mejor momento para hacerlo que la semana en que se ha anunciado la concesión del Premio Princesa de Asturias de las Artes a los compositores John Williams y Ennio Morricone, por su monumental aportación a la historia de la música cinematogáfica.

Sin desmerecer a ninguno de los dos, ni a otros grandes compositores de bandas sonoras, el estadounidense John Williams es sin duda el más grande entre los grandes. "Tiburón", "Supermán", "La guerra de las galaxias", "En busca del arca perdida", "ET", "La lista de Schindler", "Parque Jurásico" o "Harry Potter", son solo algunas de sus bandas sonoras. También ha compuesto temas de series televisivas, fanfarrias para los juegos olímpicos o la música de importantes actos conmemorativos. Muy influenciado por algunos grandes compositores clásicos románticos como Wagner, John Williams ha demostrado una enorme versatilidad y un gran acoplamiento musical a la pantalla cinematográfica, logrando una identificación total del leitmotiv de sus composiciones con las películas o los personajes que acompañan. Y como mejor ejemplo, el primer tema que hoy proponemos: basta escuchar sus primeras notas para asociarlas de manera inmediata no ya a la película a la que pertenece -que también-  sino específicamente al malvado Darth Vader. En este caso la interpretación corre a cargo de la Orquesta Filarmónica de Viena con el propio Williams al frente de la misma: cinco Oscars y cincuenta y dos nominaciones a dichos premios contemplan al neoyorquino.

Por otra parte, habrá pocos compositores más prolíficos y populares que el romano Ennio Morricone. Y es que a lo largo de su historia han sido más de quinientas las bandas sonoras de cine y televisión que ha compuesto, además de musicar distintos acontecimientos y hasta una misa dedicada al papa Francisco. Si a Williams se le identifica con Steven Spielberg, Morricone va ligado a Sergio Leone y sus spaghetti western, como el segundo tema que hoy proponemos: "El bueno, el feo y el malo"; o en "Por un puñado de dólares", "La muerte tenía un precio" y "Hasta que llegó su hora". También de la mano de Leone compuso la banda sonora de "Érase una vez América". Otras películas inolvidables con música de este grande -con dos Oscars en su haber- son "Sacco y Vanzetti", "Los intocables de Eliot Ness", "Cinema Paradiso", "La misión", "Frenético" o la española "Ätame" de Almodovar. En este caso, la versión que proponemos es una cuidada puesta en escena de la Orquesta Nacional Sinfónica de Dinamarca con la directora Sarah Hicks al frente.

IYEOKA "SIMPLY FALLING"

Iyeoka Okoawo es una cantante y poeta y estadounidense de origen nigeriano, que utiliza los sonidos del jazz, el funk o el soul para transmitir su poesía, a través de una expresión vocal con un claro toque afro, al que imprime un carácter propio y que nos evoca a una Nina Simone, Amy Winehouse o a la propia Sade Adu. Estamos ante una narradora musical muy emocional (compagina su labor artística con su trabajo como educadora y activista social) que se expresa de forma sincera y positiva. Iyeoka comenzó su carrera musical con el grupo The Rock Funk Tribe y se dió a conocer con su versión del tema "Desire" de U2 en el álbum homenaje que artistas africanos hicieron en 2004 a la banda irlandesa. Hasta la fecha ha grabado cuatro trabajos de estudio y uno en directo, mostrando una evolución pop, aunque manteniendo sus raíces afro y su característico toque musical y declamatorio.

En 2010 publica su álbum "Say yes", en el que incluye el tema "Simply Falling" con el que obtuvo un gran éxito. Iyeoka ha continuado dejando muestra de su talento compositor e interpretativo con canciones como "Poem For Love", "Every Second Every Hour", "I Am Descendeing", "Testify" o "Gold". Una artista contemporánea distinta e interesante.

LOS RODRÍGUEZ "SIN DOCUMENTOS"

A comienzos de los años 90, Julián Infante habla con Ariel Rot, el también guitarra y cantante argentino con quien había coincidido en el pasado en el grupo Tequila, para formar un nuevo grupo de rock, en compañía del batería Germán Viella. Rot incorporará al proyecto a Andrés Calamaro, rockero argentino de éxito. Calamaro, que había dejado a su novia en Argentina, propuso el nombre del grupo, ya que le hacía gracia la connotación española de "estar de Rodríguez". Con estos mimbres, pocos complejos y ganas de comerse el mundo, la banda hispano-argentina echa a andar, grabando su primer LP en 1991, con un claro sonido rock, aderezado de toques hispanos como la rumba. Temas como "Engánchate conmigo", "Palabras más, palabras menos", "Milonga del marinero y el capitán", "Copa rota" o "Sin documentos", dan cuenta de la extraordinaria calidad de esta banda, sin duda una de las mejores de la historia del rock hispano o latino. El creciente liderazgo de Calamaro y algunas diferencias dentro del grupo, acabarán por provocar su separación en 1996, cuando la banda había alcanzado la cima del éxito. Además, y al igual que ocurrió con Tequila, los problemas con la droga no serán ajenos al grupo.

En "Sin documentos" se aprecia esa fusión entre el rock y la rumba tan característica de Los Rodríguez. Se dice que el batería Germán Viella no quería grabar la canción porque no le gustaba nada y que intentó boicotearla con el singular ritmo percusivo que le acompaña... logrando el efecto contrario al deseado. A la vista (y al oído) está.

SCORPIONS "STILL LOVING YOU"

Esta banda alemana de rock duro fue fundada en Hannover en 1965, teniendo entre sus principales componentes  al cantante Klaus Meine y al guitarrista Rudolph Schenker, coautores del tema que hoy te proponemos. En 1972 graban su primer álbum y pronto comienzan una prolífica producción musical que les hará triunfar en Europa y en Japón en un primer momento y, a partir de los ochenta, también en el resto del mundo. El grupo introducirá distintos cambios entre sus músicos, aunque Meine y Schenker continuarán siendo los claros referentes de una banda que, a punto de colgar los trastos, ha vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo. 

En 1984, Scorpions publica su noveno álbum, "Love At First Sting". Solo tres años antes, Meine ha estado a punto de perder su voz, pero un par de operaciones milagrosas le devolverán la plenitud a sus cuerdas vocales. Entre las nuevas composiciones del LP, destacará la espectacular balada "Still Loving You", un desgarrador poema de amor que hace mención al intento de recomponer una relación rota, aunque muchos hayan querido ver en la canción una metáfora a la división que aún entonces sufría Alemania. El tema, que empieza con una lenta introducción de guitarra y voz, toma fuerza con la irrupción del resto de la banda a golpe de batería, y con algunos cambios súbitos en el ritmo de acompañamiento de los instrumentos que, junto con el solo de guitarra de Schenker, van acentuando la potencia de una canción que Klaus Meine interpreta magistralmente. Aunque Scorpions seguirá triunfando hasta la fecha, el tema marcará un antes y un después en el grupo. No en vano está considerada la balada más popular de todo el heavy metal. Estilo que cobra más fuerza, si cabe, al interpretarse en directo. Como prueba de ello, os proponemos también una versión en vivo de la canción. 

BOB JAMES "SIGN OF THE TIMES"

Bob James es, quizás, el máximo representante de lo que en los años setenta se vino en llamar jazz fusion y que ahora se denomina smooth jazz (jazz suave). Pianista, teclista, compositor, arreglista, director de orquesta y productor, Bob James tiene una impecable trayectoria que empieza por su sólida formación musical clásica y jazzística desde la niñez, pasando por sus comienzos como pianista de free jazz y be bop, con una clara influencia de músicos de la talla de John Coltrane, Charles Mingus o Bill Evans. En los sesenta, de la mano de Quincy Jones, empieza a destacar y a colaborar como pianista y arreglista con grandes músicos y cantantes de jazz como Carmen Mc Rae, Roberta Flack o Sarah Vaughan. En 1974 edita su primer LP, siendo imposible reseñar los más de sesenta álbumes en donde ha tenido un papel protagonista, al lado de gente como Quincy Jones, David Sanborn, Marcus Miller, Richard Tee, Chuck Loeb, Joanne Brackeen, Steve Gadd, Billy Cobham, Maynard Ferguson, Dexter Gordon, Stan Getz o la banda de Billy Joel. Reseñar su participación en el mítico concierto de jazz rock "Montreux Summit" de julio de 1977, su composición del tema olímpico de basket de Los Ángeles 84 o del tema de la serie de televisión "Taxi", sus adaptaciones e interpretaciones de clásicos como Bach o Rameau, o sus cada vez más frecuentes conciertos de jazz tradicional. En los últimos años, algunos de sus éxitos figuran entre los más sampleados del hip hop. 

Hoy proponemos uno de sus temas más comerciales, "Sign Of The Times", editado en 1981 con la colaboración del gran Rod Temperton (autor de canciones como "Thriller", "Give Me The Night" o "Razzmatazz") y el solo de scat de Major Holley. Y, para poder captar mejor la esencia del jazz fussion en estado puro, adjuntamos también el tema "We Are All Alone", grabado en directo en 1979 en el Carnegie Hall de Nueva York, con espectaculares solos y duelos instrumentales. Sin desmerecer ningún otro momento del tema, nos quedamos con el duelo de trompetas que protagonizan Mike Lawrence, Ron Tooley y Tom Brown entre los minutos 5.10 y 7.30 del vídeo.